Planeta Otaku

Marcha Zombie México 2011

2011-11-28T20:25:00.000-06:00

Mientras el vampiro se ocupa de erradicar cualquier rastro de brillo de su cutis, reaccionar con sobresalto ante el mínimo vestigio de vello corporal y someter su dieta con estrictos lineamientos vegetarianos, el zombi de pronto emerge como el monstruo icono contemporáneo. En medio del colapso financiero internacional que ha poblado capitales enteras de auténticos "muertos vivientes", las personas redescubren su condición mortal y efímera en este mundo así como sus miedos más íntimos: las células, órganos y tejidos musculares de igual forma se descomponen sin importar género, especie y mucho menos condición social.

La naturaleza inclusiva del reclutamiento zombi alienta e identifica a la mayoría humana (llámese el 99%), y aunque no la confronta directamente con el oligarca acaparadora (1%), no duda en compartir su condición de menor relevancia en el escalafón bestiario, si acaso cuenta con alguna: imposible disfrutar de la miseria ¡pero qué sencillo compartirla!

La quinta Marcha Zombi, llevada acabo en la Ciudad de México el pasado 26 de noviembre convocó, de acuerdo con cifras oficiales, a 9 mil 806 muertos resucitados quienes por un par de horas se apropiaron del espacio público del primer cuadro de la ciudad. Que dicha convocatoria haya roto un récord Guinness y apoyado una causa social mediante la recaudación de alimentos no perecederos en beneficio de grupos vulnerables, no implica sin embargo, adjudicarle dimensiones sociales que no le corresponden. ¿De verdad hace falta una justificación políticamente correcta para llamar a la tropa zombi a tomar las calles?

Lo importante es resaltar la fascinación actual por la figura zombi en la cultura multimedia, que abarca lo mismo clásicos literarios y cinematográficos hasta cómics, series de televisión y videojuegos. La contradicción o ironía (según se mire), se ubica en el doble filo de asumirse muertos vivientes, toda vez que representan al autómata por antonomasia. No extraña, por lo tanto, que durante la marcha se repartieran volantes invitando al after-party (?) en bares y restaurantes de la zona.

No vaya a ser que al igual que nuestro amigo hematófago, el mítico holocausto zombi se transforme, de una terrible epidemia viral, en portada recurrente de la sección vida y estilo.

The Troll Hunter

2011-11-14T17:33:00.001-06:00

Varios osos han sido cazados ilegalmente en las cordilleras noruegas muy cerca de las zonas ganaderas, así que tres estudiantes universitarios, con cámara y micrófono en mano, buscan documentar los sucesos y denunciar el extermino natural que ello supone. Con la advertencia previa de que el material proyectado son, en efecto, las evidencias originales y sin edición que los intrépidos estudiantes consiguieron grabar, la sucesión de acontecimientos se ven envueltos por una atmósfera realista propia del género “falso documental”, el mismo que popularizara el mítico Proyecto de la Bruja de Blair en 1999.

La recolección de testimonios apunta hacia el principal sospechoso, Hans, suerte de cazador furtivo que por razones obvias elude emitir declaración alguna al respecto. Tal situación no merma el entusiasmo de los documentalistas por descifrar la verdad y persiguen sin descanso al sujeto de aspecto tosco, desalineado. Dicha ambición los orilla a internarse en la oscuridad del bosque y enfrentarse cara a cara con lo desconocido, con seres hasta entonces descritos únicamente en fábulas y cuentos infantiles.

Con Trol (Trolljegeren, 2010), Noruega muestra al mundo su faceta cinematográfica, de por sí desconocida, más amable. El director André Øvredal recurre a las técnicas narrativas que definen el éxito indiscutible del falso documental y las adapta con soltura y eficacia a las características geográficas escandinavas. Apoyado por un guión sólido, con fisuras estructurales mínimas pero perceptibles, lleva la figura mitológica del Trol a niveles insospechados: logra describirlos física y socialmente; define sus razas, tipo sanguíneo, olores y texturas así como sus hábitats destruidos, para no variar, por el ser humano.

Por extraño que parezca, gran parte del realismo impreso en la película no proviene de la imagen resultado de una cámara nerviosa que apunta, siempre extraviada, hacia cada rincón del bosque, sino del campo sonoro obtenido gracias a un micrófono ambiental sofisticado. En las persecuciones nocturnas, el público resultará inmerso junto a los protagonistas por la sensación sonora de tener al Trol respirando junto a nosotros, no tanto por la condición subjetiva de la lente desenfocada.

¿Cuáles efectos especiales? En ningún momento se nota que la intromisión de los CGI contaminen las tomas, mucho menos las secuencias: aspecto fundamental para disipar duda alguna sobre la veracidad de las cintas proyectadas: ¡los troles que observamos son reales y habitan en Noruega!

Por lo tanto, esta denuncia como premisa central del documento queda a juicio de la capacidad de asombro por parte del espectador, quien desde el principio debe asumir como verdadero cada segundo proyectado, y al final, abandonar la sala con la firme convicción de exigir que dicha información se haga pública de una buena vez. Si su actitud resulta incluso más escéptica que antes de la exhibición, los compadezco por haber evaporado de sus mentes cualquier chispa fantástica que les permita disfrutar de un falso documental… auténtico.

The Troll Hunter, Dirección y Guión: André Øvredal; Fotografía: Hallvard Bræin; Reparto: Otto Jespersen, Hans Morten Hansen, Tomas Alf Larsen; Productora: Film Fund FUZZ / Filmkameratene A/S; País: Noruega; Año: 2010; Duración: 90 minutos.

Reseña escrita como colaboración para la sección de cine en el portal Monsters&Geeks

Trol The Troll Hunter André Øvredal Falso Documental Otto Jespersen

MACHINA MEDIVM APPARATVS

2011-10-28T23:59:00.000-05:00

La exposición colectiva integrada por seis obras de arte, piezas complejas en tanto tecnología y diversas en tanto búsqueda científica, comienza el próximo sábado 29 de octubre a las 20:00 horas en las instalaciones del Laboratorio Arte Alameda. La muestra reúne el trabajo de Fabiola Torres-Alzaga, Gilberto Esparza, Santiago Izcóatl, Marcela Armas, Ale de la Puente y Rafael Lozano-Hemmer, que de acuerdo con Karla Jasso, curadora de la presentación, tratan de reflejar una mirada a la concepción de la ciencia, la tecnología y la magia en la Nueva España del siglo XVII.

Marcela Armas | Máquina Stella

Un sistema en equilibrio dinámico que opera en sí mismo a partir de una relación de tensión constante entre las partes que lo conforman. El sistema se alimenta de energía eléctrica, los módulos están interconectados entre sí como órganos, ejecutando un movimiento de repartición continua de la energía disponible a través de las venas que alimentan la ciudad.

Esta máquina se ha ido conformando en sintonía con un pensamiento sobre el movimiento de la energía en el cosmos. Las estrellas nacen, crecen y cuando mueren, su energía y su materia se dispersa en el espacio para formar nuevas estrellas, sistemas solares, planetas. En la Tierra, la energía también circula como parte de la preservación del orden que sostiene a la vida. Una analogía sobre el funcionamiento de nuestra sociedad que continuamente extrae y consume energía del planeta.

Gilberto Esparza | Plantas Nómadas

Antes, fundar una ciudad a las orillas de ríos que garantizaran el abastecimiento de agua en toda la zona urbana significaba todo un privilegio. Ahora, con la contaminación indiscriminada de los mantos acuíferos y las corrientes pluviales, el resultado es totalmente opuesto. La planta nómada es en sí, un ecosistema contenido en robot biotecnológico conformado por plantas y microorganismos viviendo simbióticamente en el cuerpo de una máquina. Este organismo vive cerca de los ríos contaminados por deshechos de la urbe, se desplaza para encontrar el agua residual y la procesa para poder transformar nutrientes en energía, cumpliendo así sus ciclos vitales.

Durante un mes del tiempo de la exposición, la planta nómada se desplazará al Rio Lerma, en donde se realizará un trabajo de observación del comportamiento y la autonomía del robot biotecnológico. El trabajo de campo será transmitido en las salas del Laboratorio. Con este gesto se pretende mostrar que un proyecto de tal magnitud no tiene un principio y un fin , sino que sólo puede entenderse como un proceso de investigación constante, nómada, como su propio nombre lo indica.

Fabiola Torres-Alzaga | El problema de lo real

Un laberinto de espejos, cabinas a escala humana que reproducen infinitamente los reflejos y las imágenes. La experiencia de su recorrido y el andar a través de sus pasajes, parece perdernos en un lugar que no es lugar. Las imágenes infinitas que se generan , parecen continuar su camino en su propio reflejo, para ocupar múltiples espacios diferentes en una misma temporalidad. Así, dos personas distintas pueden fundirse en el degradado de una sola superficie, o bien, veerse a sí mismas bajo la sospecha de ser ese otro.

Al final o el principio —es delicada cualidad de los laberintos— del recorrido, encontramos algunos elementos de la magia de salón. La magia como ciencia o la ciencia de la magia.

Rafael Lozano Hemmer | Nave Solar

Nave Solar en una pieza interactiva diseñada para el ex-convento de San Diego. A manera de una esfera de seis metros de diámetro colgada de la cúpula hacia el interior de la iglesia la instalación consiste en un simulación en tiempo real de la actividad que acontece en la corona solar. Las imáagenes proyectadas en la esfera son generadas por ecuaciones matemáticas que generan turbulencias, llamaradas, eyecciones y manchas solares mezcladas con las más recientes apreciaciones obtenidas por observatorios solares de la NASA. Una cámara que detecta el movimiento del público retroalimenta a las ecuaciones, de tal forma que el comportamiento de la pieza cambia dependiendo de la actividad presente en la sala de exposición.

Ale de la Puente | Tiempo in=movil

Un dispositivo conformado por 12 proyectores de 8mm y pantallas, se encuentran dispuestos de manera circular. Una sola cinta o material fílmico recorre cada uno de los proyectores en un movimiento continuo y sin fin, rompiendo el funcionamiento tradicional del carrete cinematográfico. La imagen que es proyectada en cada una de las pantallas es el resultado de una doble operación: el movimiento del sol fue registrado de manera digital, es decir, una captura de datos que permite en la edición del material, editar el tiempo para después ser grabado en material análogo. La poética de esta doble conversión permite rescatar lo que el material fílmico es, captura de instantes.

Santiago Itzcóatl | Sismo_lógico

Sistema sonoro y lumínico de instrumentación autónoma que interpreta eventos sísmicos registrados y publicados en la web, por una red de institutos internacionales dedicados a la investigación en diversas ramas de la sismología.El sistema está contenido en una esfera articulada por medio de un conjunto de módulos que se encuentran distribuidos sobre un retícula exagonal que compone la superficie de la geodésica, diseñada para contener doscientas sesenta cajas de luz.

Como objeto, la esfera propone una representación del planeta basada en un estructura de datos espaciales denominada "Sistema Discreto de Red Global o DSGS", el cual resuelve la interpolación de datos desde coordenadas geográficas hacia una matriz de polígonos geodésicos, gracias a la ayuda de una librería de procesamiento de datos utilizada para monitorear información satelital. La Tierra como objeto de diseño industrial.

Karla Jasso reconoce el Antiguo Convento de San Diego (sede del Laboratorio Arte Alameda) como una carga simbólica del espacio que añade mayor potencia a las obras exhibidas a lo largo de los 10 años que ha colaborado en el museo. El hecho de que en la entrada al atrio se descubra un pequeña placa con la inscripción: "Frente a este lugar estuvo el quemadero de la Inquisición de 1596 a 1771", confirma la disposición de Machina-Medivm-Apparatvs como un horizonte de discurso; un detonante de acciones diversas como la producción de obra contemporánea y la producción de pensamiento.

Las seis piezas cuyos ejes conceptuales tocan delicadamente los temas de magia, ilusión, materiales compuestos, astronomía, monitoreo ecológico, el mundo celeste y subterráneo, permanecerán abiertas al público a partir de su inauguración el sábado 29 de octubre a las 20:00 horas, hasta enero de 2012, de martes a domingo de 09:00 a 17:00 horas.

MACHINA MEDIVM APPARATVS Laboratorio Arte Alameda Karla Jasso

CROMA Fest: 1er Concurso de Animación y Efectos Visuales en México

2011-10-14T17:18:00.000-05:00

Nace en México CROMAfest, primer festival dedicado a la animación, los efectos visuales y el videojuego, con el principal objetivo de generar una plataforma estable que impulse la industria creativa local a través de la formación, intercambio de conocimiento y mutua colaboración con la industria internacional.

El festival CROMA se llevará a cabo del 13 al 19 de febrero de 2012 en la colonia condesa de la Ciudad de México, lapso en el que se ofrecerán conferencias magistrales, mesas de discusión, clínicas especializadas y talleres de formación. De la misma forma, diversos artistas nacionales e internacionales presentarán instalaciones interactivas, espectáculos multimedia e intervenciones híbridas en el espacio urbano con el fin de promover la participación de creativos que utilizan la animación como medio amplificador sobre los usos de la imagen digital y el videojuego. Además, los asistentes podrán generar vínculos profesionales y de negocio entre creadores mexicanos e inversionistas extranjeros para favorecer la co-inversión y la co-producción.

Para tal efecto, CROMAfest lanza una convocatoria de carácter internacional dividida en dos categorías: cortometraje animado y efectos visuales para publicidad. La selección oficial de ambos grupos se exhibirán al público durante el festival y los trabajos ganadores (uno por categoría) contarán con la oportunidad de asistir a festivales en Europa con el fin de contactar con nuevos mercados.

Convocatoria Categoría Animación:

Podrán inscribirse al concurso animadores independientes, colectivos y productoras, tanto nacionales como internacionales, siempre y cuando sean titulares de los derechos sobre la obra presentada.

Se podrá presentar un solo trabajo por animador, colectivo o productora.

Los cortos presentados a concurso tendrán que haber sido realizados con posterioridad a enero de 2010.

La duración del corto no deberá exceder los diez minutos.

Se aceptarán cortometrajes en cualquier técnica animada.

Los trabajos cuyo idioma sea distinto al español deberán ser entregados con subtítulos en español.

El jurado estará compuesto por figuras relevantes de la cultura digital y el cine, así como por un representante del festival, siendo su veredicto inapelable. Los miembros del jurado se darán a conocer en la página web del festival a partir de enero de 2012.

Premios:

El equipo de CROMAfest ha establecido dos premios: uno nacional y otro internacional. El ganador de la categoría animación será invitado a México durante el festival para presentar su trabajo públicamente.

El Ganador nacional será invitado a Segovia (España), en octubre de 2012, a presentar su trabajo dentro del Mercado Internacional 3d wire dedicado a la industria de la animación. En caso de que el ganador sea un colectivo o productora, deberán elegir a un representante que acuda a los eventos.

Categoría Efectos Visuales para Publicidad (Producción Nacional):

Podrán inscribirse al concurso artistas independientes, así como productoras audiovisuales nacionales legalmente constituidas, siempre y cuando sean titulares de los derechos sobre las obras presentadas, o tengan el permiso por escrito expedido por la agencia creativa y/o la marca para la cual se realizó.

Las piezas publicitarias presentadas a concurso no podrán durar menos de 30 segundos ni más de 3 minutos, deberán utilizar alguna técnica de Efectos Visuales, y deberán haber sido emitidas en cualquier medio electrónico a partir de enero de 2010.

Los concursantes deberán de presentar el fragmento de origen (antes de aplicación de efectos visuales) y el fragmento transformado con efectos visuales. Los dos fragmentos no deberán superar los 3 minutos de duración.

Premio:
El ganador de la categoría efectos visuales para publicidad será invitado a La Coruña (España) al Festival Mundos Digitales en julio de 2012, donde tendrá la oportunidad de conectarse con la industria europea, presentar su trabajo y participar en las actividades del festival.

El cierre de la convocatoria para ambas categorías es el día 10 de enero de 2012 a las 24:00 horas de México. La selección oficial del concurso será dada a conocer en la página web de CROMAfest a partir del 25 de enero de 2012. El ganador internacional de la categoría animación será informado el 26 de enero de 2012 para que puede asistir al Festival. Los ganadores nacionales serán dados a conocer el día de la premiación del concurso, que tendrá lugar entre el 13 y el 19 de febrero, dentro de las actividades programadas por CROMAfest 2012.

Croma fest Animación Convocatoria

AniFest 2

2011-09-24T23:10:00.002-05:00

El 1 y 2 de octubre de 2011 llega al Distrito Federal la segunda edición de AniFest, suerte de festival cinematográfico especializado en anime, acompañado de una selección de cinco largometrajes que representan la vanguardia estética y narrativa de la animación japonesa contemporánea. Nutridos aficionados así como público en general tendrán la oportunidad de presenciar en pantalla grande cintas de directores consagrados como Hayao Miyazaki (El viaje de Chihiro, El Castillo Ambulante), Hideaki Anno (The end of Evangelion), o el reciente fallecido Satoshi Kon (Perfect Blue); además de talento joven dispuesto a superar el horizonte trazado por verdaderos maestros del género, el caso de Mamoru Hosoda (La chica que saltaba a través del tiempo).

La escasa distribución que el anime padece en México, a pesar de la inobjetable popularidad que goza a nivel internacional, obliga a los entusiastas nacionales a recurrir a las plataformas multimedia para satisfacer la demanda que los circuitos comerciales no han sabido explotar. El monitor de computadora se ha convertido en la ventana al universo audiovisual, a pesar de sus desventajas e incomodidades en comparación con la pantalla de cine. Por tanto, la difusión por medio de festivales emergentes como AniFest representan pilares fundamentales para confirmar la transformación de las audiencias del siglo XXI, no tan masivas pero igualmente exigentes.

La experiencia previa sugiere que las proyecciones optarán por el formato digital, tal vez Ponyo (El secreto del sirenita) que sí contó con distribución oficial (Zima Entertainment), engalane la proyección con 35mm, además, los organizadores confirman que en esta edición prestaron sumo cuidado a la ortografía de los subtítulos, lo que incrementa el valor agregado de un festival novel pero que busca reconocimiento con el transcurso del tiempo.

El ciclo inicia en el Cinemex Real desde las 11:00 horas, con breves pausas entre funciones tan sólo para desocupar y reingresar a la sala. Habrá trato preferente para todo aquel que abone para las cinco películas, sin embargo, el acceso para quienes las elijan cintas individuales está garantizado. La preventa de boletos inició desde el 21 de septiembre por lo que se recomienda adquirirlos cuanto antes si no quieren perderse la oportunidad única de disfrutar anime como se debe: ¡en pantalla grande!

A continuación el listado de películas que conforman el AniFest 2:

11:00 AM - Ponyo

Décimo trabajo de Hayao Miyazaki como director, noveno bajo la producción de Studio Ghibli. Narra la historia de Ponyo, una niña-pez que desea experimentar el mundo de los humanos a pesar de la negativa por parte de su padre Fujimoto, quien se encarga de proteger el equilibrio marino de la contaminación humana. Pronto la determinación de Ponyo se impone y consigue aproximarse a la superficie donde conoce a Sasuke, niño de 5 años cuyo hogar se encuentra a orillas de un acantilado. La relación entre Ponyo y Sasuke pondrá a prueba su amistad así como el vinculo, tal vez quebrantado, entre el ser humano y el mar.

Ponyo, el secreto de la sirenita, Director: Hayao Miyazaki; Guión: Hayao Miyazaki; Director de fotografía: Atsushi Okui; Director de animación: Katsuya Kondo; Director de arte: Noboru Yoshida, Música: Joe Hisaishi; Productor: Toshio Suzuki; Edición: Takeshi Seyama; Studio Ghibli, Japón, 2008, 101 minutos.

01:00 PM - Summer Wars

La red de redes ya no asusta, pero al principio vaya que lo hizo. Si nos remontamos a finales del siglo XX nada como Serial Experiments Lain para representar aquel concepto (Internet) hasta ese entonces turbio, abstracto. La trama invitaba a un espacio virtual en el que se desenvolvían los pactos más oscuros, la subversión más extrema. Al compás, Matrix ayudó a despejar el panorama advirtiendo que el mundo como lo conocimos nunca sería el mismo. Entonces, con la irrupción de las redes sociales en nuestras

vidas hace poco más de un lustro, lo simplificaron todo y fertilizaron el terreno para que una película como Summer Wars triunfara.

Kenji Koiso, estudiante de secundaria y genio matemático, no figura como el típico protagonista de una aventura veraniega, sus planes para las vacaciones se limitan a mantener de medio tiempo el código fuente de la comunidad virtual OZ, donde es posible aprender, divertirse, ligar y montar negocios entre personas de todo el mundo. Sin embargo, la urgencia de Natsuki Shinohara, la chica más popular del colegio, por conseguir un "novio temporal" y cumplir una promesa pactada con su abuela, transforma el empleo de Kenji en un viaje exprés hasta Nagano, muy lejos del mundo informático, o al menos así lo piensa.

El talento de Mamoru Hosoda como director ha provocado, de manera muy apresurada, considerarlo como el heredero natural de Hayao Miyazaki. La crítica recibió con beneplácito su trabajo anterior "La chica que saltaba a través del tiempo" (que formo parte del primer AniFest), y ahora con Summer Wars no ha hecho más que consagrarlo. Heredero o no, Hosoda observa con reserva el discurso fatalista de Miyazaki respecto al uso de la tecnología en la vida cotidiana, no la absuelve de toda critica pero la define como necesaria e inevitable, tanto que lo refleja en la premisa de la película: la tecnología no aísla a las personas ni desintegra familias.

Summer Wars, Director: Mamoru Hosoda; Guión: Mamoru Hosoda; Director de fotografía: Yukihiro Matsumoto; Director de animación: Tatsuzou Nishida; Director de arte: Youji Takeshige; Música: Akihiko Matsumoto; Productor: Nozomu Takahashi, Takafumi Watanabe; Edición: Shigeru Nishiyama; Mad House Studios, Kadokawa Shoten, Japón, 2009, 114 minutos.

03:00 PM - The Disappearance of Haruhi Suzumiya

Junto con Rebuilt Evangelion 2.22 acaso la cinta que sólo el círculo otaku apreciará con plenitud y en consecuencia requiere vasta referencia previa. En la primavera de 2006, Kyoto Animation adaptó en serie animada "La melancolía de Suzumiya Haruhi" primera de diez novelas ligeras publicadas por el escritor Nagaru Tonigawa, en las que da cuenta del excéntrico comportamiento de Haruhi, estudiante de preparatoria inconforme el mundo y en constante búsqueda de aliens, viajeros en el tiempo y derivados a través de la brigada SOS, club escolar cuya misión es "salvar el mundo con una sobredosis de diversión: Brigada de Suzumiya Haruhi".

El rotundo éxito de la serie marcó un hito de tal magnitud que impulsó el género de ciencia ficción de vuelta a los primeros planos, gracias a una inquietante trama que en efecto involucra viajes en el tiempo, alienígenas y seres paranormales. Es a través de Kyon, su compañero de clase, que el público logra internarse en la psicología de la heroína en turno, sin embargo, a pesar de conseguir un grado de empatía que en principio parecía imposible, surgen interrogantes que sugieren la posibilidad de que las fantasías de Suzumiya Haruhi trasciendan el plano imaginario y afecten el espacio que comúnmente llamamos realidad.

La desaparición de Haruhi Suzumiya aborda el contenido de la cuarta novela, situada entre el 16 y 24 de diciembre, previo a celebración navideña particular de la Brigada SOS. Kyon nota que el comportamientos de sus compañeros es todavía más extraño de lo habitual, no obstante, el pánico lo vence cuando se percata que nadie a excepción de él recuerda haber conocido a una estudiante llamada Haruhi. El caso es que Kyon se encuentra inmerso en una distorsión espacio-tiempo y la única pista para solucionarlo es un separador dejado por Yuki Nagato vinculado a un programa informático, mismo que le demandará un requisito indispensable para restaurar todo a la normalidad: ser honesto consigo mismo.

The Disappearance of Haruhi Suzumiya, Director: Yasuhiro Takemoto; Guión: Tatsuya Hishihara, Touko Takao, Yasuhiro Takemoto; Director de Fotografía: Ryuuta Nakagami; Director de animación: Chiyoko Ueno, Hiroyuki Takahashi, et. al.; Director de arte: Seiki Tamura; Música: Satoru Kousaki; Productor: Atsushi Itou, Hideaki Hatta; Edición: Kengo Shigemura; Kyoto Animation, Kadokawa Shoten, Japón, 2010, 163 minutos.

06:00 PM - Paprika

Una de las mentes creativas más brillantes en el universo anime se apagó el 24 de agosto de 2010. No es que la capacidad de asombro se haya esfumado junto con la partida de Satoshi Kon (1963-2010), pero pasará un buen rato hasta que surja otro director capaz de llevar al límite las posibilidades visuales y narrativas que la animación ofrece. El cine de Kon es real, ocurre; cada toma escena y secuencia proyectada en la pantalla transpiran un realismo sustancial gracias al diseño de personajes que se alejan del convencionalismo que manuales técnicos impracticables señalan como característico del anime japonés, a saber: la desproporción facial con ojos enormes, cabello erizado, nariz y boca diminutos.

¡El reino de los sueños corre peligro! El DC Mini, máquina experimental capaz de almacenar en video los sueños de las personas, ha sido robada. La doctora Atsuko Chiba, quien brinda terapia psiquiátrica bajo la identidad de Paprika, emprende junto al doctor Kosaku Tokita una búsqueda incasable para dar con el responsable. Se una a tan arriesgada empresa el policía investigador Konakawa Toshimi, paciente habitual de Paprika debido a la terrible angustia ocasionada por sueño que le recuerda un caso sin resolver. Durante la investigación, cada personaje se cuestionará sobre el rumbo de sus vidas, a la vez reconociendo que la incógnita ante su futuro inmediato depende en gran medida de saldar cuentas pendientes con su pasado.

Paprika, Director: Satoshi Kon; Guión: Satoshi Kon, Director de animación: Masashi Ando; Director de fotografía: Michiya Katou; Direción de arte: Nobutaka Ike; Música: Susumu Hirasawa; Producción ejecutiva: Jungo Murata, Masao Takiyama; Edición: Takeshi Seyama; Madhouse Studios, Sony Pictures Entertainmet, Japón, 2006, 86 minutos.

08:00 PM - Evangelion: 2.22 You Can (Not) Advance

Segunda de cuatro partes acerca de la reconstrucción fílmica que Hideaki Anno puso en marcha en el 2007 con el estreno de Evangelion 1.0 You are (not) alone. La obra de culto que marcó generaciones enteras es sometida al escrutinio de su creador, aliviado (según parece) de la severa depresión que lo orilló a crear Neon Genesis Evangelion en 1995. Doce años más tarde, el mensaje que intenta transmitir es quizá más alentador, no por ello banal y desarticulado. Tampoco es la primera vez que la serie sufre modificaciones por capricho de Hideaki, existe una versión renewal así como un director´s cut de la película The end of Evangelion que, para 1997, sellaba supuestamente la épica existencialista previa al nuevo milenio.

En esta segunda entrega, se incorpora a la saga un personaje femenino inédito: Mari Illustrious Makinami, piloto de la unidad provisional 05 y reemplazo directo del Evangelion 02, comandado a su vez por Shikinami Asuka Langley. Con la incorporación de dichos personajes, aliados con Shinji Ikari y Rei Ayanami, el cuarteto se dispone a enfrentar la amenaza divina de los Ángeles, cuya misión primordial es la aniquilación de la raza humana. En tanto, el plan de complementación humana sigue su marcha y las afrentas conspiratorias entre SEELE y NERV aumentan de intensidad a tal grado que a ruptura entre ambas organizaciones pende de un hilo muy frágil.

Evangelion 2.22: You can (not) advance, Director: Hideaki Anno, Kazuya Tsurumaki, Guión: Hideaki Anno; Director de animación: Atsushi Okuda, Hidenori Matsubara, et. al.; Director de fotografía: Toru Fukushi; Director de arte: Hiroshi Kato, Tatsuya Koshida; Música: Shiro Sagisu; Edición: Hirofumi Okuda; Studio Khara, Nikkatsu Corporation, Japón, 2009, 108 minutos

AniFest 2 Ponyo Summer Wars Suzumiya Haruhi Evangelion 2.22 Paprika

¡X Japan en México!

2011-09-17T17:10:00.000-05:00

Legendario. Lo único que impide que el concierto en México de la banda japonesa X Japan acceda a la inmortalidad es el tiempo. Mañana domingo 18 de septiembre de 2011, cuando los primeros acordes impregnen cada rincón del Circo Volador en la Cd. de México, la Historia grabará con letras de oro un evento que para miles de personas significa, cuando menos, un sueño hecho realidad. La euforia de fanáticos empedernidos comenzó hacia finales del mes de abril, cuando @YoshikiOfficial el líder de la agrupación confirmó, a través de su cuenta en Twitter, una escala de su gira mundial en México. La respuesta no se hizo esperar y en tan sólo dos meses las localidades se agotaron.

Ha transcurrido más de una década desde que insipientes clubes y asociaciones intentaban impulsar la expansión de grupos japoneses en México y Latinoamérica, con magros resultados pero manteniendo la llama de la esperanza ardiendo. La trascendencia de que X Japan visite por fin tierra azteca radica en la disipación de fraudes, mitos y especulaciones en torno a un deseo que con base en paciencia y perseverancia hoy rinde frutos y ¡de qué manera! Lejos quedan las incómodas reacciones de aquellos que se iban de espaldas cuando alguien les confesaba su gusto por la música japonesa, una época cuando Japón todavía cargaba con los ahora románticos y ridículos adjetivos "del lejano y exótico oriente". La acelerada revolución en telecomunicaciones hace que la vieja guardia aficionada a X Japan mire con nostalgia su discografía incompleta e importada de Taiwan, o el casete mal grabado de 8 tracks que circulaba de mano en mano. Todos ellos están a punto de vivirlos, de escucharlos en carne propia.

Inferir el modo o la forma del primer acercamiento a X Japan es una travesía de posibilidades infinitas, sin embargo, es innegable que la popularidad del anime entre grupos cada vez más nutridos de personas fue un factor determinante. Me refiero sobre todo a X/1999 de CLAMP, acaso un clásico contemporáneo, fiel ejemplo de las narrativas que occidente nunca supo o pudo ofrecer, y uno de tantos bastiones que abrieron terreno al denominado J-weave en todo el mundo. Quienes disfrutaron de ella en las proyecciones públicas del MUCA y el Museo Carrillo Gill en el D.F. hace mucho, mucho tiempo, saben a lo que me refiero.

Cardíacas las horas previas, ninguna angustia es más grande que la satisfacción de hacer un sueño realidad, de vivir un momento tantas veces reconstruido por fantasías insatisfechas, pero consuelo al fin de lo virtualmente imposible. Derrumben el recinto con estruendosa voz porque el evento así lo demanda y desahoguen el grito opaco que habitó el interior de sus entrañas desde tiempos inmemoriales: ¡Ahora es cuándo! ¡We are X!

X Japan México Forever Love X 1999 CLAMP

Paprika: El sueño eterno de Satoshi Kon

2011-08-26T02:04:00.000-05:00

Hasta hace poco el nombre de Satoshi Kon significaba muy poco fuera del círculo otaku, terreno especializado donde incontables fanáticos rendían culto al director contemporáneo llamado a redefinir el concepto anime más allá de las fronteras niponas. Desde Perfect Blue, ópera prima de 1997, su estilo pronto resaltó como una propuesta narrativa única que nutría conceptualmente los contenidos de la animación japonesa, preparada para asaltar por aquel entonces el mercado occidental de las industrias culturales, dominada desde siempre por los Estados Unidos.

Con la convergencia mental espacio-tiempo entre el presente y pasado de los protagonistas, Kon logra una atmósfera dramática sin precedentes. Nunca antes la psique de los personajes adquiría tal relevancia, al grado de contagiar al espectador con cada una de las ilusiones que plasmó en pantalla producto de su mente creativa. Su fatídico fallecimiento en agosto de 2010, a la edad de 46 años, cimbró la vida de sus seguidores alrededor del mundo; amarga fue la partida de un artista que comprendía —como pocos— los sueños, temores y esperanzas de las personas que se enfrentan al reto existencial de un nuevo milenio.

Su filmografía, breve pero sustanciosa, compuesta por cuatro películas, una serie de televisión, un cortometraje y una obra póstuma con planes confirmados de completarse en 2011, no pasó desapercibida por directores de talla internacional como Darren Aronofsky (Réquiem por un Sueño, el Cisne Negro) y Christopher Nolan (Inception) quienes reconocen influencia directa de Satoshi Kon en dichos filmes, nunca como plagio siempre como homenaje.

Lo que ahora nos atañe es Paprika, acaso y sin exagerar, la mejor película animada de la década pasada. Incluida recientemente entre las 25 mejores animaciones en la revista Time, nadie que haya disfrutado los 90 minutos de su prodigioso festín audiovisual es capaz de refutar la coincidencia unánime de catalogarla como una obra maestra de arte digital en movimiento. En esta película, Kon explota al máximo sus atributos como director, patenta con lujo de perfeccion cada una de sus técnicas narrativas, alguna vez abstractas y difusas si pensamos, por ejemplo, en Paranoia Agent.

La historia gira en torno al DC Mini, una máquina que ofrece la capacidad de grabar los sueños para luego utilizarlos como referencia en tratamientos neurológicos. Aunque la investigación de su desarrollo está virtualmente culminada, la innovadora tecnología aún no está terminada, lo que no ha impedido que una popular chica llamada Paprika se encargue de brindar terapia de forma clandestina, causando molestia entre los directivos encargados del proyecto.

La situación sale de control cuando al interior del Centro de Investigación de Neurología circula la noticia de que varios DC mini han sido robados. La doctora Atsuko Chiba, principal responsable de su desarrollo, intenta mantener vigente el departamento de investigación sin mucho éxito. Debido al estado inconcluso de “las máquinas del sueño”, su nivel de seguridad es nula así que el acceso y manipulación por parte de los delincuentes es ilimitado y supone un riesgo inconcebible para el último santuario de humanidad plena: los sueños de las personas.

El principal sospechoso del hurto es el Dr. Himuro, colega del genio creador del DC Mini, el Dr. Tokita, cuya mente prodigiosa contrasta con su apariencia física, una mole de más de 200 kg., además de una inocencia digna de un niño de preescolar. El crimen es investigado ¿casualmente? por el detective Konakawa que, debido a un sueño recurrente que involucra un asesinato sin resolver, se encuentra sometido a la terapia experimental de Paprika.

A partir de entonces, la trama poco a poco involucra una serie de personajes que sobre la marcha estrechan vínculos afectivos entre sí, divagan entre el mundo real y el onírico al tiempo que huyen de sus miedos más profundos y externan sus facetas más perversas. Extraviados en conflictos personales, incapaces de hallar la solución en la evidente necesidad de ser honestos consigo mismos, Paprika constituye una metáfora sobre el sentido de la vida así como el inevitable drama de enfrentarla día a día.

El nivel técnico de la cinta es por demás asombroso. Lejos de los efectos especiales que salpican la pantalla de arrogancia antes que de significado, la fusión entre los elementos digitales y el dibujo tradicional a mano es tan afortunada que el resultado final es una suerte de pintura viva en movimiento. Visualmente atractiva, una dirección de arte estricta, al nivel que la obra exigía, así como una paleta de colores sobria y colorida en función de la atmósfera representada (realidad/sueño), el ojo bien entrenado agradecerá sin empacho de cada toma, escena y secuencia que en su conjunto dan forma a una película imprescindible para cualquier amante de la animación.

La música es fundamental. Cualquier otro aspecto de la producción podría haber disminuido su estándar de calidad sin que ello mermara con notoriedad el resultado final. No era el caso con la banda sonora. Una de las grandes preocupaciones de Yasutaka Tsutsui, autor de la novela homónima que inspira la película, era precisamente la construcción del espacio sonoro en torno a las secuencias que involucraban el mundo de los sueños. Una vez que escuchó las pistas de acompañamiento se disipó cualquier preocupación futura respecto a la adaptación.

Sin lugar a duda, el soundtrack creado por Susumu Hirasawa lo consagra dentro del selecto grupo de compositores anime tales como Joe Hisaishi Kenji Kawai o Yoko Kanno. Su estilo vanguardista, peculiar por la mezcla de voces y sintetizadores, invita a creer que el destino quiso que Tsutsui escribiera la novela, Satoshi Kon la adaptara al cine y Hirasawa la musicalizara. No podía ser de otra manera.

El testamento de Kon inmortalizado en Paprika sirve de consuelo ante la inevitable pérdida de un maestro de la animación de nuevo siglo. No es que con su partida el anime deje de ser lo que era, sino que en adelante siempre será lo mismo.

Satoshi Kon Paprika Perfect Blue Yasutaka Tsutsui

5ta temporada de Esquizofrenia por Canal 22

2011-05-06T17:15:00.002-05:00

Hoy viernes 6 de mayo arranca por Canal 22 la quinta temporada de Esquizofrenia, el programa musical por excelencia de la televisión (cultural) abierta nacional. Con nueva imagen pero sobre todo con nuevos contenidos. El viaje de lo pop a lo alternativo despega con el capítulo "Groupies: el factor cuerpo", en donde críticos, fans, especialistas, rockstars y su nutrido staff divagan acerca del concepto grupie entre referencias anecdóticas, evidencias de viva voz y filmografía.

El nuevo paquete de producción incluirá, además de las visitas de U2 y Lady Gaga a México, una introspección urbana acerca de una cuestión obligada para los habitantes del ombligo de la luna: ¿A qué suena el pulque?, ruta etílica de fermentación pura que advierte la reciente apropiación juvenil de las pulquerías, otrora albergues de mecánicos, albañiles y obreros.

No es gratuito que el concepto creado por el productor Gabriel Santader sobresalga en festivales nacionales y extranjeros, ya sea por su investigación documental o por el formato que atiende las demandas de las audiencias contemporáneas. Es el caso del Festival Pantalla de Cristal, que premió a Esquizofrenia por mostrar en pantalla una sociedad que a pesar de soportar vivir en la ciudad más violenta del mundo, sigue produciendo cultura, en referencia a la serie de episodios dedicados a Cd. Juárez: va en serio, ¡todos al piso!

Comentario del productor Gabriel Santander & nuevo intro del programa.

Especial atención al renovado opening de presentación, que incluye cosplay de vocaloid y cortinillas intermedias ilustradas con un personaje híbrido entre ¡Rei Ayanami y Hatsune Miku! Descubre por qué Esquizofrenia es el programa de mayor audiencia de toda la barra de programación de Canal 22, todos los viernes a las 21:30 Hrs. y su repetición la madrugada del lunes a las 01:30 Hrs. ¡Must see!

Esquizofrenia Canal 22 Gabriel Santader Groupies Pulque

Miyuki Hashimoto & Kita Shuhei en TNT 21

2011-05-03T23:59:00.001-05:00

El único motivo por el que me acerqué a la edición 21 de TNT fue la visita de Miyuki Hashimoto a México. Por lo demás, aplica la vieja máxima que se presta a una oración con sujeto variable de predicado constante: "vista una, vistas todas". Ni qué decir del incansable anuncio de aniversario, que desde una perspectiva (mínimamente lógica), supondría un evento fuera de lo común, memorable, de ciclos finiquitados y fronteras por superar. La parca realidad, sin embargo, envenena cualquier anhelo de sorpresa y fascinación, embriaga los sentidos con sensación de un déjà vu, que al final de la jornada siembra más dudas que certezas.

Pero la diosa Miyuki Hashimoto es ajena los vicios y lastres que entumecen el fandom nacional. Mi debilidad por las causas perdidas me impulsa a creer que la afición por el manga y el anime sigue abonando formas críticas de aprehender el mundo a partir de sus discursos (lo sé, ya he enloquecido). Aunque breve, cada instante de Hashimoto sobre el escenario valió la pena, con su completa disposición a dar su mejor esfuerzo, tan característico en la cultura japonesa, logró conectarse con el escaso pero entusiasta público.

Me habría encantado que su participación se hubiera extendido más, si acaso junto a Shuhei acumularon 30 minutos y quizá exagero, pero insisto, el momento de satisfacción por contemplarla es más que suficiente.

¡Disfruten el video! Se trata de We are!, opening del anime de One Piece, dueto entre Miyuki Hashimoto y Kita Shuhei.

Miyuki Hashimoto Kita Shuhei One Piece We Are

Lucas Bambozzi – o espaço entre NÓS e os OUTROS

2011-04-14T23:36:00.000-05:00

El día de hoy se inauguró en el Laboratorio Arte Alameda la exposición titulada Lucas Bambozzi —o espaço entre NOS e os OUTROS— que reúne el trabajo realizado por el videoartista brasileño a lo largo de dos décadas. Las obras desarrolladas en distintas plataformas, desde el performance multimedia hasta el net art, buscan enfrentar al sujeto con la vida colectiva a través de un espacio común en el cual la intimidad y la colectividad convergen, de tal forma que invitan a la reflexión sobre las tensiones y dilemas entre lo público y lo privado.

De acuerdo con Christine Mello, curadora de la exhibición, el concepto curatorial de dilema y conflicto se revela desde el título mismo. La lengua natal del artista es el portugués y el del público mexicano es el español, entonces el primer espacio de enfrentamiento entre nosotros y los demás ocurre por una cuestión lingüística.

La exposición evoca la dimensión colectiva de la otredad, o bien de aquello que atraviesa una colectividad. Reúne un conjunto de veinte obras organizadas en tres núcleos: Arquitecturas posibles, Traspasos y Presencias insostenibles, así como una programación audiovisual y una propuesta de curaduría de proceso, con actividades tales como talleres, proyecciones comentadas, conferencias y un blog. Con la experiencia vivenciada en sus propuestas, se pretende expandir las fronteras entre el acabado y lo inacabado, el documental y la ficción, lo visible y lo sugerido, lo vivido y lo imaginado.

A finales de la década de 1990, Bambozzi, con sus prácticas artísticas pensadas para plataformas audiovisuales, especialmente aquellas que abarcan al video, el cine, las instalaciones, los performances y las intervenciones en el espacio público, se convirtió en uno de los exponentes más importantes del arte producido con lenguajes digitales y redes comunicacionales tales como Internet y medios móviles.

Si la sociedad tecnocientífica oculta estructuras de poder por medio de sus dispositivos, Bambozzi busca pequeños espacios de desvío desde los cuales se logra develar aquello que en estas situaciones permanece silenciado. Un claro ejemplo de dicha sentencia lo hallamos en el núcleo curatorial Traspasos, con instalaciones de net art como Meta4walls donde los usuarios navegan a través de un portal de servicios inciertos y sospechosos, cuando de pronto emergen a la vista mecanismos intrusivos usados en la red (cookies, spam, pop ups).

Lucas Bambozzi —o espaço entre nós e os outros— permanecerá abierta al público hasta el 12 de junio, de martes a domingo de 9:00 a 17:00 hrs.; además de las 12 obras instaladas en el laboratorio se incluyen 8 piezas en cine y video que se proyectarán únicamente los miércoles, por lo que el acceso se prolonga hasta las 22:00 hrs. Entrada libre para estudiantes, profesores y adultos mayores, $15.00 público general.

Lucas Bambozzi Christine Mello Net Art Laboratorio Arte Alameda

Mad Men: Los publicistas también lloran

2011-04-02T22:03:00.005-06:00

El exitoso recorrido de Mad Men, serie hasta la fecha galardonada con tres Globos de Oro y 9 premios Emmy, comenzó en el verano de 2007 a través del canal de cable estadounidense AMC. Matthew Weiner (Los Soprano), artífice del fenómeno televisivo que conquistó a la crítica especializada, pero sobre todo a miles de personas convertidas en legiones de fanáticos, logró articular una ficción de época respaldado por la producción —impecable— de Lionsgate Televisión.

La historia gira en torno a la vida diaria de los trabajadores de la agencia de publicidad Sterling Cooper, asociación que compite por la hegemonía en la avenida Madison de Nueva York, territorio hostil por excelencia. La pauta que marca el ritmo es la ambición y el ego de cada ejecutivo de la empresa por sobresalir ante los demás, sin importar las formas y los medios para conseguirlo. En particular, la atención se concentra en Don Drapper (Jon Hamm), director creativo encargado de dar forma y síntesis a las campañas a través de slogans. Arquetipo del éxito profesional: esposa, dos hijos, auto, casa y jardín, la fachada de bienestar aparente poco a poco se desmorona y resulta en la ironía trágica de un empleo que consiste en ofrecer felicidad a las personas a través de productos de consumo, al mismo tiempo que es incapaz de sostener la suya propia.

De tal forma, la rúbrica que anuncia el inicio de cada entrega es por demás premonitorio. Los créditos acompañados de una melodía que anuncia riesgo e inseguridad de pronto los confirma con la secuencia de un hombre en franco derrumbe; valores y costumbres propios del american way of life presencian, cual mudos testigos, la caída en picada de la figura masculina, víctima de la doble moral que irónicamente se empeña en matizar a través de la publicidad.

Cuando el espectador se dispone a presenciar cada episodio sucede que de inmediato es transportado, sin esfuerzo alguno, hasta los albores de la década de los sesenta del siglo XX. Lo que para algunos esto puede suponer la evocación de recuerdos memorables, para otros tantos significa el descubrimiento de un mundo completamente distinto, fantástico si se desea. La clave de dicha experiencia es una cuestión de relatividad: si el origen y evolución del ser humano acumula cerca de 7 millones de años, un suspiro en la historia del universo, ¿por qué un vistazo al pasado de apenas medio siglo nos resulta fascinante y tan lejano? Un punto de partida para comprenderlo es hallar en este lapso similitudes antes que diferencias. El común denominador en la supervivencia de la especie humana ha sido la competencia; el motor de nuestra evolución: el amor.

Precisamente, aquel talento de identificar valores comunes impulsó a Weiner hacia la acumulación favorable de audiencias masivas en vez de segmentos opositores, detractores que incluso lo tacharan de racista, machista y demás perjurios. Sin caer en el abismo de lo políticamente correcto, Mad Men aborda la sociedad norteamericana de frente, sin eufemismos que maquillen lo que en su momento fuera totalmente normal, cotidiano, y en la actualidad poco menos que motivo de vergüenza pública.

El punto de inflexión surge desde el primer capítulo (tal como debe ser), una vez que se plantea la tesis que articula la trama central de la historia, una sentencia dirigida al protagonista, cuyo peso dramático trasciende su condición de argumento: Rachel Menkel a Don Drapper: “Creo que no me di cuenta hasta este momento, pero ser hombre debe ser duro, también”.

Dicha condescendencia hacia el género masculino no tiene más efecto que el de equilibrar la condición hombre-mujer, elimina cualquier rastro de radicalismo y aterriza las interrelaciones en un plano donde la única certeza es la soledad de uno mismo ante los demás. Cada personaje cuenta con virtudes y defectos, situación que los coloca en una posición de áspera fragilidad, en absoluto distinta a la que se enfrentan las personas del siglo XXI. Al final, Mad Men deriva en un reflejo contemporáneo de nosotros mismos antes que en un cúmulo maltrecho de anécdotas vintage.

Para muestra vasta con mirar la contraparte. Peggy Olson (Elisabeth Moss), mujer con indiscutible talento marcha a contracorriente en medio de un mundo dominado por hombres, quizá más estúpidos que cualquiera. Por supuesto, tales cualidades no bastan si no van acompañadas de un vestido entallado y un prominente escote, sin embargo, Peggy se niega a seguir la ruta hacia el éxito con base en la complacencia y autocensura. Con altibajos y situaciones extremas, consigue enseguida en el papel de co-protagonista al lado de Don Drapper.

En una escena, síntoma de madurez plena, Bobbie Barret, una de las tantas amantes de Drapper, encamina a Peggy respecto a sus legítimas aspiraciones dentro de Sterling Cooper, y tajante le confirma: “Nunca vas a conseguir un lugar en la oficina hasta que empieces a tratar a Don como iguales. Y nadie va a decirte esto, pero no puedes ser un hombre. Ni siquiera lo intentes. Sé una mujer. Es una cuestión de gran alcance cuando se hace correctamente.” De nueva cuenta el argumento se distancia de radicalismos panfletarios, huye de las incómodas posiciones extremas para haya un punto de común acuerdo, ¿lo recuerdan?: similitudes antes que diferencias.

Con cuatro temporadas de 13 capítulos cada una y la quinta confirmada pero con probable retraso hasta 2012, Mad Men se ubica en la cúspide de la industria televisiva de Estados Unidos, misma que desde hace mucho tiempo ha superado la precariedad creativa de Hollywood. A principios del nuevo siglo nadie, en su sano juicio, habría apostado a la otrora caja idiota como el medio líder en cuanto a consumo de industria cultural; una década más tarde, todo mundo, desde directores, actores, guionistas y productores, ruegan por un espacio, tan mínimo que éste sea, con tal de formar parte del resurgimiento y consolidación de un espacio que muchos de visión corta habían enterrado desde hace mucho.

Texto de mi autoría publicado en el portal Monsters&Geeks, ¡no duden en visitarlo!

Mad Men Matthew Weiner Don Drapper Peggy Olson Sterling Cooper

Animasivo 2011 — Ganadores

2011-03-17T23:45:00.001-06:00

El martes 15 de marzo se inauguró el cuarto festival Animasivo, sección especializada de animación dentro del Festival de México en las instalaciones del Museo Universitario del Chopo. La edición de este año abordó el tema Géneros: repensando los roles, lo que confirma la condición del festival como un foro de expresión contemporáneo, al explorar las inquietudes que afectan la sociedad actual.

Con una afluencia desbordada (sobre todo por jóvenes), la sede no se dio abasto y tuvo que limitar el acceso, dejando a decenas de personas sin la oportunidad de presenciar la inauguración así como los trabajos ganadores, piezas comisionadas y menciones honoríficas. La gran convocatoria reafirma el gran interés que las nuevas generaciones prestan al formato de animación, hoy por hoy una de las propuestas narrativas audiovisuales por excelencia.

Por si no pudieron asistir o se quedaron al margen por falta de espacio, aquí se publicarán las obras ganadoras, toda vez que sus autores decidan compartirlas públicamente, porque lo último que deseo es otra embrollo que involucre derechos de autor. Dicho sea de paso, las escenas a continuación son recomendadas para mayores de 15 años, no vaya ser que me culpen por atentar contra las buenas costumbres. (¬¬)

1er lugar: "De género humano", Josué Vázquez Peralta, Victoria Zárate Jimenez, México, 2011.

2do lugar: "Géneros fallidos", Xicotencatl Santana (Aku Proyektah), México, 2011.

3er lugar: "Yo no soy yo", Larisa Escobedo, Lisa Saldaña, México, 2011.

¡Video aún no disponible!

Las actividades complementarias de Animasivo se extienden hasta el 27 de marzo, dentro de las cuales se incluyen tres ciclos de cine para niños, talleres, conferencias y proyecciones al aire libre de los ganadores y comisiones especiales. Aquí las fechas y horarios

Festival de México Animasivo 2011 FMX

Kami-Robo: El cuadrilátero hecho papel

2011-03-07T23:59:00.000-06:00

La historia de Tomohori Yasui, creador del concepto Kami-Robo, se asemeja —con justas reservas— a la trama propuesta por el mangaka Naoki Urasawa en su obra 20th Century Boys. En ambos casos, los sueños y fantasías de la infancia cobran especial relevancia, no obstante, Yasui trasciende los limites de la ficción y desde el año 2005 decide hacer pública su afición por montar batallas entre robots ensamblados con alambre, que desde pequeño había ocultado por temor a burlas y rechazo.

Fue a finales de la década de 1970, últimos suspiros del llamado milagro japonés, cuando su universo imaginario adquiere forma. Yasui, apenas un niño e inspirado por contenidos de televisión que por aquellos años fascinaban a las audiencias tempranas (como la lucha libre y el anime mecha), opta por crear personajes propios al margen del consumismo arraigado entre sus compañeros, con herramientas básicas como papel-cartón, alambre y plumones. Poco después decide enfrentarlos entre sí y fundar toda una mitología alrededor de ellos.

El término Kami-Robo es un vocablo compuesto por kami, que en japonés puede significar "papel" o "dios", depende la forma en que lo escribas; y robo, que es un slang adoptado de la palabra inglesa robot. Sin embargo, el creador difiere del concepto tradicional como una máquina al servicio de los humanos y afirma que cada una de las piezas que ha confeccionado durante más de 30 años cuentan con vida propia. Recordemos la filosofía del shintoísmo, religión cuyo precepto básico es aceptar que en cada expresión de la naturaleza habita una divinidad o espíritu y, por consiguiente, posee una esencia única e irrepetible.

En consecuencia, al momento de iniciar el combate sobre el ring, las manos de quien manipula los movimientos de los luchadores Kami-Robo son meramente circunstanciales, carecen de importancia y de inmediato pasan a segundo plano. Esta característica proviene del teatro Bunraku, arte tradicional japonés con más de 200 años de antigüedad, donde el dramatismo entre las marionetas cobra tal intensidad que, en efecto, los títeres adquieren vida propia.

Fragmento de la serie especializada de la BBC, Japanorama, entrevista a Tomohori Yasui.

¿Más allá de la cultura otaku?
El texto, que acompaña el montaje museográfico de la exposición, abre un paréntesis que pone sobre la mesa una critica directa al consumo desmedido que (según el propio Tomohori Yasui) caracteriza a la (sub)cultura otaku. No es ningún secreto el relativo éxito las compañías jugueteras advirtieron en la vinculación directa entre dibujos animados y productos manufacturados, sin embargo, encasillar como un simple fenómeno de consumo al círculo otaku me parece por demás erróneo.

A todas luces la industria ha evolucionado, y el medio de 1980 no se parece en nada al actual , es más, apenas comparten semejanzas entre décadas. Por fortuna, podemos voltear hacia atrás y revisar un punto nodal, inter-generacional en el (¿falso?) docudrama de Gainax: Otaku no Video (1991), para ratificar lo antes dicho. En él descubrimos prácticas que para nada limitan el universo otaku al consumo banal de productos vacuos (aunque tampoco lo niega). Acaso la practica de fabricar tus propios Garage Kits en casa, al margen del mercado establecido, ¿no encierra la misma idea de los Kami-Robo?, ¿y qué me dicen sobre confeccionar tu propio cosplay sin recurrir a tiendas especializadas?

Kami-Robo Max League: Bird Man vs The Ole

Posibilidades infinitas
El encuentro entre Tomohori Yasui y Katsunori Aoki en el 2005 es fundamental en la expansión del Kami-Robo World. Aoki, publicista y director creativo de Butterfly Stroke Inc., quedó fascinado por el talento de Yasui, tanto que no duda en auto proclamarse evangelizador del Kami-Robo. Éste entusiasmo favoreció el hecho de que ahora más personas tengan la oportunidad de conocer y asombrarse con una colección única de más de 400 piezas, que ya ha recorrido desde entonces diversas galerías, convenciones y museos en todo el mundo como: Art & Design Store Exhibition en Roppongi Hills, en Tokio; el Instituto de Arte Contemporáneo, en Londres; y la Comic Con #20 de San Diego, en EU.

Si al principio, los ensambles estaban dedicados exclusivamente a la lucha libre, en fechas recientes podemos calificar el Kami-Robo como una expresión transmediática, que cuenta con torneos distribuidos en DVD, obras de teatro, montajes fotográficos y renders a través del motion capture. Algo queda claro, ésto acaba de comenzar.

De verdad, no se pierdan está magnifica exposición, única, que se exhibe hasta el 21 de marzo en el Museo Universitario del Chopo: Dr. Enrique González Martínez #10, Colonia Santa María La Ribera, Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México.

Kami Robo Tomohori Yasui Katsunori Aoki

El Ilusionista (L'Illusionniste) de Sylvain Chomet

2011-02-22T20:00:00.001-06:00

París, 1959. Las persianas de carpas, teatros y escenarios de ocasión iluminan el bullicio nocturno, sucede que el nivel de incandescencia no corresponde con el ánimo de un público escéptico, incapaz —o incapacitado— de asombrarse con un ilusionista que a pesar de los años se aferra al arte de su oficio, alguna vez motivo de reflectores y aplausos. Un conejo en la chistera, que tal pañuelos convertidos en ramo de flores o un mazo de naipes al aire. Nada. Unas cuantas palmas fingidas, adiós, gracias por participar.

Así comienza el segundo largometraje de Sylvain Chomet, animador y director de cine que en el año de 2003 conquistó la audiencia internacional con su primer largometraje The Triplets of Belleville. Heredero de la gráfica realista propia de la historieta franco-belga (bande dessinée), Chomet adereza esta tradición impresa a través de la animación, proceso que dota de movimiento a imágenes y dibujos, virtud que dichos objetos no poseen por sí mismos. Advertimos entonces que tanto el protagonista como el director comparten un don común que los vincula de principio a fin: ambos son, de cierta forma, ilusionistas.

Al saberse excluido, Tatischeff, el protagonista, elige el camino natural de la emigración, parte hacia el norte con la firme intención de subsistir en un mundo que se empeña en opacarlo, no obstante, lejos de mejorar, su situación empeora. Esto no lo detiene, si las grandes ciudades prescinden de sus servicios, en algún lugar por remoto e insignificante que parezca, allí el espectáculo debe continuar.

Es así como arriba a un modesto pueblo escocés, de habitantes que se sorprenden por 'el milagro' de la luz eléctrica y el placer de rodar sobre la hierba fresca, tierra fértil donde su espectáculo arranca más de una sonrisa sincera. Es ahí donde se cruza con Alice, humilde jovencita de bajo perfil que anhela ir más allá de las fronteras que la confinan. Cautivada por el talento de Tatischeff, sabe que su oportunidad de aventura —tal vez la única— ha llegado y no duda en aprovecharla. ¿Qué puede salir mal en compañía de un verdadero mago, idéntico al de los cuentos de hadas?

La parada final es Edinburgo, Escocia, ciudad en la que nuestro ilusionista, ahora emparejado con su cómplice en fuga, apuesta su última carta. Se hospeda en una posada de mala muerte habitado por colegas de pura cepa: trapecistas, payasos, ventrílocuos; todos al igual que él, padecen el olvido del público y se ahogan en recuerdos de viejas glorias. La magia pronto se agota y la angustia crece en el espectador (mal acostumbrado por las obras clásicas de Walt Disney) al atestiguar que la solución fantástica opta por no presentarse en escena.

Tras bambalinas
El origen de L'Illusionniste se remonta a un guión escrito pero no publicado del francés Jacques Tati, reconocido como uno de los más grandes cómicos del séptimo arte, sobre todo por dos emblemáticas películas en las que dirige y actúa: Día de Fiesta, (1949) y Las vacaciones del Sr. Hulot (1953), precisamente éste último personaje es el que inspira a Tatischeff, y lo confirma el filme al confrontarlos, cara a cara, en un cameo memorable.

El objetivo de Tati con este guión era rodar una película de imagen real al lado de su hija, pero nunca le fue posible realizarlo. Cuando Sylvain Chomet se encontraba produciendo su primer largometraje, acudió a Sophie Tatischeff (hija de Tati) con el fin de obtener el permiso de incluir en las Trillizas de Belleville algunos fragmentos de la cinta Día de Fiesta. Fue entonces que Sophie decidió que Chomet filmara el guión en formato animado, ya que no deseaba que ningún otro actor interpretara el papel de su padre.

La naturaleza silente del humor de Tati también se ve reflejado en la dirección que Chomet imprime en su obra, desde su debut quedó claro que sobre los diálogos no descansa el pilar central narrativo; en este caso, a pesar de que son tres lenguas las que concursan en la travesía del infortunado mago (francés, inglés y gaélico), ningún subtítulo o acotación escrita es necesaria para comprender cabalmente el sentido de cada escena. En contraste, el lenguaje no verbal así como la música, determinan la intención y significado de cada instante.

¿No más magia?
La premisa de la película en más bien oscura, melancólica. Sin embargo, es preciso reconocer que tal conclusión es producto de un error semántico: la ilusión no es sinónimo de magia. Tatischeff cual veterano del oficio lo tiene claro, pero Alice, apunto de abandonar su niñez e iniciar su camino hacia la madurez ¿está consiente de ello? Por un tiempo no parece que así sea, el truco del centavo detrás de la oreja es suficiente para ella, aunque no dilata en percatarse que una moneda no es gran cosa. Tal situación evoca por momentos la interpretación de Leslie Caron como Lili en la película homónima de Charles Walters (1953).

El mutis asecha todo el tiempo, mantiene la tensión dramática a través de una interrogante, voraz pero sensata: ¿Cuándo llegará el piadoso golpe final? Tatischeff presiente que está muy cerca por lo que decide formular su último gran acto, su testamento, en la persona de Alice. Tomando en cuenta el trabajo —ácido, desencantado— del director finlandés Aki Kaurismäki, Chomet se apega al guión sombrío redactado por Tati y facilita la puesta en escena final, clausurando cualquier posibilidad de retorno a los años de gloria ya olvidados.

Si al principio relacionamos al director con el protagonista en tanto ilusionistas a partir de su respectivo oficio, al final, identificamos más semejanzas que en primera instancia se mantenían ocultas, como la idea de anteponer el arte al dinero o cualquier otro bien material; dignidad y orgullo por hacer lo que deseas a pesar de la adversidad.

Jaques Tati padeció las inclemencias de dichas circunstancias y hacia el final de su carrera la bancarrota fue su principal obstáculo en su intento por seguir filmando. Por su parte, uno pensaría que todo es miel sobre hojuelas para Sylvain Chomet; todo lo contrario, en el 2004 fundó en Edinmburgo, Django Films, un estudio de animación propio con la aspiración de abrirse campo en el mundo cinematográfico, que al día de hoy no existe más por falta de financiamiento. Todo indica que la realidad es igual que siempre: el arte como el crimen, nunca pagan.

Ficha Técnica:
Dirección: Sylvain Chomet; Guión: Jaques Tati, Henri Marquet, Sylvain Chomet; Producción: Bob Last, Sally Chomet; Música: Sylvain Chomet; Distribución: Warner Bros. /Pathé, Sonny Pictures Classics; País: Reino Unido, Francia; Año: 2010; Duración: 80'

LIllusionniste El Ilusionista Sylvain Chomet Jacques Tati Django Films

Festival Ambulante 2011

2011-02-11T21:00:00.000-06:00

Hoy inició el recorrido a través de la Ciudad de México del sexto Festival Ambulante 2011, que en esta ocasión ofrece un total de 80 documentales provenientes de 27 países y clasificados en 9 categorías temáticas, entre las que destacan: Dedazo, nueva sección que reúne los documentales más celebrados por la audiencia nacional e internacional; Pulsos, apartado que impulsa la más reciente producción de cine documental mexicano; Injerto, obras de corte experimental bajo la curaduría intitulada Constelaciones del lenguaje, y Sonidero, las corrientes musicales más diversas e innovadoras que abarcan propuestas de contenido político hasta estruendosos conciertos protagonizados por fanáticos iracundos.

La inauguración se llevó acabo anoche en la Plaza San Jerónimo, una más de las zonas remozadas con el fin de que la población recupere el espacio público del primer cuadro de la ciudad. La apertura estuvo a cargo del actor/director Diego Luna, Inti Muñoz Santini, director general del Fideicomiso del Centro Histórico además del Jefe de Gobierno del Distrito Federal, Marcelo Ebrard Casaubon:

Del 11 al 25 de febrero el Festival Ambulante ofrecerá más de 100 funciones en 48 sedes ubicadas a lo largo y ancho de la Ciudad de México, de las cuales un 80% serán de acceso gratuito (excepto Cinépolis y Cineteca Nacional). Después, el el festín de documentales continuará su viaje por el interior de la república, con escalas en 10 ciudades más, tales como Cuernavaca, Puebla, Morelia, Hermosillo, Xalapa, Guadalajara, Monterrey, Oaxaca, San Cristóbal de las Casas y finalmente Tijuana.

Para mayor información sobre las funciones en tu ciudad, consulta la pagina oficial de Ambulante.

Festival Ambulante Diego Luna Cine
Documentales

ARITA de Shunji Iwai

2011-01-23T01:40:00.002-06:00

A la primera década del siglo XXI se la ha catalogado como la consagración de las Redes Sociales. Justo el año pasado, el mundo fue sacudido por la primera gran guerra cibernética, de la mano de Julian Assange fundador del sitio Wikileaks, misma que acaparó la atención de la agenda política internacional, y que hasta la fecha, mantiene en vilo el destino de los involucrados en la filtración de cables confidenciales de las embajadas de Estados Unidos instauradas en casi todo el planeta. En el mismo tenor, aunque favorecido por una imagen más amigable de la revolución tecnológica que ha reconfigurado las sociedades humanas, Mark Zuckerberg con Facebook se perfila como la efigie empresarial del nuevo siglo. Elegido como la Persona del Año según la revista Time, la efervescencia del joven poseedor de una fortuna calculada en 6,900 millones de dólares, afianzará su posición en la cima una vez que los galardones de las industrias culturales norteamericanas cumplan con su encomienda de engalanar la cinta The Social Network, como la mejor película del año 2010, hecho que atestiguamos la noche del 16 de enero en los Globos de Oro y con posibilidades de repetirse el 27 de febrero en los Oscar 2011.

Si nos detenemos a reflexionar sobre la vorágine de acontecimientos que involucran la transformación hacia un mundo digital, debemos iniciar por preguntarnos ¿cuándo comenzó todo esto? No para abandonarnos al rechazo unánime de generaciones analógicas que se niegan rotundamente al cambio, (y que de hecho no se integrarán al nuevo paradigma) sino con la firme convicción de comprender que los discursos audiovisuales que las generaciones —previas a los nativos digitales— hemos consumido durante los 30 años recientes, otrora argumentos propios de la ciencia ficción, son nuestra realidad aquí y ahora.

Anime y tecnología: de Serial Experiments Lain a Summer Wars; del outsiding al trending topic

Para iniciar esta introspectiva reflexiva desde el caso particular del anime, he subrayado de forma totalmente arbitraria el lapso comprendido desde Serial Experiments Lain (Ryutaro Nakamura, 1998) hasta Summer Wars (Mamoru Hosoda, 2009). Dos casos emblemáticos en el desarrollo del medio que nos apasiona debido en gran medida a que afrontó como ningún otro formato audiovisual, a través de sus contenidos, esta revolución en principio silenciosa y que al día de hoy está en boca de todo mundo.

Sin embargo, esta fascinación occidental por la cultura visual contemporánea de Japón —neojaponismo—, no se limita a la animación, sino que abarca innumerables aspectos sociales, artísticos y culturales, entre los que destaca por supuesto la cinematografía. Es por ello que antes de arrancar con el objeto de análisis que tracé a partir del anime, abro un paréntesis a manera de prefacio con una pequeña joya sobre la cual profeso una particular admiración. Se trata, en efecto, del cortometraje ARITA escrito y dirigido Shunji Iwai, uno de los pocos directores que abordaron de manera temprana (mas no apresurada) los efectos que la incursión de la tecnología denominada Internet ocasionaría en los individuos y cómo transformaría su desarrollo social a partir de ella.

Es preciso identificar que este proceso de cambio y derrumbe de paradigma (La estructura de las revoluciones científicas, de Thomas Khun), ahora instaurado parcialmente en el éxito de las redes sociales, la dinámica de diálogo y retroalimentación de la web 2.0 y características del cyberpunk como hechos históricos reales, tuvo una raíz personal antes que colectiva. Iwai lo aclara a partir de las inquietudes de una niña que finalmente en su juventud temprana se procura una pausa en su vida para interrogarse en retrospectiva sobre sí misma: ¿Qué es ARITA? Pregunta que también nos conviene plantearnos, justo al inicio de la segunda década del nuevo siglo.

Descarga el cortometraje en el link de arriba, con subtítulos pegados al video. Ortografía, sintaxis y modismos corregidos por un servidor. Si alguien desea publicar el enlace en cualquier otra pagina es libre de hacerlo, siempre y cuando citen la fuente de origen.

Arita Shunji Iwai Julian Assange Mark Zuckerberg Serial Experiments Lain Summer Wars Neojaponismo

Chihiro Yonekura en TNT 20

2010-11-11T17:20:00.004-06:00

Como se habrán enterado, en la pasada edición 20 de la Expo TNT en la Ciudad de México, se presentó en el escenario principal la cantante japonesa Chihiro Yonekura, con una amplia trayectoria en la industria musical de su país, visitó México para interpretar algunos de sus temas más reconocidos gracias, en gran medida, a la popularidad de series anime, tan variables y diversas como Gundam, Mahoraba Hertful days o Kaleido Star.

En esta ocasión me permito compartir parte de su actuación de el día 2 de noviembre de 2010. El título de la canción interpretada, Yakusoku no Basho e, corresponde al segundo opening de la serie Kaleido Star, estrenada recientemente en televisión abierta por OnceTV México.

Cabe resaltar que también fue invitado Hiroshi Kitadani (pronto subo la evidencia en video) que junto con Yonekura, forman parte del sello discográfico Solid Vox, lo que supone una cooperación estrecha con los organizadores de TNT, ya que el mismo sello representa los intereses artísticos y comerciales de anisingers como son Masaaki Endoh, Hironobu Kageyama y Aki Misato, quienes ya han visitado México por lo menos en una ocasión.

Chihiro Yonekura Kaleido Star TNT 20

Cosplay, en Tribus de Proyecto 40

2010-10-28T00:30:00.000-05:00

Difícilmente habrán notado que Proyecto 40 transmite un programa (¿cápsula?) de apenas 15 minutos de duración que rescata las expresiones urbanas de actualidad, y digo difícil porque lo programan en horario zombie los martes a las 00:45, ¡como para que nadie lo vea!

El corto, pero productivo tiempo al aire, Tribus ha abordado formas de expresión, siempre desde el punto de vista de sus miembros o practicantes, tales como el Gótico, Rastafari y Grafitero, hasta los más inusuales como Straight Edge, Parkour, y lo que nos interesa ahora, el Cosplay.

Lejos de etiquetar, adjetivar o discriminar, Tribus busca, ante todo, que el espectador adopte un juicio critico más razonable a partir de información concreta, ya que muchas veces el rechazo o la intolerancia parten, evidentemente, de la ignorancia o desinformación que se tiene de diversas formas expresivas, éstas últimas tan propias y válidas en las sociedades humanas del nuevo siglo.

Rara vez el cosplay consigue atención más allá del video chusco, que de forma común y corriente, ilustra una parvada de locos inadaptados que se dan cita en alguna expo-feria especializada. La importancia de que un medio profesional de cuenta del cosplay a partir de una investigación documentada, radica en el valor social que este hobby brinda a las juventudes actuales, suerte de aliciente que los aparta de los grandes lastres que aquejan a dicho sector demográfico, como la violencia y el crimen organizado, tan comunes en años recientes.

Para el aficionado promedio, la información rescatada se antoja muy básica, sin embargo es de sumo valor para las personas ajenas al cosplay, sobre todo a quienes en sus vidas habían escuchado el término. He ahí el valor más trascendente de Tribus, hacer llegar a una audiencia masiva fracciones de la realidad que empujan y transforman los entornos urbanos actuales. Insisto, lástima del horario porque a pesar de que es posible consultar el trabajo producido hasta ahora en su sitio electrónico, la cantidad y diversidad de audiencia se ve limitada en comparación con la transmisión en TV. Bien por Proyecto40, aunque un poco de anime en su programación sería ¡todavía mejor!

Cosplay Tribus Urbanas Proyecto 40

Je t'aime de Mamoru Oshii

2010-10-13T23:19:00.005-05:00

Seleccionado en festivales de animación especializados como el Annecy, Fantasia y Sitges, el reconocido director Mamoru Oshii vuelve a la carga acompañado por el grupo japonés GLAY, quienes celebran quince años como banda major. Je T'aime es el videoclip para el tema musical Satellite of love, en el que reconocemos varios estilemas tan característicos en la vasta trayectoria de Oshii, donde no puede faltar, por supuesto, el canino Bassed Hound, ahora como protagonista.

Por ahora sólo es posible observar una versión corta de los 11' 45" de duración originales, sin embargo, no es complicado indagar en el sentido de la historia, de ciencia ficción, por si alguien todavía dudaba: en el futuro, la humanidad se autoerradica de la faz terrestre, entonces, un solitario bassed hound va en busca de la calidez del afecto humano.

Si añadimos a la premisa anterior un trabajo impecable por parte de Production I.G., el resultado es impecable, una pintura en movimiento, con detalles tan pulidos que sólo pueden ser disfrutados al 100% una vez que podamos obtener la versión completa y en mucho mejor calidad que la que circula a través de la Red. Como la fecha de lanzamiento es hoy precisamente, la oportunidad está cada vez más cerca, en tanto consideren el PV de Satellite of love como un entremés de lujo.

Ficha Técnica:
Director: Mamoru Oshii; Guión: Mamoru Oshii; Storyboard: Mamoru Oshii, Tetsuya Nishio; Productor: Tomohoko Ishii/Production I.G.; Música: Glay; País: Japón; Año: 2010; Duración: 11 minutos, 45 segundos.

Mamoru Oshii Je Taime Glay Satellite of love

Panty & Stocking with Garterbelt

2010-10-05T23:05:00.001-05:00

¡Alucinante! A Panty & Stocking with Garterbelt lo único que le falta es decencia, pero en verdad nadie la echa de menos. Hiroyuki Imaishi, director y guionista de la serie, se sabe dominador de un estilo que ha pulido desde aquellas frenéticas secuencias en FLCL hace una década exactamente. En esta ocasión su objetivo es patentarlo, ya que su consagración la obtuvo en el año 2004 con la OVA Dead Leaves, una delicia animada de principio a fin, ¿la recuerdan?

En primera instancia surge la obligada comparación con las Powerpuff Girls, creación del maese Craig McCraken producto de su afanosa preocupación por brindarle entretenimiento a los fumadores de marihuana de la Universidad de California. Después, advertimos con beneplácito la redención de la animación japonesa, luego de la desairada adaptación Demashita! Powerpuff Girls Z de la Toei, que a diferencia de Panty & Stocking de Gainax, nunca consolidó una identidad propia.

Opening: Theme for Panty & Stocking, intepreta Hoshina Anniversary

Resumen
Ciudad Danten se ubica en una falla geológica entre el cielo y el infierno, lo que ocasiona que sus habitantes sufran el asedio constante de espíritus malignos. Ante la ambigüedad acerca de la pertenencia del territorio ¿a quién corresponde la responsabilidad de orden?: ¿a los mensajeros de Dios o a los sirvientes de Satán? Esta cuestión no queda del todo resuelta, debido a que las encargadas de combatir el mal no resaltan por sus valores o virtudes, sino todo lo contrario, personifican la escoria pura en contraste con el orden social deseado.

Panty, excéntrica de cabellera rubia, es una zorra de pura cepa. Su afición consiste en coleccionar hombres, exprimirlos (literalmente) y desecharlos. Stocking, de apariencia gótica, se ocupa de almacenar en su estomago golosinas en cantidades industriales, entre más dulce mejor.

Enviadas por voluntad divina, los ángeles Panty & Stocking tienen la misión de defender el corazón humano de la oscuridad que atenta contra su felicidad, no obstante, lejos de venerar sus heroicas acciones, la población padece de sus técnicas poco ortodoxas para conseguirlo. Más tarde nos percatamos que para ellas el bienestar humano no es una prioridad, su verdadero objetivo es conseguir su retorno al paraíso del cual fueron expulsadas con justa razón.

¡Una genial parodia de las secuencias clásicas de transformación estilo magical girls!

Comentario
Cuando la intención es captar la atención del público adulto, muy aparte del género, formato o técnica utilizadas para dicho fin, se corre el riesgo de caer en la vulgaridad y el mal gusto. Por fortuna la nueva apuesta de Gainax no es el caso. Se nota, desde el primer instante, que cada aspecto de producción ha sido tratado con profesionalismo. En ningún momento se aprecia una escena disonante que altere el ritmo y la intención del discurso; cada objeto ocupa el lugar que le corresponde en beneficio de un producto audiovisual que se apropia de la genialidad y roza continuamente el tope de la perfección.

24 frames por segundo resultan insuficientes para plasmar en pantalla el frenético desarrollo de la historia. Es lógico poner en tela de juicio la veracidad de lo presenciado, apenas concluye una secuencia de acción surge la interrogante ¿lo que acabo de ver fue real o lo soñé? Tal parece que la orgía visual nunca termina; incesante como solo Hiroyuki Imaishi sabe hacerlo, irrumpe en nuestra capacidad de asombro para advertirnos que aún hay más, mucho más.

La serie es visualmente atractiva, un manjar, un agasajo. Gracias al toque retro, combinado con CGI además de intervenciones en stop motion, no es difícil concluir que estamos ante una de las mejores series, no de la presente temporada, sino de todo el año. El capitulo introductorio cumple cabalmente con su deber: noquear la incredulidad del espectador. Sin pronóstico reservado, los episodios restantes ¡serán más explosivos todavía!

Panty Stocking with Garterbelt Hiroyuki Imaishi Gainax

Chala Head Chala en Décadas

2010-09-20T17:40:00.000-05:00

Seamos sinceros: toda aquella audiencia acostumbrada a la vanguardia en cuanto a contenidos audiovisuales, televisión en este caso, ni por asomo pudo resistir más allá de la introducción de Décadas, la nueva apuesta dominical de Televisa que recurre a la nostalgia musical para recordarnos aquella premisa tan sonada, apropiada para los momentos aciagos que sacuden a México, que todo tiempo pasado fue mejor.

Sin embargo, la regresión temporal no se limitó al repertorio musical, sino que infectó el formato, además del guión y la conducción —tan propios del siglo XX— lo que de inmediato contradijo la premisa anterior y afianzaron en las nuevas generaciones, prosumidoras de los nuevos medios (videojuegos, Web 2.0, redes sociales, telefonía celular), que todo tiempo pasado... ¡aburre!

En verdad, si no fuera por un suceso completamente atípico, Décadas no tendría razón de ser mencionada en este espacio. Alrededor de las 9:00 PM de ayer domingo, saltó al escenario Ricardo Silva, un completo desconocido para los asistentes quienes añoraron durante la velada que un clon de Raúl Velasco tomara por asalto la conducción del musical. Fue entonces cuando el interprete se valió de algunas escenas del opening de Dragon Ball Z para que los asistentes, todavía no muy convencidos, se orientaran un poco.

No obstante la energía y vigor mostrados por Ricardo Silva, el público se limitó al protocolo de ponerse de pie y aplaudir sin ton ni son. El verdadero impacto surgió tiempo después, en la Internet, sitio habitado desde hace tiempo por el target natural para tales acordes, en vez de la televisión. El microblogging a través de Twitter hizo lo suyo al colocar como Trending Topic el título de la canción Chala Head Chala, originalmente interpretada por el anisinger Hironobu Kageyama.

Desde entonces, la espora se esparció en virtualía, terreno fértil del universo otaku, que a través de YouTube, la red social de video por excelencia, dio cuenta del hecho apenas unas horas después de haber sido transmitido en vivo. Porque esa es otra, estoy convencido de que la comunidad otaku es lo suficientemente inteligente para evitar chorradas como Décadas y producciones similares. Además, también estoy seguro que un 95% se enteró, al igual que un servidor, a través de Twitter y lo experimentamos en el tubo: On line derrota de nueva cuenta al in live.

Tan arcano se antoja el formato de Décadas que a las 9:02 PM, Adal Ramones sugiere que es tiempo de que los pequeños del hogar se vayan a dormir. ¡Tal y como lo escuchan!, manda a dormir a Les enfants terribles del nuevo milenio por medio de una melodía insulsa, interpretada por un peluche insulso. Nada más faltó un dueto con Topo Gigio para rematar una transmisión digna de los anaqueles videográficos de 1980.

Si esperan enganchar al círculo otaku con presentaciones intermitentes de anime de antaño, (Remi, Heidi, Perrine, Candy Candy), sepan que la mayoría optará por la colaboración de algún mártir de la causa que decida colgarlo en YouTube, que aguardar pasivamente, cual estoico masoquista, otro momento atípico.

Ricardo Silva Chala Head Chala Dragon Ball Z Décadas Adal Ramones Alan Tacher

Satoshi Kon muere a los 46 años de edad

2010-08-24T16:13:00.007-05:00

El reconocido director de anime Satoshi Kon ha muerto. Así lo confirmo este martes Masao Murayama, fundador de MADHOUSE, estudio de animación que produjo sus cuatro largometrajes: Perfect Blue (1999), Millenium Actress (2001), Tokyo Godfathers (2003) Paprika (2006); así como Paranoia Agent (2004), su única serie para televisión. El mismo Murayama había escrito en su cuenta de twitter la noche del martes en Japón, que un importante director del estudio (Madhouse) había muerto repentinamente, sin embargo declinó develar el nombre en ese momento.

Cabe mencionar que Satoshi Kon trabajaba en Yume-Miru Kikai (The Dreaming Machine), el que sería su próximo proyecto animado. Nos quedamos con las ganas de otra paranoia del director japonés equiparado con el talento de David Lynch.

¿Que quién es Satoshi Kon? El mejor homenaje a este gran maestro del anime fue haber disfrutado sus películas cuando él nos acompañó en este mundo. Cuando cada aficionado, cinefilo y otaku remembraban una y otra vez aquella secuencia que desbordaba calidad, del simbolismo propuesto y el desenlace que invitaba más a la reflexión que al conformismo.

He aquí una de las tantas producciones dedicadas a Satoshi Kon, previas al homenaje escrito que con suma tristeza invade mi mente y corazón, se trata de un reportaje transmitido hace por lo menos cinco años a través de Cuatroesfera, (España):

Que descanse en el sueño eterno el gran maestro de la animación japonesa: ¡Satoshi Kon por siempre!

Update: MADHOUSE anuncia que Kyoko Kon, viuda del director Satoshi Kon, escribió un mensaje respecto al lamentable partida:

"Satoshi Kon falleció a causa de cáncer de páncreas, el 24 de agosto a las 6:20 a.m.; tenía 46 años. Su funeral se llevará acabo únicamente con miembros de la familia.

"Estamos respetuosa y profundamente agradecidos (con sus admiradores) por su amabilidad durante su vida."

Satoshi Kon Madhose Paranoia Agent Paprika Tokyo Godfathers Perfect Blue Millenium Actress

Akira Yamaoka en Campus Party 2010

2010-08-13T02:31:00.004-05:00

¡Tanto tiempo! Tuvo que suceder algo insólito como la visita de Akira Yamaoka a México para que me animara a postear algo nuevo en el blog. Aunque ya debió quedar claro que prefiero calidad que cantidad, el más reciente hiatus fue demasiado largo. En fin, que esta semana me encuentro en el Campus Party Mx disfrutando de una conexión privilegiada y rodeado de miles de geeks, ¡pero geeks en serio! Aunque ciertamente me he topado con más de uno viendo o descargando anime, así que el rincón otaku persiste en el recinto.

Ayer jueves se presentó en el escenario principal, ni más ni menos que Akira Yamaoka, compositor de temas musicales para diversos títulos de Silent Hill. Como era de esperarse, la convocatoria rebasó la capacidad de aforo, lo que no mermó el entusiasmo de los asistentes que luchaban por conseguir un vistazo al artista.

¡Subí 520MB a YouTube en 25 minutos! ¡¡¡Glorioso!!!

Como mi deber es difundir, en la medida de lo posible, todo lo trascendente en cuanto a Japón en México se refiere, la actuación de Yamaoka es simplemente histórico. Disfruten el video, que espero no se el último, ya que para hoy por la tarde se espera un nuevo performance con el staff de Atomix.

Akira Yamaoka Campus Party Silent Hill

(ready)Media

2010-06-17T02:27:00.004-05:00

A partir del 17 de junio y hasta el 8 de agosto el público podrá visitar (ready)Media: Hacia una arqueología de los medios y la invención en México, exposición con la que el Laboratorio Arte Alameda (LAA) abre sus puertas a un proyecto cuyo objetivo principal es la creación de un archivo especializado en torno al arte, los nuevos medios y la tecnología, así como los cruces y las prácticas artísticas que dichas áreas han generado en México.

Para (ready)Media: Hacia una arqueología de los medios y la invención en México, se invitó a trabajar a más de 20 especialistas por más de un año y como resultado se obtuvieron 8 curadurías organizadas en torno al arte sonoro, el video, el cine experimental, la obsolescencia de la tecnología, testimonios curatoriales, así como nuevas prácticas con tecnología en México. Participan como curadores: David Wood, Jesse Lerner, Juan Pablo Anaya y Gabriela Mendez, Grace Quintanilla, Erandy Vergara, Liliana Quintero, Manuel Rocha Iturbide e Israel Martínez y Bruno Varela.

Estos trabajos han sido recuperados en 6 DVD’s que formarán el cuerpo de la exposición, dando al público acceso a la obra de más de 100 artistas mexicanos. De manera paralela a la exhibición, se realizarán una serie de actividades cuyo objetivo es acercar a nuestros públicos no solo a la práctica, sino a los procesos de reflexión sobre la misma, estas actividades incluirán Talleres, Seminarios, Ciclos de Conversaciones y Conciertos.

Además de la exhibición en salas, (ready)Media ha generado un documento para consulta que puede ser distribuido a nivel nacional e internacional, abriendo así, una línea de mediación sobre la diversidad de acercamientos y el trabajo de interpretación ante las formas artísticas y experiencias estéticas articuladas desde los cruces con la metodología de la ciencia y los dispositivos tecnológicos.

Esta publicación se presenta como un primer tomo que consta de material audiovisual y una publicación: 6 DVD’s cuyo contenido son ocho curadurías que presentan el trabajo de más de 100 artistas y un libro que reúne diversos ensayos organizados en 4 secciones: antecedentes, lecturas críticas, testimonios y espacios.

La apertura de (ready)Media: Hacia una arqueología de los medios y la invención en México, se llevará a cabo el 17 de junio a las 20:00 hrs. con las conferencias “Cibernética en México” de la Dra. Susana Quintanilla y “El proyecto de Cybersyn” de Juan José Díaz Infante, la entrada a estas conferencias es libre y el cupo limitado.

(ready)Media Laboratorio Arte Alameda Cybersyn

Zima Entertainment editará DVD's del Studio Ghibli

2010-06-05T23:45:00.008-05:00

Con el lanzamiento en DVD/BD de El secreto de la Sirenita el próximo 15 de junio en México, y recientes ediciones como La princesa Mononoke y Mi vecino Totoro, la distribuidora Zima Entertainment confirma que sacará al mercado todas las películas dirigidas por Hayao Miyazaki así como algunas de Isao Takahata, con un intervalo promedio de un mes entre cada una de ellas.

La noticia confirma un evento inédito en cuanto a la distribución legal de anime en México, situación que los aficionados de corazón deben apoyar con entusiasmo. Zima ya había comercializado con anterioridad El castillo vagabundo y Lupin III: El castillo de Cagliostro, sin embargo, la regularidad con la que editarán el resto de los títulos demuestra que un resultado favorable en ventas produciría la incorporación de más licencias anime además del Studio Ghibli.

A continuación la lista de los títulos y meses en los que saldrán a la venta en tiendas departamentales y de autoservicio:

La Princesa Mononoke (Mononoke Hime, Hayao Miyazaki, 1997) : abril de 2010
Mi Vecino Totoro (Tonari no Totoro, Haya Miyazaki, 1988): mayo de 2010
El Secreto de la Sirenita (Gake no ue no Ponyo, Hayao Miyazaki, 2008): junio de 2010
El Castillo en el Cielo (Tenku no shiro Rapyuta, Hayao Miyazaki, 1986): julio de 2010
Nausicaa, Guerreros del Viento (Kaze no Tani no Nausicaa, Hayao Miyazaki, 1984): agosto de 2010
Kiki, entregas a domicilio (Majo no Takkyubin, Hayao Miyazaki, 1989): septiembre de 2010
Porco Rosso (Proco Rosso, Hayo Miyazaki, 1992): octubre de 2010
El Viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no Kamikakushi, Hayao Miyazaki, 2001): noviembre de 2010
Susurros del Corazón (Mimi wo Sumaseba, Yoshifumi Kondo, 1995): diciembre de 2010
La Guerra de los Mapaches (Heisei Tanuki Gassen Ponpoko, Isao Takahata, 1994): enero de 2011
Recuerdos de Ayer (Omohide Poro Poro, Isao Takahata, 1991): febrero de 2011
Mis Vecinos los Yamada (Tonari no Yamada-kun, Isao Takahata, 1999): marzo de 2011

Como podrán percatarse, es una oportunidad única de nutrir la filmoteca con el trabajo de un estudio de animación que ha trascendido fronteras, y que desde sus albores demostró que la animación puede ser, además de entretenimiento, arte. ¡Cuántos años tuvieron que transcurrir para que algo de tales magnitudes sucediera en México! Sin exagerar, ésta serie lanzamientos son históricos y todos aquellos que se iniciaron en este mundo del manganime, hace por lo menos una década, saben a lo que me refiero.

Zima Entertainment Hayao Miyazaki Isao Takahata Studio Ghibli

Minami Kuribayashi en TNT 19

2010-05-05T00:49:00.002-05:00

Minami Kuribayashi, cantante, compositora y actriz de doblaje japonesa, visitó México con motivo de la decimonovena edición de la TNT, la convención de anime, manga y videojuegos más representativa a lo largo y ancho del territorio nacional.

El 30 de abril tuvo el gusto de firmar autógrafos a sus seguidores, quienes nunca dudaron en aguardar su turno en la fila que se extendía más allá del salón en el que se encontraba. Por su parte, el 1 y 2 de mayo entró en acción en el escenario principal, interpretó temas anime populares con los que obtuvo reconocimiento local e internacional, entre los que destacan Precious Memories y Rumbling Hearts de Kimi ga Mozomu Eien, Tsubasa wa Pleasure Line de Chrono Crusade, así como interpretaciones más recientes como Meiya Kadenrou tema de entrada de la serie Katanagatari que actualmente se transmite en Japón.

Los videos que comparto forman parte de su actuación del día 2 de mayo. Entre tumultos y más de 30°C, los asistentes no se cansaron de vitorear cada estrofa evocada por Minami, quien se rindió ante el entusiasmo del público mexicano. Como forma de agradecimiento, Kuribayashi prometió incluir en su próxima grabación un tema inspirado en México, ya que le impresionó mucho sus paisajes y la amabilidad de su gente.

Esperemos que regrese muy pronto por estos lares y nos conforte con su privilegiada voz, la misma que nos envolvió durante sus actuaciones en la más reciente edición de TNT.

Minami Kuribayashi TNT 19 Chrono Crusade Kimi ga Nozomu Eien

Kokoro, de Natsume Soseki

2010-04-24T22:00:00.002-05:00

Nunca es tarde para recomendar una lectura que concluí hace apenas dos semanas. Se trata, precisamente, de Kokoro, obra cumbre de Natsume Soseki (1867-1916), uno de los escritores más importantes de Japón. Fue a partir de los títulos literarios adaptados en el anime Aoi Bungaku (Literatura Azul), que decidí acudir a las fuentes originales que fungieron como inspiración para la serie, por cierto, una de las mejores de 2009 que incluí en mi ranking personal del año pasado.

El título de la novela, polisémico, se refiere al lugar hipotético por el que fluyen las ideas, el pensamiento y las emociones; es por ello que también resulta válido traducir kokoro como 'mente' o 'corazón'. No obstante, la esencia pura del significado, más allá de cualquier explicación escrita, se devela una vez que el lector recorre los párrafos finales y reflexiona acerca de la experiencia de vida que propone, con sobriedad y elegancia, el propio Soseki.

La historia se desarrolla durante la etapa final de la era Meiji (1867-1912), aquella donde Japón decidió abrir sus fronteras al desconocido, pero aventajado, occidente. El prominente futuro que la modernidad ofrecía, tuvo antes que sortear obstáculos cimentados en un sistema social fuertemente arraigado, en el que el derrumbe de las tradiciones representaba poco menos que la muerte y la deshonra. Es en esta encrucijada que el sentido de individuo cobra sentido y trascendencia por lo que se opone a la unidad del grupo en busca del bien común.

La novela se compone de tres capítulos: Sensei y yo, Mis padres y yo, y el Testamento de sensei, en los cuales 'Yo', un estudiante universitario, narra su vínculo con un personaje mayor que él a quien decide nombrarlo sensei: "Yo siempre le he llamado sensei. Por eso, aquí también escribiré sensei sin revelar su verdadero nombre. Y ello, no porque desee guardar el secreto de su identidad ante la sociedad, sino porque me resulta más natural. Cada vez que su recuerdo me viene, enseguida siento el deseo de decir sensei. Y ahora, al tomar la pluma, siento lo mismo…".

La figura de 'sensei' proyecta un pasado sombrío, envuelto por un halo de misterio, que de enfrentarlo ante la luz pública, explicaría el porqué de su retiro voluntario de la sociedad. Vive acompañado de su esposa y al amparo de una herencia que no les permite lujos, pero sí un grado de afortunado desahogo. El espolón con el que afrenta cualquier intento externo de quebrantar su círculo de soledad se describe a continuación: "Aquellos saludos tan secos y actitudes tan frías no eran en realidad expresiones de rechazo o disgusto para alejarme. Eran formas de advertirme que no merecía la pena acercarse a él porque era una persona sin ningún valor".

La compleja psicología que brinda identidad y autonomía a los personajes, refuerza la idea del individualismo, apuntado previamente. Con ello, además de una trama debidamente estructurada, Natsume Soseki inaugura el género de la novela moderna japonesa. Su importancia y trascendencia es tal, que sus textos adquieren el carácter de obligatorio en los programas básicos y profesionales del modelo educativo japonés.

Adaptación al anime
Después de aplaudir y valorar como se merece a la antología producida por el estudio Mad House, concentremos nuestra atención en Shigeyuki Miya, director, guionista y diseñador de personajes de la adaptación correspondiente a la obra de Soseki, que pese a su juventud y considerable experiencia, nos ha brindado un derroche destacado de talento creativo, incluso a la hora de añadir pasajes inéditos en el texto original.

La adaptación animada se limitó al Testamento de sensei, último capítulo de la novela en el que se describe a detalle el origen del autodesprecio por parte de sensei. Aparece el triángulo amoroso que protagonizó junto a K, amigo y colega en la universidad y Ojoosan (señorita), hija de la casera que le rentaba un cuarto de alojamiento.

La historia se dividió en dos capítulos, correspondientes al 7 y8 de la serie antológica. Pese a las restricciones que supone ajustarse al metraje disponible, apenas 44 minutos, la síntesis narrativa logró capturar la esencia de la obra original, objetivo central de cualquier adaptación. Al adoptar el punto de vista subjetivo como eje conductor, Shigeyuki Miya reflejó la intención de individualismo presente en la novela: ¡nada más personal e íntimo que la cámara subjetiva para capturar las ideas y emociones de los protagonistas!

El segundo acierto es la confrontación a partir de las versiones de cada uno de ellos. Sensei evoca una atmósfera veraniega, en el que prevalecen colores vivos, intensos, siempre acompañados de un azul radiante, contrastados en todo caso por los nubarrones grises. En cuanto a K, la situación se torna más visceral y melancólica. Domina la coloración parca que contagia un estado de ánimo tormentoso; lo único que ilumina la pantalla es el candor irradiado por Ojoosan, así como las consecuencias de sus intervenciones.

Pero Shigeyuki va todavía más allá, al incluir en la narración visual elementos simbólicos que exigen una observación minuciosa de ambos casos. La palabra Aoi, en caso de utilizarse para nombres propios puede significar, además de azul, malva o girasol. La flor que predomina en el capítulo 7 es la malva, violeta, aparece en distintos motivos ya sean naturales u ornamentales; en el episodio 8 es el girasol, amarillo, que se antepone a las malvas, esta vez marchitas. Por supuesto que las flores significan a Ojoosan en la mente y corazón de los protagonistas. De allí que al principio de la reseña catalogué al título de la novela como polisémica, y me alegra saber que Shigeyuki Miya también lo haya considerado.

Natsume Soseki, Kokoro, Madrid, Editorial Gredos, traducción de Carlos Rubio, 2003, 336 páginas.

Kokoro Natsume Soseki Aoi Bungaku Literatura Azul Gredos

Esquizofrenia

2010-04-14T02:00:00.000-05:00

La nueva temporada de Esquizofrenia, programa de televisión que se aboca a explorar la apropiación de la cultura musical entre los jóvenes (de corazón), fue presentada la noche del pasado 12 de abril en la Cineteca Nacional, al sur de la Cd. de México. Gabriel Santander, productor de esta serie de corte documental, precisó algunos de los temas a tratar en esta nueva entrega, entre los que destacan: moda y rock, las Yoko Ono de la música, además de una sugerente complacencia hacia parte de su audiencia con gay music, suerte de articulación musical que retrata la forma de vida esta comunidad que también cuenta con su particular estilo de vivir la música.

Alternaron en la presentación el rockero urbano Charlie Monttana y la agrupación de Rockabilly los Rebel Cats. El novio de México celebró que existan programas como el de Esquizofrenia: originales, sin tapujos; que retraten la realidad musical al margen de emisoras, que obedecen a reglas comerciales y hacen a un lado varios géneros underground. Por su parte, los gatos rebeldes agradecieron el apoyo que les ha brindado el programa para expandir el género rockabilly, situación que en los medios mainstream no sucede.

Confieso que desde sus primeras emisiones Esquizofrenia me atrapó. Por increíble que parezca, aún cuando existen canales de TV especializados en la industria musical, privados y con un capital de producción considerable, sea precisamente la televisión pública, tantas veces menospreciada, quien demuestre una forma distinta y creativa de retratar el consumo y apropiación de la música, no sólo en zonas urbanas como la Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey, sino que también lo suburbano, lo fronterizo, lo contestatario, cuenten con un espacio equitativo, temporada tras temporada.

El programa ha volteado, incluso, hacia el universo otaku. Recuerdo con alegría la investigación (sí, porque se nota el conocimiento de causa en los guiones literarios) enfocada en la música para videojuegos, o el movimiento del Visual Kei en México. Ahora que alguien me diga ¿Quién más se había molestado en abordar dichos temas en la televisión? ¿Notan entonces el valor cultural y político, -¿por qué no?- que Esquizofrenia aporta a la pantalla abierta nacional?

Para quienes todavía no han tenido el gusto de sintonizarlo, la nueva temporada arranca el próximo viernes 16 de abril a las 21:30 hrs. por Canal 22, un clásico referente de este blog.

Esquizofrenia Canal 22 Gabriel Santander Charlie Monttana Rebel Cats Rockabilly

Heroman

2010-04-11T01:52:00.003-05:00

El anuncio de que Stan Lee se adentraría en el universo de la industria anime, aquella misma alguna vez catalogada como simple moda pasajera, representó el choque de dos mundos rara vez unificados. No obstante, los antecedentes dan cuenta de algunos concilios sobresalientes germinados en el fenómeno de producción denominado americanime, de cuyo seno surgieron exponentes de la talla de Avatar, the Last Airbender, o Kappa Mickey, suerte de concepto que armoniza el contraste estético (y narrativo) entre la animación norteamericana y japonesa.

El escepticismo acumulado por los aficionados llegó a su fin justo en el comienzo de la temporada primaveral de 2010, con el estreno casi simultaneo de Heroman en la televisión japonesa y en el portal gratuito/legal de anime Crunchyroll. Muchos auguraban el tropiezo de un grande con un concepto débil, desalineado; sin embargo, bastó el metraje del primer capítulo para disipar la niebla, producto de las especulaciones, y conducir a los espectadores hacia la iluminación que sólo la maestría de la experiencia puede irradiar.

Sinopsis
Joey Jones, huérfano pre adolescente, vive con su abuela y además labora medio tiempo como ayudante en un local de comida rápida. Su desempeño académico es sobresaliente, mantiene un perfil más bien bajo que no le impide, sin embargo, entablar amistad con algunos de sus compañeros, sobre todo Lina, porrista que juega el rol de la chica enamorada del protagonista. Joey sueña con obtener un Heybo, el robot con los mejores mecanismos de la tecnología más avanzada, pero su condición precaria lo obliga a aceptar la realidad de que nunca contará con uno en toda su vida.

Matthew Denton es quien estimula el potencial de Joey, incluso fuera del horario oficial. De hecho, la obsesión del profesor por entablar comunicación con extraterrestres es la ruptura que desencadena la trama de Heroman, ya que una de las tantas transmisiones hacia el espacio es captada por una tripulación alienígena que de inmediato rastrea el origen de la señal.

Debido al egoísmo de sus compañeros, Joey consigue rescatar del basurero un Heybo destrozado. Confiado de sus habilidades y conocimientos decide restaurarlo de pies a cabeza, lo que evidencia que la tecnología más avanzada de la humanidad se reduce a pegamento y piezas lego. Con ciertas modificaciones logra que el robot funcione otra vez, sólo que rebautizado como Heroman. Aunque no lo crean el toque fantástico no reside en la insólita reconstrucción del robot, sino en la descabellada posibilidad de que el cacharro de tuercas y tornillos ¡cobre vida!

Opening Theme: Roulette, intepretado por Tetsuya

Comentario
Ya lo dijo Homero Simpson alguna vez con su infinita e incomprendida sabiduría: "para mentir se necesitan dos personas: una que mienta y otra que crea". En esta ocasión, Stan Lee pone en práctica la experiencia propia de un viejo lobo de mar, la misma que concede la capacidad de trasformar en posible lo inverosímil. Y es que incluso la banalidad merece ser narrada lo mejor posible, y Heroman es el claro ejemplo de ello, porque por más ridícula, simple y llana que resulte la sinopsis anterior, dosificar correctamente la forma, el modo, el ritmo de una historia desde la toma como unidad básica hasta la complejidad narrativa de la secuencia, sólo es posible a través del talento y de saberse conocedor y dominador de lo que el mismísimo Will Eisner denomina arte secuencial.

No olvidemos que el origen profesional de Lee proviene de los storyboards de cómics, mas tarde como escritor de argumentos, bases fundamentales para comprender los principios narrativos que sin ningún problema pueden saltar del papel al celuloide. Otro aspecto que suma credibilidad es el impecable detalle gráfico, logrado por el estudio Bones (Eureka Seven, Darker than Black), evidencia de cómo deben montarse las colaboraciones entre oriente y occidente siempre y cuando cada cual se desenvuelva en el área que domina, y estamos de acuerdo que el nivel técnico alcanzado por los estudios de animación japoneses es impresionante.

Ending Theme: Calling, intepretado por Flow

Heroman es una lección de cómo la vieja escuela rinde frutos nuevamente. Clásico, conservador si así prefieren, el hilo conductor no pretende ir más allá de los cánones preestablecidos para un relato fantástico. No esperen monólogos existenciales ni complejos tratados de inteligencia artificial. Lo que dignifica esta producción es la claridad de su objetivo, jamás traicionado por pretensiones fuera de lugar, que mancharían la sinceridad con la que fue concebida desde el principio.

Heroman Stan Lee Bones

Animasivo 2010 - Ganadores

2010-03-26T01:38:00.002-06:00

Ayer por la tarde-noche sobre la calle de Regina, en el Centro Histórico de la capital mexicana, se proyectaron al aire libre las menciones honoríficas, los ganadores del tercer festival Animasivo, así como las piezas comisionadas. El tema central giró en torno al año 2110, proyectando el futuro, en el que se invitó a los concursantes a reflexionar sobre el porvenir en la próxima centuria. Hasta el momento, sólo la ganadora del primer lugar comparte en YouTube el corto con el que participó, sin embargo, en cuanto el resto decida hacer lo propio, aparecerán publicados sin falta.

El tercer puesto lo obtuvo el colectivo Llamarada de Petate, mismo que consiguiera el primer sitio el año pasado con su trabajo El Gran Bang. En esta ocasión, en Sin Juicio, recurrieron a la sentencia apocalíptica adelantada, sin dejar de lado la rubrica que los identifica, siempre con un giro inesperado que remata el desenlace.

El segundo lugar fue para Pedro González y Héctor Dávila por su obra el Gato con Botox, para mi gusto un tanto fuera de lugar, ya que nunca afloró la idea o el concepto de proyectar el año 2110, eso sí, con un nivel de animación sobresaliente.

El primer lugar se lo llevó Nuria Menchaca, Mención Honorífica hace un año, quien regresa doce meses después por la revancha. Me parece que fue el trabajo que cumplió con más eficacia los requisitos de la convocatoria, propuso un México tan distinto como las opiniones de sus entrevistados, quienes de principio a fin moldean el paisaje urbano que culmina con la re fundación de The noctitlan.

Enhorabuena a los ganadores, reconocidos y participantes que alimentaron con sus obras al festival que ya se ha posicionado como un referente básico, quizá el mas importante de nuestro país en cuanto a la técnica de animación se refiere.

Animasivo 2010 Nuria Menchaca The noctitlan fmx

Gruma, suertes, humores y el Bicentenario

2010-03-23T00:50:00.000-06:00

A poco menos de seis meses de que se conmemoren 200 años del inicio de la guerra de Independencia y 100 años de Revolución Mexicana, los esfuerzos por llevar las celebraciones (en caso de que exista motivo alguno) a la televisión nacional se han comportado a la altura de la precariedad actual, propia de un país sin rumbo.

La falta de creatividad se respira por todos lados: desde mensajes conformistas por parte instituciones federales que abogan por una sociedad autómata: "... sigamos por el tranquilo caudal de la paz, para alcanzar el ancho mar de la justicia", "... eres un país inconforme pero trabajador"; hasta un amplio listado de lugares comunes que bien podrían acompañar su definición en el diccionario.

Qué decir del insufrible diálogo crítico Discutamos México, programa en dónde nadie duda del conocimiento de sus participantes, expertos en la historia y cultura de nuestro país, pero que no supera en lo más mínimo al control remoto. Con el lenguaje y conceptos utilizados en cada emisión segregan a más de la mitad de la teleaudiencia que a duras penas completó, en el mejor de los casos, la educación básica. Luego entonces ¿dónde queda la unidad nacional que confirme que todos somos México? Me queda claro que si la justa independentista hubiera iniciado 30 años antes el resultado habría sido el mismo, porque es evidente que el Discutamos México que se transmite al aire simula a la televisión de hace décadas. Triste e increíble que en pleno siglo XXI aún no se comprenda la naturaleza y uso del lenguaje televisivo, ni siquiera para aniversarios históricos.

Lo peor es cuando se recurre al plagio, huelga indicar el caso, pero que Televisa haya apostado a una campaña tan frívola como paisajes naturales y encima llamarlos Estrellas del Bicentenario sólo confirma características de la posmodernidad, ya saben: deja de importar el contenido del mensaje, para revalorizar la forma en que es transmitido y el grado de convicción que pueda producir, a.k.a. hype mediático, además de una memoria histórica distorsionada o nula: ¿Qué tiene que ver el desierto, el mar y el ferrocarril con levantamientos armados en busca de ideales como libertad y justicia? Nada. El culto al vacío y nada más.

No obstante, de unas semanas hacia acá, dos conceptos audiovisuales se han filtrado a la pantalla chica y han demostrado cómo se hacen las cosas en el 2010. Por supuesto, en ambos casos el recursos técnico es la animación, otro acierto más que en suma genera verdaderas joyas que sí valen la pena ser reseñadas.

El primero surge del capital privado mexicano, (¡sorpresa, sorpresa!), en concreto de Gruma, el productor más grande de harina de maíz y tortillas en el mundo. Su campaña del Bicentenario es tan buena, tan profesional, tan eficiente que me permitiré omitir, hasta cierto grado, que la base sus productos sean de origen transgénico, así como los riesgos ambientales que supone una semilla híbrida y homogénea que además monopolice los medios de producción agrícola.

Hasta ahora se han emitido dos comerciales, que gracias a su gran calidad han tenido un impacto inmejorable en la atención de propios y extraños. El primero celebra al pueblo del maíz, semilla base de la alimentación en Mesoamérica y vigente hasta nuestros días en México y algunas regiones de Latinoamérica. Comienza con un recorrido visual que va desde el cielo hasta la tierra y viceversa, acentuando la importancia del ciclo de la agricultura. A eso me refiero con el correcto uso del lenguaje televisivo.

El segundo se basa en la leyenda azteca que da nombre, identidad y significado al Popocatépetl e Iztaccíhuatl, volcanes que flanquean el Valle de México. Una magistral síntesis visual, insisto en la eficiencia narrativa, tanto, que en apenas unos segundos la esencia de la historia queda comprendida sin ningún contratiempo. De verdad uno agradece que se produzcan contenidos de tal calibre.

El siguiente caso proviene de los esfuerzos conjuntos entre El Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) y la Cámara Nacional de la Industria Electrónica de Telecomunicaciones y de Tecnologías de la Información (CANIETI). Comprende la antología de 25 cortometrajes animados denominada Suertes, humores y pequeñas historias de la Independencia y la Revolución.

El acierto de esta producción cinematográfica, a cargo de Batallón 52, reside en enfocar su fuente de inspiración en aspectos curiosos de la historia nacional. Lejos de dar lecciones solemnes acerca de los personajes históricos, sus fundamentos y motivaciones ideológicas, el hilo narrativo divaga por los recovecos sociales que tantas veces se excluye de los textos relevantes. Reconstruye pasajes cotidianos que a su vez, reconocen vínculos con las causas y consecuencias de los hechos históricos trascendentes.

Se transmiten en salas de exhibición de cine desde el 15 de octubre de 2009. Sin embargo, desde hace una semana ocupan algunos minutos en la programación de Canal 22, justo después del noticiario cultural Noticias 22, al rededor de las 20:00 Hrs. por si no tienen ningún inconveniente en divertirse y aprender un poco ahí está la recomendación.

Gruma Bicentenario Suertes Humores Independencia Batallón 52

(in)posición dinámica/Ars Electronica México

2010-03-18T22:50:00.000-06:00

Ars Electrónica, el festival de artes electrónicas más importante a nivel internacional, se presenta por primera vez en México a través de (in)posición dinámica, muestra de ocho piezas y un programa educativo que giran en torno a la circulación de la información y reflexionan sobre el uso e impacto de la tecnología en la sociedad contemporánea.

El trabajo de 25 artistas se exhibirá en cuatro sedes de la siguiente manera: en el Centro Cultural España se muestran las piezas Telefonías de Mariano Sardón y Life Writer de Christa Sommerer & Laurent Mignonneau; en el Laboratorio Arte Alameda Hylozoic Soil de Philip Beesley, Zee de Kurt Hentschlager, Solar de Rejane Cantoni & Leonardo Crescenti y finalmente Corpora in si(gh)te del colectivo doubleNegativesArchitecture.

En sitio específico se presentarán Apnea de Iván Abreu que se encuentra instalada en la rejilla de ventilación del metro, ubicada en el costado izquierdo de la explanada del Palacio de Bellas Artes; por su parte (19°18'51" N, 99°11'7" W), de Pablo Valbuena se exhibió el 13 y 14 de marzo en la fachada del MUAC en Ciudad Universitaria.

Durante el recorrido de prensa en el Laboratorio Arte Alameda se contó con la presencia de los artistas invitados, quienes explicaron de viva voz el concepto propuesto en cada una de sus piezas:

Corpora in si(gh)te
doubleNegatives Architecture/ Sota Ichikawa, Max Rheiner, Ákos Maróy, Kaoru Kobata/ 2007

Aunque es un proyecto que habla sobre el espacio arquitectónico, desde su origen se fuga de la idea de arquitectura como edificio para realizar una práctica arquitectónica como pensamiento. Corpora es una instalación híbrida, cuya visualización se logra a partir de tecnologías de realidad aumentada.

Una red de sensores es colocada en los alrededores del lugar de exhibición, a través de la cuál se captura información sobre el medio ambiente (dirección y velocidad del viento, temperatura, humedad y ruido), que son procesados por un software y traducidos en los nodos que articulan la red sensorial. Estos nodos son como semillas de una arquitectura virtual que crece y se adapta, toma decisiones de manera independiente y da lugar a estructuras arquitectónicas tanto al interior como al exterior del recinto de exhibición.

Corpora puede definirse como arquitectura basada en información y no en materiales físicos, ya que la fluidez como forma de vida se logra a partir de los datos obtenidos por la red de sensores que a su vez simulan la capacidad sensorial de la piel humana, capaz de percibir las alteraciones climáticas del entorno.

Solar
Rejane Cantoni/Leonardo Crescenti, Brasil, 2007

Solar en una plataforma robótica de carácter interactivo e inmersivo. Está diseñada para simular las cualidades e intensidades de la luz solar en relación con el espacio tiempo del ser humano. En el centro de la habitación son colocados dos arcos de metal (uno móvil y el otro fijo) que contienen rieles sobre los cuales se desliza un reflector lumínico dimerizado, cuyo movimiento es resultado de la interpretación que el sistema realiza a partir de datos introducidos por los usuarios. Sobre la pared del fondo se realiza una proyección panorámica que deja ver las coordenadas geográficas de la Tierra, igualmente cambiantes según las latitudes y longitudes introducidas por los visitantes.

La idea es la de señalar el vínculo perdido entre el movimiento de los astros y las personas, ya que cada vez nos molestamos menos en observar cotidianamente hacia el espacio.

Zee
Kurt Hentschlager, Austria, 2008

Zee es un espacio lleno de humo artificial, pulsaciones de luz, estroboscopios y sonidos; a manera de experiencia de inmersión provoca una desorientación total en la percepción. El público entra en un espacio lleno de niebla muy densa, de modo que los límites de la arquitectura quedan totalmente oscurecidos. Los dispositivos estroboscópicos y las pulsaciones de la luz crean a través del humo, estructuras cinéticas en constante flujo.

Lo que sobresale en este espacio inmersivo, es que la impresión efímera que se genera a nivel de experiencia, es el resultado directo de un fenómeno de interferencia en las ondas de la luz; de esta manera, Zee rebasa la idea de ser una simple percepción óptica. Este fenómeno se capta a manera de síntesis en el cerebro, por lo cual se convierte inmediatamente en un “paisaje de la mente”. ¡La experiencia es única, jamás vista!

Hylozoic Soil
Philip Beesley, Canadá, 2009

Esta instalación se presenta a manera de un “engranado textil” que señala procesos de hibridación de formas de la naturaleza realizadas con materiales tecnológicos. Los materiales son colocados a manera de bosque artificial en donde el “tejido” actúa como interconexión de matrices de componentes mecánicos, redes de sensores y actuadores que responden al movimiento de los visitantes mientras éstos se desplazan por la instalación.

Hylozoic Soil es también un espacio de inmersión, utiliza una red de sensores activados por docenas de microprocesadores que generan oleadas de movimientos sutiles hacia los visitantes que se adentran en la instalación. Aparecen así, diferentes niveles de actividad programada que fomentan la emergencia de una conducta espacial coordinada: responden con acciones específicas ante las acciones locales. El bosque se revela entonces como un organismo latente.

Para Philip Beesley es necesario pensar la tecnología no como una fuerza desmesurada, sino como un campo de estudio más sensorial e íntimo. Por ello debemos precisar la diferencia entre vida artificial e inteligencia artificial, conceptos autónomos el uno del otro. Hylozoic Soil invita a una nueva investigación arquitectónica que utiliza sistemas tecnológicos para generar espacios de relación y de respuesta con quienes la habitan, así como con diversos factores ambientales.

(in)posición dinámica/Ars Electronica México es una muestra que no deben dejar pasar. La exhibición en Laboratorio Arte Alameda abarca del 17 de marzo al 11 de mayo de 2010. Para mayor información revisen el sitio del Festival de México 2010.

fmx (in)posición dinámica Ars Electronica Zee

WCS 2010 México Stage

2010-02-20T01:12:00.000-06:00

Tanya Valentina Hernández Gutiérrez y José Alfredo Medina Lazarini representarán a México en el World Cosplay Summit 2010 a realizarse en Nagoya, Japón, el próximo verano. Interpretaron a Ion Fortuna y Abel Nightroad, personajes de Trinity Blood. Los disfraces son impresionantes, sobre todo el de Nightroad, que durante el performance tuvo una presencia imponente sobre el escenario.

Acerca de las rutinas, pocas consiguieron enganchar al público, especial mencion a los equipos: tres, (Dragon Quest); doce, (el guión más elaborado y sincronizado); y el comodín, que no pudo competir porque todos los inscritos se presentaron en tiempo y forma, pero de haberlo hecho habría figurado entre los primeros puestos.

Llama la atención que varios concursantes se hayan organizado via internet, a lo largo de toda la República Mexicana, lo que habla muy bien del apogeo de las redes y comunidades virtuales. También da gusto que iniciativas como el World Cosplay Summit generen tal capacidad de convocatoria, que permita vincular a los aficionados de distintas naciones con el objetivo claro de visitar Japón gracias a su afición.

Pues nada, que haya suerte para el equipo nacional y que representen al país con mucho orgullo.

WCS México Team TNT GT4 Trinity Blood

Misato Aki TNT GT4

2010-02-16T15:19:00.004-06:00

Catalogada como J-pop singer, los temas interpretados por Aki Misato se vinculan generalmente con series anime y videojuegos. Debutó en el año 2004 y desde entonces ha cosechado quince singles y tres álbumes recopilatorios. De perfil más bien discreto y contados éxitos musicales, tuvo el agrado de visitar México en la pasada convención TNT GT4 en la Ciudad de México.

Simpática y muy guapa, todo hay que decirlo, su actuación dejó un buen sabor de boca entre los asistentes, quienes al igual que yo apenas conocíamos su trayectoria y uno que otro tema, sobre todo el ending de Mai Hime y el opening de la segunda temporada de Genshiken. Sin embargo, el clímax de la tarde lo protagonizó Romantic ageru yo clásico tema de Dragon Ball que forma parte del repertorio obligado de cualquier otaku.

Envuelta en kimono, zarape y sombrero charro, comparto con ustedes el encore de su presentación del último día de actividades de la TNT GT4.

Misato Aki Romantic Ageru yo TNT GT4 Dragon Ball

2033: la película

2010-02-05T20:07:00.010-06:00

Hoy llega a la pantalla grande el estreno de 2033, película mexicana de ciencia ficción, y a su vez, ópera prima del director Francisco Laresgoiti. Incluida en la selección de varios festivales especializados como el Fantastik Film Festival de Suecia, o el Scifi London de Inglaterra, en México pudimos disfrutar de su pre-estreno en el marco del Scifantasy 2009. La cinta, paladín de la cinematografía nacional, se enfrenta ahora al reto de conquistar el gusto del público mexicano, acostumbrado a tantos churros locales que alejarían de la taquilla a más de uno.

Si bien es cierto que, los efectos especiales condicionan la calidad final de cualquier película que pretenda ilustrar el futuro de la humanidad, éstos deben satisfacer, por lo menos, el concepto de credibilidad para concretar con éxito el acuerdo tácito entre el autor y el público. Si los presupuestos no son tan impresionantes como los norteamericanos, (imposible compararnos), al menos contamos con la creatividad que nos ha mantenido a flote y que hoy nos permite incursionar en territorios, hasta hace poco, inalcanzables.

Por tanto, 2033 reinaugura el género de Ciencia Ficción nacional, con el auguro de germinar más proyectos que a la larga, nos coloquen de nueva cuenta en el mapa internacional del género, porque ya ha quedado demostrado que México, gracias a su condición multicultural, cuenta con elementos de inspiración infinitos, pero que todavía aguardan pacientes de ser desenterrados.

Sinopsis
El fraude en las elecciones presidenciales de 2012 lleva el descontento social a una ruptura definitiva del Estado mexicano. Tras el inminente colapso de las instituciones es el ejército quien asume los poderes fácticos de la nación y promulga un nuevo régimen totalitario, donde las libertades individuales de la población quedan suprimidas por completo. Desde entonces, la disidencia de unos cuantos, cobijados por la fe cristiana, mantienen viva la esperanza de recobrar la paz que alguna vez brilló en México, hoy Villaparaíso.

Pablo (Claudio Lafarga), joven arrogante, inmerso en la clase social privilegiada, no cuenta con mayor preocupación que sus planes de esparcimiento nocturno y la variedad de narcóticos consumidos. El paradero de su padre ocasiona una serie de interrogantes que lo obligan a reflexionar sobre la situación de desigualdad que impera fuera de las fronteras civilizadas, así que decide formar parte del bando rebelde.

Como sí la pesadilla orweliana no fuera suficiente, el susurro de un mundo feliz permanece a lo largo de la cinta: Pactia en vez de Soma, marginados en vez de salvajes; la realidad que asombra a Pablo no es otra que la misma que han padecido generaciones enteras a lo largo de la historia: la riqueza acumulada en unos cuantos y la pobreza en otros muchos. Es el Padre Miguel (Marco Treviño), líder de la rebelión, quien se encarga del adoctrinamiento de Pablo, quien consigue desintoxicarse de la distopía imperante en la metropoli.

Comentario
Las locaciones y el trabajo de fotografía se llevan las palmas de principio a fin. La limpieza estética en cada encuadre demuestra que el talento existe y es capaz de competir en el mercado internacional. La fisura que disloca la estructura toda, es, por desgracia, el guión y los argumentos. Tan predecibles que terminan por distraer la atención del espectador, aún en las secuencias que suponen el clímax narrativo. Ni una vuelta de tuerca, ni un giro inesperado, uno agradece las cortinillas digitales con planos panorámicos de la Ciudad de México, pero debemos comprender que una película no se hace en la sala de pos-producción. Si la trama fuera más elaborada, nadie echaría de menos los efectos especiales.

Donde más se advierte el límite presupuestario es en el vestuario. La etiqueta social exige una suerte de uniforme que haga desaparecer la idea de persona como individuo. Los aditamentos tecnológicos sobre las telas matizan la precariedad, pero no aportan gran cosa al desarrollo de la historia y desembocan en un accesorio meramente ornamental.

Lo que de plano nunca me cuadró es la elección del cristianismo como símbolo de resistencia, cuando la historia nos muestra que la religión, sobre todo la católica, ha sabido acomodarse en las élites de poder; ¿por qué México habría de ser la excepción?. Más aún cuando la idiosincrasia mexicana se inclina antes por el guadalupanismo que por el cristianismo. Esta bien que la guerra cristera haya fungido como instrumento de inspiración, pero que condicione la trama por completo es exagerado.

Un promedio general arroga una calificación aceptable, sin menciones honoríficas salvo la refinación estética antes apuntada. Ahora, lo que urge es tinta e imaginación inspiradas para alimentar al género de ciencia ficción que se ha distinguido por su origen literario antes que audiovisual.

2033 Película Francisco Laresgoiti Jordi Mariscal Yvette Gurza

Álvaro Cueva: Animación Oriente vs Occidente

2010-02-04T23:59:00.002-06:00

Ahora que el clima y los cortes eléctricos ya no son un problema, el flujo de información prosigue con normalidad. El sábado pasado Álvaro Cueva dedicó la emisión de su programa Alta Definición a la confrontación directa entre la animación de oriente contra la de occidente, y como ya es costumbre, la evidencia no podía faltar en este espacio.

En principio, queda claro que anime que se estrena por TV abierta, anime que aparece en los conteos especiales: Kaleido Star y Ghost in the Shell SAC entre los más recientes, pero, no sé si lo han notado, cada vez que el tema central es la animación, los títulos reseñados se repiten una y otra vez: que si Caballeros del Zodiaco, que si Sailor Moon, que si Candy Candy ...; me parece que dichas series marcaron época y resultan imprescindibles para el crecimiento y auge de la animación japonesa en México, sin embargo, para la actualidad se antojan superadas.

Sé que el anime por abierta cada vez es más escaso, si no fuera por Canal 22, el panorama sería poco menos que sombrío. En consecuencia, abordar el tema en televisión o cualquier otro medio, exige una actualización constante, diaria, si nos avocamos a las reglas de la información actuales. Por el contrario, la animación de occidente listó títulos frescos y que acaparan gran parte de la programación al aire. Ya sea por la proximidad geográfica o por la costumbre (arcana) de depender de la industria cultural norteamericana, lo cierto es que la competencia, si no desleal, es muy desequilibrada.

Por lo tanto, no hay que perder de vista que catorce de las veinticinco series en disputa, así como siete de los primeros diez puestos, incluidos los dos primeros, pertenecieron a la región oriental. Sin perder cuidado al par de Animerican Series Avatar y Kappa Mike.

Sólo para finalizar ¿Quién demonios pudo haber votado por El Chavo Animado? Creo que fue incluido en el ranking por decir que existe animación hecha en México.

Álvaro Cueva Animación Oriente Occidente Anime Alta Definición Proyecto 40

Avatar

2010-01-24T02:17:00.000-06:00

"Si he de ser estafado al menos que sea por el mejor". Esta fue mi firme consigna antes de acudir, siempre escéptico, al llamado de la nueva era de la cinematografía, perdón, de los efectos especiales. Una era que privilegia al cine antes como negocio que como arte. Con proyección digital 3D y precios 2x, se comprende que la espera de James Cameron para producir una cinta como Avatar no se limitó a la capacidad tecnológica, sino que también aguardó a que la crisis creativa por la que atraviesa Hollywood tocara fondo para vender un relato clásico, tanto como el ABC del drama épico, como la revolución que el mundo ansiaba. Aunque no lo crean, las cifras confirman que lo ha conseguido.

Avatar es una película de contrastes y paradojas. Por un lado impresiona el pulido acabado de las texturas gráficas, resultado del trabajo a tope de 40,000 procesadores y 104 terabyte en RAM, opacadas, únicamente, por el apolillado libreto apegado al canon épico antes citado. Recurre al desequilibrio climático para realizar una introspección catártica de la década reciente en los EUA, a saber 11 de septiembre y las consecuentes invasiones a Iraq y Afganistán; crack económico y la ilusoria esperanza depositada en Barak Obama.

Como en su momento Roland Emmerich redimió la generación de Vietnam, al convertir en mártir de la humanidad a un ebrio-fumigador-excombatiente en Día de la Independencia, Cameron hace lo propio con la camada de Medio Oriente, al proponer un Jarkhead sensible, racional, capaz de comprender formas de pensamiento externas a la propia. Pero incluso va más allá, y actualiza el personaje de Ron Kovic (Tom Cruise), de Nacido el 4 de julio, cinta dirigida por Oliver Stone, con el choise one en turno Jake Sully, marine igualmente lisiado que padecerá objeción de conciencia y guiará la rebelión contra los de su misma especie.

La idea del cuerpo como contenedor, acaso prisión de la mente como evidencia única de identidad tampoco es nuevo, y en cuanto al discurso audiovisual, la animación japonesa lo ha abordado constantemente. Desde Ghost in the Shell (manga, serie y largometraje), Serial Experiments Lain, o Kaiba de Masaaki Yuasa. Sin dejar de mencionar la íntima vinculación entre la mente humana y los artefactos mecánicos, desde Escaflowne con el ritual del corazón de dragón, Macross Plus y la sincronía psíquica con la Valkiria y qué decir de Evangelion y la comunión entre el piloto y la unidad biomecánica.

La transmutación del ser humano a Na'vi es posible gracias a los avances científicos y tecnológicos desarrollados por el intelecto humano, su herramienta más eficaz de autoconservación a pesar de haber corroído su hábitat natural. Como regla general, el valioso conocimiento es generado a partir del capital privado, encarnado en la corporación privada como personaje antagónico del nuevo siglo. De todos es sabido que el objetivo de la inversión no es lograr el bien común, sino el beneficio individual. No obstante, la disyuntiva ética sobre la manipulación genética, no sólo de la especie humana sino de la alienígena, se desvanece ante el rigor científico comandado por la doctora Grace Augustine (Sigourney Weaver). Por tratarse del año 2154 no esperaba menos.

La filosofía existencial de los Na'vi basada en la deidad llamada Eywa, encargada de mantener el equilibrio del ecosistema en Pandora, posee correspondencia terrestre en la hipótesis de Gaia publicada en 1979 por el químico James Lovelock, donde se postula que la vida fomenta y mantiene unas condiciones adecuadas para sí misma, afectando al entorno. Gaia se comportaría como un sistema auto-regulador que tiende al equilibrio. La diferencia radica en que Eywa existe física y tangiblemente en Pandora, mientras que Gaia en la tierra es meramente conceptual.

Si la exótica diversidad de flora y fauna conformadas sobre la superficie de Pandora ha causado una depresión masiva entre los fanáticos más acérrimos, por la incapacidad de trasladarse hasta dicho paraíso, déjenme decirles que han llegado muy tarde a la repartición de Prozac y Valium. Qué sorpresa que la población mundial haya abierto los ojos al triste panorama actual sólo hasta que una película taquillera les ilustrara el inminente desastre que se avecina, cuando muchos otros directores, más allá del blockbuster veraniego, han advertido con antelación de la descomposición climática y social que ya ha hecho mella en varias zonas del planeta.

Si no es suficiente con un planeta ficticio y una que otra nota periodística catastrófica, conviene aclarar que haber producido Avatar nos ha acercado un poco más a la desaparición del color verde de este planeta y alejado otro tanto de habitar junto a los Na'vi. Porque si cada consulta en Internet emite 0.2 gramos CO2 hacia la atmósfera, ¿imaginan la cantidad de gas invernadero generado por los procesadores y memoria RAM para renderizar Pandora? He ahí la paradoja.

Si alguien pudiera acusar de plagio a James Cameron, o al menos reclamar alguna regalía por inspirarlo, es sin duda el escritor argentino Julio Cortázar, en concreto por su cuento "La noche boca arriba", en el que relata sin necesidad de microprocesadores ni proyectores digitales, la convergencia onírica sincrónica entre dos personas que, por sus contextos espacio/temporales particulares, bien podríamos considerarlos como alienígenas entre sí.

Por lo pronto, ya no es ningún secreto que más de 1,500 millones de dólares de recaudación son suficientes para comprar un Globo de Oro, porque al final resulta en la actualidad se premian récords de taquilla más que cualquier otra virtud que el cine pueda ofrecer. La única relevancia de convertir a Avatar en una trilogía es la de ver al planeta Tierra reducido a cenizas.

Avatar James Cameron Pandora Navi Eywa Gaia

Sora no Woto

2010-01-09T23:10:00.000-06:00

¡Anime no chikara ya está aquí! El proyecto conjunto entre Tv Tokyo y la productora Aniplex se estrena con Sora no Woto (Sonidos del cielo), primera de al menos otras dos series originales que buscan romper con el paradigma de adaptar obras ya publicadas en cualquier otro medio, ya sea manga, novela o videojuego.

Aunque el fundamento de Sora no Woto se basa principalmente en su originalidad, ante la evidencia de los hechos, las molestas comparaciones afloran por toda la blogósfera, porque parece que el Club de Música Ligera de K-On! ha sido reclutado por la armada de la República de Helvetia. Y no me detengo en la sospechosa similitud de los diseños de personajes entre ambos títulos, pese a staffs completamente distintos, sino más bien en la fotografía de corte europeo que remite de inmediato a los clásicos producidos por Hayao Miyazaki.

En Sora no Woto, los escenarios de fondo fueron inspirados ¿calcados? en la ciudad de Cuenca y la Fortaleza Alarcón de España; por su parte, El castillo de Cagliostro así como en el resto de su filmografía, Miyazaki rememora la ciudad italiana de Caltata. Para el observador instruido, no pudo pasarse por alto la breve secuencia que las vincula.

Opening Theme: Hikari no Senritsu by Kalafina

Sinopsis
Sorami Kanata decide inscribirse en la armada como voluntaria con el objetivo de aprender música. La tregua acordada en los frentes de batalla garantiza un intervalo de relativa calma al interior de la jerarquía castrense. Sin embargo, no hace mucho los enfrentamientos recrudecían los horrores de la guerra y la triste infancia de Kanata así lo confirma.

Es asignada al pelotón 1121, en el Estado de Trois en Seize, mejor conocida como la ciudad de cristal y lagos. Por coincidencia, están por celebrar el festival que exalta la valentía de unas doncellas en defensa de la fortaleza, pretexto suficiente para resaltar no sólo la personalidad desenfadada de Kanata, sino su talento para descifrar sonidos. Pronto entabla amistad con Kazumiya Rio, quien la pondrá al tanto de las costumbres y pasado histórico de Seize.

Ending Theme: Girls, Be Ambitious by Haruka Tomatsu

Comentario
Si le prestamos atención únicamente al factor moe de la serie, podemos perdernos de las grandes virtudes que posee en sí misma, la música sobre todo, que en esta ocasión sí cumplirá un papel digno y determinante en la historia. Sin llegar al extremo de la idolatría, Sora no Woto cumple con los estándares que la colocan como lo rescatable de la temporada y, a diferencia de otros sitios que le auguran una caída en picada, yo apuesto por ella, porque confío en que la planificación del proyecto "El poder del anime" no fue en vano y sin sentido. Sé que al final el resultado dejará satisfecho a más de uno.

Sora no Woto Anime no Chikara Kalafina Aniplex Tv Tokyo

Top 10 Anime 2009

2010-01-01T11:55:00.000-06:00

¡Feliz año nuevo a todos! Por fin quedó terminada y actualizada la lista con lo mejor del año que nos acaba de abandonar. No pude concluirla antes pero me propuse comenzar el año con esta compilación particular.

Las reglas de selección fueron las siguientes: disputaron la corona del 2009 todas las series anime de televisión correspondientes a las temporadas invierno 2008-09, así como la primavera, verano y otoño de 2009. Esto se debió a que el 90% del invierno 08 inició en enero de 09 y también porque el 2009 se acabó y la naciente temporada apenas y se ha estrenado.

No incluyen películas, OVA's, OAD's, ONA´s ni derivados, ¿por qué? porque corresponden a rangos individuales que bien valen un listado propio. Además, los largometrajes de 2009 todavía no los vemos en occidente, casos como Summer Wars o Evangelion 2.0., así que no es posible dar una valoración seria sin ver antes el material seleccionado. Vamos pues con el conteo:

1. Higashi no Eden (Eden of the East)

El 11 de septiembre de 2001, a las 08:46 AM, el vuelo 11 de American Airlines se incrusta en la torre norte del WTC de Nueva York. Diez años más tarde, en febrero de 2011, a la misma hora, Saki Morimi pide un deseo en la fuente de la Casa Blanca. Casi de inmediato aparece frente su mirada Akira Takizawa, el redentor que no tenía más remedio que convertirse en príncipe de un mundo sin reyes.

Así comienza la que considero como la serie clave del futuro del anime y de sus fieles seguidores. Si alguien esperaba que la próxima revolución se asemejara a la introspección de identidad propuesta en Evangelion estábamos muy equivocados. Bastó una década desastrosa para abrir los ojos al oscuro panorama que invade al mundo y su futuro inmediato, sus habitantes ya no se cuestionan sobre el lugar que ocuparán en la sociedad, ahora ya ni siquiera hay lugares que ocupar. El deseo de Saki es un cambio, por pequeño que éste sea. No pretende un derrumbe descomunal de la estructura, ¡basta de superlativos! quizá con una modificación sutil sea suficiente, pero mientras la atmósfera negativa no cambie un ápice, el futuro que todos deseamos resulta imposible.

Atrás queda el milagro japonés que llevó a la nación asiática hasta los primeros puestos de potencias económicas. Por tanto, la voluntad Saki Morimi por una sucesión de milagros por mejorar la situación se ha trasladado al mundo real y viceversa. El hecho que corrobora mi enunciado es el ocurrido en agosto de 2009, cuando el Partido Democrático de Japón (liberal) ganó 308 escaños de los 480 disponibles, lo que ocasionó la renuncia del Primer Ministro Taro Aso y la ocupación del puesto por parte de Yukio Hatoyama. Desde la posguerra, hace ya cincuenta años, el Partido Liberal Democrático (conservador) había obtenido siempre la mayoría en las cámaras de representantes, este descalabro habla del cambio, otra vez, del deseo de Saki Morimi.

Así es como Higashi no Eden no sólo se ha convertido en la indiscutible ganadora del 2009, sino en un punto de inflexión que apunta hacia la revolución, antes liderada por el Evangelio según Gainax. La nobleza obliga: ¡Salve Akira Takizawa!

2. Canaan

La única falta de Canaan fue compartir el año con Higashi no Eden, que si no, encabezaría esta lista sin ningún problema. Ya sea por su nivel técnico, cercano al cine o por lo menos al OVA, un lenguaje audiovisual pulido, y sobre todo por sus personajes, quienes denotan tal complejidad psicológica que resulta casi imposible colocar alguno por encima de los demás. Todos los involucrados aportan gran peso al desarrollo de la historia y si alguno llegara a faltar, el resto se desmorona.

El escenario es la ciudad de Shanghai, próxima sede de la cumbre antiterrorista mundial, en la que líderes de todo el mundo discutirán los planes conjuntos para erradicar al enemigo del nuevo siglo. Es entonces cuando la telaraña traza el destino de los involucrados, al final todos víctimas de la psicopatía depositada en las corporaciones transnacionales. Un experimento fallido ha modificado genéticamente a los pobladores de una aldea en oriente medio. Para la mayoría de ellos resultó mortal, pero hubo algunos que no sólo sobrevivieron, sino que obtuvieron habilidades sensoriales con posible ventaja militar.

Una crítica directa a las políticas globales que camuflan sus intereses económicos con cortinas de humo tales como células terroristas. Basta con observar la sátira con la que ilustran al presidente de los EUA para contrarrestar su hegemonía ante un orden mundial cada vez más equilibrado. No pierdan de vista las agrupaciones paramilitares encargadas de abrir brecha a las empresas privadas en territorios que no les pertenecen. ¿Terrorismo corporativo?

3. Aoi Bungaku

La revelación del año. ¿Cuántas veces se ha criticado que la fuente de inspiración de un anime no se un manga? Tantas que ya perdí la cuenta. Sin embargo, la diversificación que vive el medio ha incrementado las adaptaciones que provienen de novelas ligeras, eroges o novelas visuales. Otras tantas de literatura universal, basta con recordar el triunfal retorno del Sekai Meisaku Gekijoo
en el 2007 con los Miserables.

Este año el otoño cobró sentido con más literatura, pero japonesa: grandes clásicos contemporáneos. Sobra ahondar acerca de Osamu Dazai, escritor que venero desde que vi Indigno de ser humano, o Kokoro, de Natsume Sōseki, la novela con la que iniciaré el 2010 con el pie derecho. Historias que de no ser por su adaptación animada habría descubierto tardíamente. Literatura Azul llegó en el mejor momento, la tragedia, el drama y los sentimientos expuestos me motivaron a continuar otro rato en este círculo dantesco llamado planeta tierra.

4. Bakemonogatari

Más de 44 000 unidades vendidas entre BD y DVD fueron motivo suficiente para comenzar a ver, tardíamente, la serie que escaló posiciones como la espuma. Y digo tarde, porque apenas me enteré de que la censura había hecho mella en las emisiones de televisión, que mejor decidí aguardar hasta que las versiones integras fueran liberadas al mercado. Por si alguien se preguntaba que hice entre la navidad y el año nuevo, fue intentar sincronizarme con el ritmo narrativo propuesto por el estudio Shaft, no conforme con el genial absurdo de Sayonara Zetsubou Sensei, todo indica que la consagración de la vanguardia se ha mudado a este estudio de animación.

Con un coctel de dioses shintoístas, apariciones, mitos y fantasmas, Bakemonogatari dignifica, en primera instancia, la figura del vampiro, tantas veces desprestigiada desde la banalidad nombrada Crepúsculo, que azota el universo alguna vez situado entre fuego fatuo y sombras taciturnas de escritores atormentados. Y lo hace desde la propia base literaria que lo vio nacer, con líneas argumentales que requieren, primero, una traducción notable debido al juego de palabras dominante a lo largo de la serie, y segundo, espectadores dispuestos al compromiso de prestar atención a cada diálogo, encuadre, toma y secuencia que arrojen pistas sobre la construcción y desenlace de cada episodio emitido.

Escaló como emergente hasta la posición número cuatro, desbancando al mismísimo Nozomu Itoshiki sensei, también de Shaft. ¡Y pensar que estuve a punto de terminar el año sin verla! Créanme, Bakemonogatari justifica los récords de ventas en distribución al menudeo, un alivio que no dependa de pantimedias al aire para llegar hasta la cima donde se encuentra.

5. Zan Sayonara Zetsubou Sensei

La tercera entrega y tan irreverente como la hermosa estampa inicial, del profesor desesperado colgado de un frondoso árbol de cerezo. Frescura ácida que condimenta los vicios y prejuicios sociales contemporáneos. Esta serie me gusta tanto que si Nozomu Itoshiki fundara alguna secta subversiva, me uniría a ella sin prestar atención a la zona cerebral que controla los impulsos básicos de supervivencia.

Por algo el manga fruto del autor Koji Kumeta recibió en el 2007 el Premio Manga Kodansha en la categoría Shonen, uno de los galardones más prestigiosos del orbe. Intuyo que el manga debe ser todavía más bizarro, una excelente opción de publicación para México, ya que desde hace un año el mercado nacional está por demás enterrado y sin flores. Por ahí reza que para tener éxito en la vida necesitas un buen médico, un buen abogado y un buen contador. Yo agregaría un profesor negativo hasta el infinito.

6. InuYasha Kanketsu-Hen

Algún día tenía que terminar la obra cumbre de la diosa del manga Rumiko Takahashi. Fue en 1996 cuando InuYasha comenzó a publicarse en las páginas de la Shonen Sunday de la editorial Shogakukan. Hasta el final del manga en 2008, la saga acumuló quinientos cincuenta y ocho capítulos recopilados en cincuenta y seis volúmenes tankoubon: ¡además de exitosa, longeva!

El valor de ver concluida una obra maestra y representativa a nivel mundial del universo manganime siempre debe ser motivo de orgullo para los fanáticos de pura cepa. Mucho hay que agradecerle a Rumiko Takahashi de que el manga y el anime hayan trascendido sus fronteras, que si no fuera por el humor irreverente de Ranma1/2, quizá el tan esperado boom en occidente se hubiera retrasado aún más.

7. Slayers Evolution R

Atiendo más a mi lado nostálgico, porque Slayers ha sido una de las series que se han emitido por televisión abierta en México y es de mis favoritas. Cuando me enteré de su regreso, una sensación casi olvidada volvió repentinamente. Supe entonces que cabalgaría junto a Rina Inverse y Goudi Gabriev una vez más.

Fue con Slayers que me volví fan de Megumi Hayashibara. Las pistas vocales de esta serie son geniales, sus CDs fueron del primer merchandising que compré hacia finales de los 90's. ¿Por el paso del tiempo notan por qué es tan especial? Es una serie a la que no le falta nada, salvo lo breve que llegan a ser las sagas, pero como dice el dicho: de lo bueno, poco.

8. Trapeze - Kuuchuu Buranko

Debemos prestar singular atención a noitaminA, barra nocturna de anime de la Fuji TV que naciera como una opción femenina a finales de 2005, y que ahora ha expandido sus fronteras hasta audiencias generalmente desatendidas, me incluyo. ¿En que me baso para alabar este espacio televisivo? Simplemente porque tres de las cuatro series que emitieron en el 2009 conforman este ranking anual, entre ellas la que ocupa el primer puesto, nada más.

Trapeze surge de la literatura ligera, aquella que ha despertado gran interés por la lectura entre la juventud japonesa, atraída a principios de la década por las Keitai Novel. El autor Hideo Okuda obtuvo por esta obra el Naoki Prize en el 2004, junto con el Akutagawa Prize, los premios más importantes de las letras japonesas actuales.

En Kuuchuu Buranko, el autor aborda las trastornos que afectan la salud mental, un campo de estudio que se toma en serio ya que padecerlos representa pérdidas económicas considerables: ¿imaginan una empresa con empleados estresados? Incluso la obra va más allá del terreno laboral: ¿qué tal un deportista con Yips?, o ¿qué mejor que un psiquiatra con trastorno obsesivo compulsivo?

El caso es que cada paciente ingresa al consultorio del doctor Irabu Ichiro, estrafalario psiquiatra que siempre halla la cura de sus pacientes, mismos que a pesar de que lo ignoren, conocen el origen de sus problemas. Mención aparte la asistente Mayumi, femme fatale sadomasoquista fascinada con las jeringas y las agujas ¡grrr!. Un diseño visual inédito por no decir atípico, que aporta significado a la narración, aunque no me he dedicado a descifrarlo por completo: por ejemplo, el cambio de apariencia del propio Ichiro o las mutaciones físicas de los pacientes.

Calificarlo como bizarro sería lo más fácil, pero con un poco de esfuerzo es 100% comprensible, todavía más si logramos conjuntar los momentos cuando los afectados se relacionan entre ellos de alguna forma ¡Atención con el calendario deshojado!

9. Tokyo Magnitude 8.0

A pesar de la amplia experiencia con tramas similares caí en la trampa que convierte a Tokyo Magnitude en algo especial. Para quienes ya la vieron saben a lo que me refiero. Con un principio espectacular, como que a la mitad la historia se vuelve monótona; me sorprende no haber presenciado el caos social mucho mayor después de la catástrofe, acaso una que otra riña y la preocupación por sí mismo antes que por los demás.

La ruta de regreso a casa ocurre casi sin contratiempos, parece que los estudios científicos en los que se basaron para simular el terremoto se concentraron en las estructuras arquitectónicas más que las sociales. Plausible la incorporación de alta tecnología para el rescate y auxilio de personas atrapadas entre los escombros (Japón tenía que ser). Aún así, el concepto de transmitir a través del anime el mensaje de prevención ante cualquier siniestro vale para considerarlo dentro de lo mejor de año pasado.

10. K-ON

Con la uñas el club de música ligera logró colarse en la lista del 2009. Y digo con las uñas porque la fiebre por Mio Akiyama en Japón fue un suceso que marcó la blogósfera otaku en el 2009, situación que por supuesto no podía ignorar. Y es que resulta que el moe vende ¡y de qué forma!, tanto que disparó hasta las nubes el Fender Jazz Bass 62; tan sólo en medio año el bajo vendió el equivalente al promedio de diez años.

El romance de KyoAni por los 4 koma y la película Linda! Linda! Linda! prevalece. Tanto que logró posicionar muy bien al quinteto femenino pese a un argumento (bastante) convencional, en donde se suponía que la música era el hilo conductor de la historia, y al final, resultó que las integrantes hicieron cualquier otra cosa que componer música. Al menos tuvieron la decencia de advertirnos que se trataba de música ligera, muy muy ligera.

Y hasta aquí hemos llegado. La mayoría de las series aquí listadas fueron reseñadas en tiempo y forma, aunque hubo algunas que no alcanzaron un análisis más profundo por cuestiones espacio/temporales. Imposible haber visto todas las series que se produjeron a lo largo de doce meses, pero creo que pude disfrutar las más significativas, salvo alguna que ustedes, fieles lectores, consideren que deban estar en este y cualquier otro ranking que recopile lo mejor del 2009. Por el momento es todo: ¡feliz 2010, otra vez!

Top anime 2009 Mejor anime 2009

20 años con los Simpsons

2009-12-17T11:59:00.003-06:00

Para quienes alcanzamos a vivir un pellizco del siglo XX recordamos cómo la televisión dominaba la tendencia pop de aquella época. El aparato receptor, que ocupaba una suerte de altar privilegiado en el hogar, fue el educador social de muchas generaciones que crecieron frente a la pantalla idiota, la moldeadora de conciencias y un sin fin de acepciones, comprensibles si apuntamos que sólo había 6 canales para sintonizar y 4 eran de Televisa. Escalofriante, ¿no?

Justo por cumplirse la primera década del nuevo siglo, ya me gustaría ver a algún retoño aguantar por lo menos media hora sintonizando el televisor, o que soportara un minuto sin apretujar el control remoto, sin tomar en cuenta, claro, el avasallador rating del TV/Video, enchufado al Wii, 360 y PS3. Contra ellos no hay quien pueda.

Comparación de entradas: Old & New Style!

Creo que fue a principios de 1990 cuando Imevision, cadena estatal que tras la privatización se convertiría en TV Azteca, comenzó a transmitir Los Simpson, en su momento una bocanada de aire fresco que alegraba con demasía la monótona pantalla nacional. Fue como la espuma, no importaba que el puñado de episodios se repitieran una y otra vez, la genialidad de los personajes alegraban cada noche cuando las tareas escolares estaban hechas. Al otro día, el tema de conversación no era otro que el chiste Simpson del día anterior.

Veinte años después, las primeras temporadas de la familia amarilla se reafirman como la evidencia irrefutable de que la creatividad siempre se impone a los recursos presupuestarios. Las raíces sobre las que se yergue la serie animada más exitosa (y longeva) del siglo anterior, proveen tal empuje que al compararlas con las más recientes no queda más que preguntarnos: ¿Que demonios pasó? ¿Cuándo perdieron el rumbo?

Antes que un póster conmemorativo, se trata más bien de un update de todos los personajes de las temporadas recientes. Click! sobre la imagen para superagrandar.

Antes, la beta creativa en cada episodio expulsaba oro molido por cantidades industriales, hoy, si logramos encontrar una pepita de oro entre tanto cliché y lugar común, tan ajeno a los Simpson en otra época, nos damos por bien servidos. ¡Qué calamidad! Ha pasado de la sátira social de una familia de clase media disfuncional a montones de secuencias insulsas acaso hilvanadas con un dejo de conformismo puro.

Celebrar o no, al menos decidí perderme en las remembranzas de lo que alguna vez fue y ya no es.

20 Aniversario Los Simpsons

Fantasci #11

2009-11-28T13:03:00.003-06:00

¡Click para descargar en formato PDF!

Ya se encuentra disponible el #11 de su revista Fantasci, en la cual abordamos en esta ocasión la serie de culto friki The Big Bang Theory; la película Sector 9; la exposición Pixar, con la que el estudio de animación celebra 20 años de vida; un dossier muy especial con el cual tratamos de cubrir toda la obra creada por el maestro del terror, Stephen King y un par de nuevas secciones.

Fantasci Big Bang Theory Sector 9 Stephen King

SciFantasy 2009: Ensueño

2009-11-27T16:33:00.005-06:00

El segundo Festival de Ciencia Ficción y Fantasía en Cine y Video de la Cd. de México arrancó ayer por la noche con la función especial de la película futurista 2033, ambicioso largometraje que plantea un México sometido por fuerzas militares y empresariales, quienes buscan perpetuarse en el poder mediante la comercialización de un fármaco que adormece la mente de la población civil. Con el objetivo claro de abrir espacios a nuevas propuestas fílmicas, el naciente festival se nutre de producciones nacionales ávidas de que el género de ciencia ficción obtenga el reconocimiento que se merece.

El programa de actividades comprende una retrospectiva del trabajo de Leopoldo Laborde, donde destaca el largometraje Utopía-7, catalogado por Jorge Ayala Blanco, crítico de cine mexicano, como "una cinta que se ha anticipado inclusive a los clásicos del género...". El repertorio continúa con Historias del desencanto (México/2005), dirigida por Alejandro Valle y Felipe Gómez (la pasaron anoche en Canal 22) y Vera (México, EUA, Francia, Alemania) de Francisco Athié, aunque extemporáneas cumplen con los requisitos del festival y México está involucrado en la producción.

Complementa la cartelera estelar Man of the Earth (EUA/2007) bajo la dirección de Richard Schenkman con el último guión de Jarome Bixby (Dimensión desconocida, Star Trek) antes de su muerte. Además de Ultra Tóxic (Argentina/2005), Acne (EUA/2005) de Rusty Nails así como un nutrido compendio de cortometrajes nacionales.

Jordi Mariscal, gionista y productor de la cinta 2033. Fuente: POVTelevisión

Mención aparte la inclusión de Evangelion 1.1 en el programa oficial de SciFantasy 2009, en conjunto con el festival el Cine a las Calles. No en el formato más deseable (35mm), sino más bien en proyección digital, mañana sábado a las 18:00 Hrs. en el Centro Cultural José Martí.

Las cedes de este evento son Cinemark Reforma 222, Biblioteca México "José Vasconcelos" así como la pantalla exterior del Auditorio Nacional, el propio Centro José Martí y el Centro Cultural España. SciFantasy 2009, del 26 de noviembre al 5 de diciembre, Ciudad de México.

SciFantasy 2009 2033 Jordi Mariscal

Kaleido Star por Once TV México

2009-11-26T01:31:00.004-06:00

Ya sé que es noticia vieja, que lo mío no es publicar antes que nadie cualquier nota, y aunque ese no es el propósito de éste sitio, trato de mantenerme al día (~.~).

Kaleido Star es una serie compuesta por dos temporadas abarcadas en 51 capítulos, producida por la ¿extinta? Gonzo Digimation. La historia comienza con el arrivo de Sora Naegino de 16 años a la costa oeste de los Estados Unidos con el fin de audicionar en el Kaleido Stage, suerte de espectáculo multidiscilinario del cual Sora profesa singular aprecio. No obstante, el viaje desde Japón no resulta tan corto como para llegar a tiempo y la impuntualidad es una falta que se castiga severamente, por lo que no le permiten presentar la prueba de admisión.

Con el ánimo destrozado y a sabiendas de que acaba de quemar su último cartucho en aras de cumplir su sueño de toda la vida, decide regresar a Japón con la derrota en la frente, sin embargo, una serie de sucesos inesperados la colocan sobre el escenario para suplir a una actriz accidentada, ¡es la oportunidad que soñada!, pero ¿podrá superar esta prueba sin experienca previa?

Con clara tendencia hacia el género Shojo, la serie no empalaga; combina con suma precisión el romance, el drama y la comedia, y culmina su nivel de calidad con una animación sobresaliente, aspecto en el que reside su principal reto, que al tratarse de una serie larga (51 capítulos), mantener un promedio notable no es tarea fácil.

De nueva cuenta es la televisión pública quien da el campanazo a la hora de estrenar anime en la pantalla chica. Por extraño que parezca, la TV cultural es la que más se ha molestado en comprender más a fondo los gustos y preferencias de las audiencias jóvenes actuales, sin ánimo de lucro o beneficio económico de por medio. Otra lección para las cadenas comerciales, que haber si entienden de una buena vez que la animación japonesa, hoy por hoy, es un producto que se consume en todo el mundo y que compite al tú por tú con series, películas y documentales sin ningún problema. Otro punto a favor de este estreno es que no sufrirá saltos cuánticos en la barra de programación, que si algo distingue al Canal Once es la correcta planeación de cada bloque temático. ¡Bien por OnceTV México!

Kaleido Star Once TV México Gonzo Digimation

Hiragishi Tenjin - Yosakoi Soran

2009-11-23T00:03:00.006-06:00

Este fin de semana se conmemoraron 400 años de amistad entre México y Japón. La celebración tuvo lugar sobre el Paseo de la Reforma frente a la embajada japonesa y a un costado del Ángel de la Independencia.

El primer contacto entre ambas naciones se remonta hasta el 30 de septiembre de 1609, cuando el Galeón San Francisco, que se dirigía a la Nueva España (México) y en el que viajaba Don Rodrigo de Vivero, ex gobernador de las Islas Filipinas, naufragó en las costas japonesas de Onjuku, Chiba. Los 317 tripulates fueron socorridos por los habitantes de la pequeña aldea, mujeres en su mayoría, quienes apenas superaban en numero a los náufragos. Durante su estancia, Don Rodrigo de Vivero fue recibido los gobernantes Ieyasu y Hidetada Tokugawa (fundadores de la disnastía de shogunes Tokugawa) y así comenzaron las relaciones entre México y Japón. Un año más tarde, con el navío restaurado, Don Rodrigo de Vivero y parte de su tripulación volvieron a la Nueva España, acompañados por embajadores que se convirtieron en los primeros japoneses en pisar suelo mexicano, en aquel entonces colonia española.

Como parte del festival, Hiragishi Tenjin, equipo campeón del Yosakoi Soran 2008, vino desde la prefectura de Hokkaido para celebrar los lazos de amistad y fomentar el intercambio cultural entre los países. Con una coreografía espectacular el público disfrutó de la destreza y alegría transmitidos por los bailarines sobre el escenario.

El témino Yosakoi Soran proviene de una mezcla de festivales que durante el transcurso del tiempo se ha ido transformando hasta obtener un género musical único y que ha despertado el interés incluso fuera del propio Japón. En 1991, un grupo de estudiantes de Sapporo (Capital de Hokkaido) visitó la prefectura de Kochi en la isla de Shikoku, allí presenciaron el festival Yosakoi (ven de noche, literal), creado después de la Segunda Guerra Mundial con la intención de incentivar el desarrollo económico de la región.

Un año más tarde, alrededor de mil estudiantes se reunieron e incorporaron a la danza Yosakoi sonidos rítmicos de Hokkaido (Soran Bushi), basados en la pesca, principal actividad en la isla; fue así como el Yosakoi Soran vio la luz por primera vez. Actualmente, bastantes festivales de este tipo recorren todo Japón, desde pequeñas villas hasta enromes ciudades como Sendai que alberga cada año el Michinoku Yosakoi Festival, el tercero más grande del país.

Una oportunidad única la que tuvimos estos días en la Ciudad de México y de verdad espero que regresen pronto para presentarse en escenarios multitudinarios, porque sólo pudieron venir 25 de los 130 integrantes que componen esta coreografía. Imagino que verla completa debe ser mil veces mejor. ¡Que disfruten los videos!

Con información de The Nihon Sun

Yosakoi Soran Hiragishi Tenjin 400 años México Japón

El Secreto de la Sirenita

2009-11-13T00:50:00.012-06:00

Tuvo que ser viernes 13 para que el más reciente largometraje de Hayao Miyazaki y el Studio Ghibli por fin viera la luz en las salas de cine en México. Nada más faltó noche de luna llena y el sacrificio de una gallina negra, porque el año se terminaba y Ponyo amenazaba con enlatarse hasta 2010. No es para menos, ya que desde agosto la película acumulaba retraso tras retraso hasta completar ¡cuatro meses! No imagino algo similar con alguna producción de Disney/Pixar o Dreamworks. En fin, el obligado sufrimiento por ver anime en la pantalla grande tiene su recompensa, porque a pesar de todo, ver las marquesinas anunciando la magia de Miyazaki no tiene precio.

Como bien saben los fieles parroquianos de este sitio, pude asistir a la première de esta película; también me comprometí a publicar una reseña el día del añorado estreno, y como una promesa es una promesa, (muy apropiado de acuerdo con la premisa de la cinta) con ustedes los párrafos inspirados a partir de aquella memorable fecha, cuando la distribución de cine en México se reconcilió con la animación japonesa:

Ponyo, Sosuke, Suki
Un homenaje a la fertilidad y a la vida. Desde la primera secuencia los 35 milímetros proyectados simulan una muestra microscópica donde el estallido de vida satura cada rincón por mínimo que este sea, y por extraño que parezca, la armonía reinante es orquestada por un ser humano. Contrasta, por otro lado, con el inicio mismo de Nausicaa del Valle del Viento y la contradictoria Jungla Tóxica, un bosque infestado por hongos que resultan mortales para los seres humanos, quienes deben protegerse con mascarillas para no ser envenenados. La misma Nausicaa lo define así: "es increíble que tanta belleza sea capaz de matarme".

De pronto, un diminuto pez sobresale de entre sus compañeros y se aventura hacia la superficie, sitio por el cual siente particular atracción desde siempre. Sabe por cuenta de su padre, el mismo que equilibra la relación entre el mundo de los humanos y la contra parte marina, que allá fuera, lejos de los dominios que le corresponden, habitan seres que engañan y contaminan, y por consecuencia la separación de ambos ecosistemas es inevitable.

Aquí no hay fauna marina que se mueva al ritmo tropical, más bien, y a pesar de la fertilidad mostrada en la secuencia inicial, padece la intromisión del ser humano; los timbales, maracas y demás percusiones son sustituidas por deshechos industriales que se asientan ahí, en el fondo donde se suponía que entre burbujas y sin problemas tú vivirás. Los bosques (Mononoke Hime), los ríos (Viaje de Chihiro) y ahora con Ponyo, los mares, son víctimas de la depredación humana, inconsciente especie que ante su irracional comportamiento insiste en auto-proclamarse inteligente.

Por desgracia las advertencias tienen justa razón y Ponyo se percata de ello muy temprano, cuando un barco pesquero la aprisiona en una red que acumula sedimento y basura más que peces frescos. Queda atrapada en un frasco de vidrio que amenaza con asfixiarla, su deseo de libertad la conduce hacia la marea baja. Esta contrariedad propicia su fortuito encuentro con Sosuke, un niño de 5 años que habita en una casa junto al acantilado por lo que guarda una relación muy intima con el mar. Luego de quebrar el recipiente, Sosuke lamenta la muerte del pez dorado, sin embargo un súbito reflejo le indica que sigue con vida y se apresura a mantenerlo a salvo en su casa.

Es de esta forma como nace un vinculo de amistad tan grande y puro que ni siquiera las catástrofes naturales ocasionadas por su encuentro serán capaces de separarlos: "Ponyo quiere a Sosuke y promete estar a su lado para siempre", es la premisa que prevalecerá a pesar de las adversidades, es la promesa que conducirá el eje narrativo de principio a fin.

La animación como obra de arte
Pocos frentes de batalla resisten estoicos en la trinchera ante la avalancha digital que no dilata en dominar, sino es que ya lo ha hecho, el proceso de la animación en la actualidad. Sin duda, quien encabeza la monumental hazaña es Hayao Miyazaki, que defiende el toque artesanal de puño, tinta y papel para mantener a flote la tradición, concepto que se desvanece conforme las barreras geográfico - culturales se diluyen en el abismo de la globalización imperante.

Al final, el apego a la vieja escuela queda justificado al momento de apreciar el nivel gráfico alcanzado a partir de las herramientas clásicas, las de toda la vida. Me atrevo a decir que en Ponyo aparecen secuencias magistrales dignas de nutrir antologías con los mejores pasajes no sólo del anime en particular, sino de la animación como género audiovisual en general. No hay que esforzarse mucho para identificarlas, el mar embravecido es como si cobrara vida y salpicara a los espectadores, esto sin necesidad de lentes de tercera dimensión o salas de proyección acondicionadas para tal efecto.

Nunca antes Miyazaki había impreso tantas referencias de sus trabajos previos, incluso los aficionados de hueso colorado notarán gags idénticos que les obligarán a exclamar: "¿dónde lo he visto?" Un lujo sólo permitido una vez que cuentas con una trayectoria tan amplia y reconocida. Esta apreciación, quisquillosa según se mire, alimenta la especulación acerca de su posible retiro definitivo de la dirección y producción de largometrajes, porque aunque muchos se resistan a admitirlo, la leyenda viviente de la animación japonesa también es mortal y se apega a las vicisitudes de la vida y la muerte.

Conclusiones
Volver a los orígenes enriquece el espíritu de seguir adelante con la vida. La retrospectiva que se propone en Ponyo es la que todas las personas del mundo realizarán al menos una vez en la vida: remembrar la infancia, lapso incomparable donde todo parece posible al margen de las reglas del mundo adulto, dónde las experiencias, por más insignificantes que parezcan, nutren las ilusiones de celebrar cada momento del resto de nuestras vidas. ¿No es acaso lo que necesitamos en tiempos tan aciagos?

Si hay algo que recriminar a esta cinta es la notable inconsistencia de su trama, algunos personajes aunque incidentales arrojan cierta superficialidad que no terminan por integrarse al conjunto narrativo, peor aún, ni siquiera algunos protagonistas y sucesos paralelos logran la cohesión suficiente para dejar la sensación que suele ofrecer Ghibli. Sin embargo, este vacío estructural no afecta el hecho de que la película se posicione por encima del promedio de calidad acostumbrado en la cartelera nacional, y a propósito de la recurrente mención sobre la inspiración de este filme (el cuento de La sirenita, de Hans Christian Andersen), Miyazaki nos recuerda -una vez más- por qué el Studio Ghibli no es Disney y que las inspiraciones no determinan ni condicionan la obra original propuesta.

No resta más que apoyar en taquilla esta nueva apuesta por distribuir en México y América Latina anime de calidad. En estados Unidos le fue muy bien, claro que no podemos compararnos con tal maquinaria capitalista pero en justas dimensiones podemos demostrar que en el resto del continente existen aficionados dispuestos a difundir la otra animación ta popular en Internet y comunidades especializadas pero que fuera de estos círculos apenas logra penetración e interés. En un rato yo estaré en primera fila disfrutando de animación japonesa en celuloide ¿Y ustedes? ¡Espero que también!

Ponyo El Secreto de la Sirenita Studio Ghibli Hayao Miyazaki

TNT 18: Savage Genius

2009-11-06T21:52:00.005-06:00

Las pesquisas de otra TNT en la Ciudad de México. Todavía arrepentido de no haber asistido a la presentación de Ohmi Tomoe (no sincronicé muy bien mis horarios), pero por fortuna sí disfruté del mini live de Savage Genius el lunes 2 de noviembre, que la verdad no estuvo nada mal. Esta vez ahorre la energía de la la batería lo más posible y si alcanzó para grabar cada detalle.

De nueva cuenta no tuve noción de los temas interpretados, si acaso uno o dos (creo que necesito un curso intensivo de anime singers), aún así disfruté cada momento de Savage Genius en la TNT. Otro aspecto relevante fue que los organizadores no prohibieron video cámaras, según algunas fuentes cercanas no iban a permitir ni siquiera celular, una mala costumbre que espero no se patente en adelante.

Mi aportación al nutrido grupo de asistentes que comparten sus grabaciones

La afluencia de personas (¿los frikis son personas?) no se detuvo hasta la tarde, en esta ocasión no hubo tumultos ni portazos. La distribución de los expositores ha sido la mejor hasta el momento, en el segundo piso podías acostarte a medio suelo y no estorbabas para nada. Eso sí, creo que deberían darle justa importancia a la sala de proyecciones, porque la colocan entre tanto escándalo y barullo que no es posible disfrutar un buen anime en esas condiciones, para acabarla de amolar el equipo de audio dejaba mucho que desear, para eso mejor hubieran programado cine mudo.

Y hablando de proyecciones, durante el evento promocionaron el Festival de Ciencia Ficción y Fantasía en Cine y Video de la Ciudad de México, algo que promete bastante y que dará de que hablar a finales de este mes. Programaron un compendio de cortometrajes nada despreciables, si tomamos en cuenta el precario escenario de la producción de ciencia ficción en México.

Los fans siguen siendo el pilar de esta convención. Si la queja recurrente acerca de estos eventos es que se trata de un mercado cualquiera donde cobran la entrada, la luz al final del túnel son y serán los cientos de otakus, cosplayers, gamers y comiqueros quienes añoran fechas y escenarios memorables para refrendar la tendencia de consumo y expresión cultural en plena revolución digital.

Savage Genius Ohmi Tomoe TNT 18

Aoi Bungaku - Literatura Azul

2009-10-31T01:56:00.001-06:00

"Si pudiera renacer, desearía vivir más como un ser humano"

Nada que objetar: con argumentos basados en seis obras clásicas de la literatura japonesa contemporánea; diseño de personajes a cargo de ilustradores y mangakas reconocidos, tales como Takeshi Obata (Death Note), Tite Kubo (Bleach), Takeshi Konomi (Prince of Tenis); además de un estudio consagrado como lo es Madhouse (obligado en cada película de Satoshi Kon), de Aoi Bungaku se puede esperar cualquier cosa, menos duda de acercarse a ella con el temor de salir decepcionados.

Con su estreno tardío, no tanto como esta reseña, justo a la mitad del mes de octubre concluyó la desesperanza por hallar un título que revitalizara el concepto de animación japonesa como medio artístico, más allá de las reglas del mercado que orillan a explotar el fan service hasta niveles ciertamente obscenos, con la crisis económica no es para menos, pero todo en exceso es vicio.

El compendio de adaptaciones inició con Ningen Shikkaku (Indigno de ser humano), del escritor Osamu Dazai (1909-1948). Descendiente de una opulenta familia de terratenientes y décimo de once hijos, Dazai creció entre las atenciones de la servidumbre, apenas con distingo y aprecio por parte de sus familiares más directos. Esta situación poco alentadora propicio su interés por la literatura como un medio de refugio, sin embargo, su talento con las letras no evitó que su vida personal se convirtiera en un completo desastre, apenas matizado después de su boda con Michiko Ishihara, pero incrementado después de la Segunda Guerra Mundial.

En el caso de Shayo (1947) y Ningen Shikkaku (1948), sus novelas más representativas, se aprecia la influencia occidental en su estilo narrativo, sobre todo de Fiódor Dostoyevski, considerado uno de los escritores más grandes de la literatura rusa y universal. Gran parte de la obra literaria de Dazai contiene referencias autobiográficas, como la relación distante con su familia, la incapacidad de adaptarse en la sociedad y su obsesión con la muerte a través del suicidio.

Sinopsis
"Mi vida fue tan vergonzosa. Para mí, me fue imposible comprender la forma de vivir de un ser humano". Es así como Oba Youzou se refiere a sí mismo en torno a un mundo desconocido, toda vez que resuelve la incomprensión mutua hacia la sociedad humana con la conclusión de que él no es humano sino un demonio, y como tal, debe desaparecer de la faz de la tierra. Incapaz de mostrar sus verdaderos sentimientos, el demonio vividor, estafador e incluso asesino, aprendió a disimularlos, a fingirlos; mostrándose ante los demás con máscaras (dialéctica de la soledad) que le permitieron más o menos encajar en el engrane social.

Sin embargo, todo llega a un límite cuando Youzou no puede contener por más tiempo su verdadera identidad acaso confinada en un cuerpo que jamás le ha pertenecido. Es momento de terminar con todo y es así como inicia la ruta de despedida. Sus constantes fracasos por conseguirlo, ¿mencioné que no tiene ningún talento?, provoca que más mujeres se involucren en su torbellino autodestructivo.

Comentario
Con dirección, fotografía y música destacadas, así como algunas secuencias dramáticas para ponerse de pie, Ningen Shikkaku inaugura de la mejor manera un banquete visual inédito, mucho mejor logrado que el intento más reciente de adaptación literaria con Genji Monogatari a principios de año. Con tres episodios emitidos, las restantes novelas prometen comportarse a la altura de la serie antológica, cada una por supuesto, enriquecida con la esencia de escritores con talento comprobado, tanto como para considerarlos clásicos contemporáneos.

Otro buen ejemplo de cómo es posible incentivar la lectura a través de productos audiovisuales, tantas veces señalados como la principal causa de atrofio mental y distanciamiento de conceptos culturales, si nos atenemos a la visión de la Teoría Crítica sobre alta y baja cultura, claro está. ¡Una serie que no puede faltar en la agenda de esta temporada!

Aoi Bungaku Osamu Dazai Ningen Shikkaku Literatura Azul

#InternetNecesario

2009-10-20T11:59:00.001-05:00

Hoy fue uno de esos días en los que se demuestra que otro mundo es posible, y que por desgracia no figura en el mundo real sino en el virtual. La corrupción e ineptitud de quienes gobiernan México, sin esfuerzo alguno, han conseguido hundir a la nación a un punto sin retorno, a un rezago de por lo menos veinte años en todos los ámbitos que podamos imaginarnos: educación, empleo, seguridad, y un interminable etcétera.

Justo ahora se discute la posibilidad de gravar con un 4% a las telecomunicaciones (TV por cable, telefonía móvil e Internet); la calidad de estos servicios dejan mucho que desear, todavía peor si los comparamos con los estándares internacionales. En Twitter, el sistema de microblogging, se ha lanzado la campaña civil en contra de la iniciativa retrógrada propuesta por el gobierno federal, (¿por qué no me sorprende?), en su desesperado intento por recaudar fondos para medio sobrevivir el año entrante.

Eso sí, mientras los explotados trabajadores aguantan la pesada loza con un 28% de Impuesto Sobre la Renta (sí, en México se paga impuesto por trabajar), con miras a un aumento hasta el 30%, las grandes mafias de empresarios, que facturan en miles de millones al año no llegan ni al 2% en contribución al erario público. Así entonces, la cereza del pastel es el cinismo del duopolio televiso que busca perpetuar sus privilegios al lanzar campañas de opinión pública con el fin de adormecer a la población. ¡Que asco!

¡Click en la imagen para agrandar el desastre!

Para aderezar mi enfurecimiento, ¿qué tal una infografía para ilustrar el rezago en el que nos encontramos?. Es de esos pictogramas que me hacen añorar la tierra del sol naciente, el futuro afrontado sin miedo ni vicios cavernarios. Para unirse a la rebelión, twitear con la etiqueta #InternetNecesario. Por cierto, hoy por la noche en mi agenda de televisión, Jacaranda Correa en el programa El Rotativo de Canal 22, dio cobertura a la iniciativa en línea de DHP: dejemos de hacernos pendejos, ¡la verdad es que ya es hora!

DHP Internet Necesario ISR Paquete Fiscal 2009

El Diablo en Marge Simpson

2009-10-19T11:59:00.000-05:00

¿Cómo explicar que las fotografías de la matriarca Simpson en Playboy se conviertan en las más buscadas en Internet? Algo debe estar ocurriendo en occidente para que el icono de las publicaciones para caballeros, so pretexto del 20 aniversario de la serie amarilla por excelencia, motive su portada del mes de noviembre con Marge Simpson como (casi) nunca la habíamos visto.

No sé si la revista llegue a un récord histórico de ventas, ¡de descargas ilegales seguro!, pero al menos logró posicionarse como un hito en la nota de curiosidades en tabloides y noticiarios. Una vez que los pictogramas se filtraron en la red de redes, algunas voces de decepción no se hicieron esperar; con lo que se puede ver en hoy en día, las imágenes se quedan en el dominio del softcore, incluso en la propia serie animada hemos sido testigos de escenas más comprometedoras, aún si consideramos que Playboy no suele perder la etiqueta en el mercado del entretenimiento para adultos.

De lleno con las páginas intermedias de la edición de colección (sólo por la portada), la locación de la sesión fotográfica no fue el sótano de la casa, sino más bien una cabaña que nos hace recordar la poco afortunada versión cinematográfica, cuando las pericias de Homero y compañía los arrastran hasta Alaska. Entre el calzado y la lencería no figura ninguna marca reconocida de la moda o la industria del vestido, poco ingenio en ese aspecto apenas compensado con las rosquillas y cerveza, sus principales competidores por atraer la atención de Homero J. Simpson.

La edición incluye una entrevista también ficticia, tópicos de interés general entre los que destacan las reacciones familiares sobre su decisión de posar en ropa íntima, el secreto de un matrimonio feliz, de una vida sexual placentera y el destino de las regalías que obtuvo por la exclusiva. Al final se anuncia que el próximo 15 de noviembre, la cadena Fox transmitirá el episodio titulado "The devil wears nada", en alusión a la película El diablo viste a la moda, A.K.A. The devil wears Prada, ya saben que las traducciones para América Latina suelen ser maravillosas. (Nótese el sarcasmo).

¿Lo grave de esta edición para coleccionistas? Que la Playmate del mes en turno, Kelley Thompson, vivirá opacada por la sombra de un dibujo animado ¡Qué contrariedad! Ya puede buscarse un psicoanalista para los próximos diez años.

Marge Simson Playboy Los Simpsons Matt Groening

The Book of Bantorra

2009-10-08T01:43:00.007-05:00

Arrancó el estreno de las series de anime para este otoño, aunque nutridas y variadas no por ello trascendentes. Hasta ahora, algo pronto para emitir un juicio final, el carrusel de opciones cotiza por de bajo de un promedio aceptable. Con apenas unos trailers y premisas básicas, la elección de un título específico se convierte precisamente en una ruleta rusa.

Suficiente resultó el caso particular de The Book of Bantorra, en donde las almas de los humanos muertos quedan fosilizadas en libros, el registro de toda una vida se confina en una suerte de tabloide rocoso, administrado y protegido por los miembros de la Armada de Bibliotecarios, entre los que destaca Hamyuttsu Meseta (Hamutz Meseta) como la más poderosa de todos ellos.

Opening: Datengoku Sensen, interpretado por Ali Project

El enemigo en turno es la Iglesia Shindeki, que se caracteriza por menospreciar al ser humano al utilizarlo como simple carne de cañón, literalmente, ya que el primer capítulo expone fuegos artificiales que destellan tejido humano en vez de atractivos colores. El punto nodal del asunto recae en Koria Tonisu (Colio Tonies), un chico cuyo registro de vida ha sido completamente borrado y cuenta únicamente con una orden precisa: matar a Hamutz Meseta.

Si sumamos todos los elementos que conforman el principio de esta serie, llámese discurso audiovisual, es posible deducir el concepto propuesto que la misma Halmutz Meseta resume en unas cuantas líneas argumentales: - "El pasado brilla aún más radiante que el presente. ¿No es por eso que estamos aquí?" Resulta lógico el detalle arquitectónico, ecléctico, donde resaltan los estilos neoclásico, gótico y barroco; la piedra como material predilecto, lo que brinda un aire medieval aun cuando no se define una línea temporal respecto a la nuestra. En resumen, esto trata de paleontología, con una pizca de magia, efectos especiales y humanismo.

Ending: Light of Dawn, interpreta Annabel

Este voto de confianza hacia la humanidad invita a reescribir la Historia, así con mayúscula, para reconocer su estatus de Ciencia Social (la memoria borrada de Colio Tonies no es casualidad). Mención aparte del enredado inicio, algo propio de S.E. Lain que de verdad no ayuda a la fluidez de los hechos, y más de uno claudicará en el vano intento por descifrar el rompecabezas argumental. Sirva entonces esta reseña introductoria para invitar al usuario ávido de contenidos alejados del lugar común, aunque en ello se disuelvan algunas expectativas por lo alternativo y experimental, que la obra no pinta para un cañonazo épico, mucho menos comercial.

Si The Book of Bantorra logra mantener a flote un hilo narrativo coherente, que a fin de cuentas es de lo que se trata, de contar historias, puede que sobreviva al rechazo y en el mejor de los casos al olvido, antes de que los ventarrones invernales azoten los vitrales de la temporada siguiente. No estoy seguro de recomendarla ampliamente, pero si la calidad de otoño no levanta antes de la primer quincena de octubre, será una buena opción para desconsolados.

The Book of Bantorra Toshiya Shinohara Ishio Yamagata

Transitio MX 03: Autonomías del desacuerdo

2009-10-03T12:58:00.000-05:00

Hoy por la noche iniciaron en el Laboratorio Arte Alameda las actividades correspondientes al Tercer Festival Internacional de Artes Electrónicas y Video, Transitio_mx, con el eje central de la apropiación tecnológica como un valor de (des)acuerdo y diálogo frontal ante el proceso de globalización, que tiende a disolver el entorno local y a homogeneizar el quehacer artístico-cultural.

La autonomía expresa mediante el desacuerdo, puntos de vista tan diversos que coloca en tela de juicio la monotonía unilateral discursiva, propia del análisis clásico del fenómeno global. En contra parte, se aprecia una paradoja tan marcada como necesaria para que el motor del diálogo y la disertación obtenga un espació válido, legítimo, en el acontecer posmoderno, toda vez que el terreno para su desarrollo surge en un ámbito donde los países se conectan por medio de redes comerciales, informáticas y tecnológicas.

Más que una apropiación distingo una re-apropiación tecnológica. Los habitantes de la aldea global consumen necesariamente los recursos tecnológicos para su bienestar, y lo hacen de la forma convencional, apegada a los lineamientos bajo los cuales fueron concebidos. El artista digital, en cambio, advierte en estos recursos opciones de expresión y desacuerdo viables incluso si el uso de los mismos no corresponden con la reglas tradicionales de consumo y apropiación.

La revolución digital radica en la manipulación de medios hasta hace algunas décadas en manos de unos cuantos y hoy en manos de unos muchos. La cuasi democracia de los medios de comunicación y tecnologías de la información (hay más teléfonos celulares en Manhattan que en toda el África negra) invitan a redefinir la correlación de conceptos como global versus local; inmiscuirse en las raíces de nacionalismo e identidad en un contexto histórico que hasta hace poco se consideraba ciencia ficción: "En el futuro próximo redes corporativas llegan a las estrellas, los electrones y la luz fluyen por todo el universo. No obstante, los adelantos de la informática aún no han acabado con las naciones y los grupos étnicos." He aquí la infinita paradoja a la que me refiero. El epígrafe de Ghot in the Shell nunca había sido tan actual.

Los desacuerdos inaugurados: Dense Local y Del insilio al exilio. Somos todos extranjeros, permanecerán en exposición hasta el sábado 10 de octubre, con programación continua de acuerdo a los horarios previamente establecidos. Las sedes de Transitio_mx además del Laboratorio Arte Alameda, abarcan el Centro Nacional de las Artes, la Fonoteca Nacional, y la Universidad Iberoamericana. Todas ellas con distintas actividades entre clínicas y talleres, simposio, foros y muestra internacional.

Autonomías del desacuerdo, del 1 al 11 de octubre, Ciudad de México, 2009.

Transitio MX Autonomías del desacuerdo Laboratorio Arte Alameda

Black★Rock Shooter – Piloto

2009-10-02T21:11:00.005-05:00

Black Rock Shooter, creación del ilustrador Huke e inspirada en la ídolo virtual Hatsune Miko del sintetizador Vocaloid de la Yamaha, ha dado el salto al anime de la mejor manera. Apenas el 30 de septiembre salió a la venta la animación piloto del proyecto y el éxito de ventas ha sido contundente ¿Qué podemos esperar con la obra terminada? Habían circulado las versiones camrip apenas aceptables, pero como prefiero calidad antes que premisas apresuradas, la fuente DVD se comporta a la altura de las circunstancias.

El staff está compuesto por nombres que se han consolidado en los últimos años, tal es el caso de Shinobu Yoshioka (Suzumiya Haruhi) en el cargo de director; Daisuke Matsuo (Kannagi) en el diseño de personajes y Yutaka Yamamoto como supervisor. Podríamos catalogar a la tropa como KyoAni en el exilio, pero más bien se trata del estudio Ordet, fundado por el propio Yamakan después de su renuncia de Kyoto Animation. La música, parte fundamental incluso más importante que la propia animación corre por cuenta del compositor Ryo, integrante de la banda Supercell, emanada del submundo amateur a.k.a. Dojin Music.

No olvidemos que en su condición de piloto, el producto final puede mejorar al 100%, insisto sobre la música que unos arreglos extra no le caerían nada mal, considerando que la intención profesional del asunto así lo demanda. Todavía no hay nada concreto, pero se espera una versión animada completa, ya sea OVA o serie de TV para la primavera del próximo año.

Black Rock Shooter Yamakan Vocaloid Supercell

Tokyo & Otoño

2009-09-29T00:34:00.004-05:00

Que por fin el otoño ha llegado, mi estación del año favorita por razones incontables, una de ellas es la inclinación del sol, sobre todo por las tardes. No sé, me recuerda un poco a la fotografía de las películas de Makoto Shinkai. La arquitectura colonial de la CD. de México también ayuda a que celebre la atmósfera otoñal, si tienen oportunidad, observen cómo arde la cantera de las catedrales y museos entre 4:30 y 6:30 PM; la tierra es roja y el cielo azul y despejado. El resto de latinoamérica y España cuentan con esta posibilidad, gracias a la tradición cultural que nos une a una raíz histórica común.

También es la estación que más me inspira a leer, el 60% de los libros que acumulo al año los disfruto en otoño, así que no he tardado en desempolvar la enorme biblioteca de mi casa (porque quienes me conocen saben que en vez de paredes hay libreros). Los ajustes al blog quedaron concluidos, pocos pero sustanciales, sobre todo el Twitter, el sistema de microblogging que lidera el rango de redes sociales por el momento. No podía quedarme atrás, sería un suicidio.

Como las palabras sobran, hallé un video que logra explicar todo lo que el otoño significa para mí, no aborda el tema estacional pero sí una ciudad igual de fascinante que el Distrito Federal de México. No las comparo, sólo rescato la importancia que tienen para mí. Lo realizó Joan Jimenez, compuso además la música, puro estilo Shinkai, ya les digo. ¡Que lo disfruten, es magnífico!

Joan Jimenez Tokyo Fall Otoño

Fantasci 10

2009-09-25T23:59:00.001-05:00

Tanto el arte como el crimen no pagan. Tan acostumbrados a que todo en la red sea gratuito he aquí otro ejemplo que perpetua el círculo vicioso para beneplácito de los leechers, A.K.A. usuarios lectores. Tres meses de ausencia no se comparan con 70 años de Batman, el caballero de la noche y qué decir de siete décadas de Marvel Comics, ahora parte de Walt Disney. Mención aparte la entrevista exclusiva a Doug Jones, quien visitó México junto con Halko Momoi durante la Expo Comic Poder Joven ¿recuerdan?

Con la novedad de que la publicación pasa a ser bimestral, por aquello de los retrasos que hacen brotar úlceras gástricas a cualquier editor del medio. Espero que el dossier entrante se mantenga en pie y junto con Capitan Wako podamos por fin dar paso a la mecánica nipona que tanto nos gusta. See you next!

Revista Fantasci Batman Marvel Comics Green Lantern Doug Jones

Ponyo, el Secreto de la Sirenita Première

2009-09-19T23:37:00.003-05:00

Hoy, sábado 19 de septiembre de 2009, se llevó acabo en el Distrito Federal la première de la película más reciente de Hayao Miyazaki, (El Viaje de Chihiro, El Castillo Vagabundo), veterano director considerado una leyenda viviente de la animación japonesa. Un año y tres meses después de su estreno en Japón, cinco meses más tarde que en España y a escasos 35 días de que apareciera en Estados Unidos ¡por fin! México se integra a la lista de países latinoamericanos que disfrutarán la gran travesía de Ponyo por cumplir su deseo de convertirse en humana. ¿Lo conseguirá?

Contrario a mis estimaciones numéricas, la sala de proyección alcanzó una ocupación aproximada del 90%, del cual por lo menos la mitad eran menores de 12 años. Todavía más extraño al margen de error en mis cálculos, resulta que la mala suerte que normalmente me acompaña se disipó durante todo el día, es más, no se ha aparecido desde que gané las cortesías para la histórica función. Eso me preocupa, ¡porque luego regresa con mayor intensidad!

Además, la buena racha continuó cuando poco antes de que comenzara a rodar el carrete, en la sala anunciaron que debajo de algunas butacas había stickers que indicaban a los ganadores de películas en DVD dirigidas por Miyazaki, ¡y debajo de mi asiento había uno! Total, que me traje a casa Lupin III: el Castillo del Cagliostro, la ópera prima del gran sensei.

Sobre la película, por el momento me abstendré de publicar la reseña, aunque el día del estreno aparecerá a primera hora. Es cierto que el tiempo de retraso obliga acudir a la Red para disfrutar el cine que probablemente nunca llegue a exhibirse de forma legal, pero a sabiendas de que tarde o temprano Ponyo visitaría México decidí abstenerme de ripeos, que seguro ya circulan en mil sitios. También estoy seguro de que más de uno ya la vio desde hace tiempo en su PC, por mi parte, quise refugiarme en el viejo proverbio que dice: "la paciencia es el árbol de las raíces más amargas pero de los frutos más dulces". Así que hoy fue una fecha especial, que nadie incapaz de resistirse algunos meses podría entenderlo.

No adelanto nada más, salvo las fotografías que dan cuenta de un sábado afortunado, de los esporádicos días soleados que sirven para equilibrar el universo y evitan que la siniestra oscuridad se apoderé por completo de mí. _^^_

Ponyo Secreto de la Sirenita Hayao Miyazaki Studio Ghibli

Estallido Social

2009-09-18T23:29:00.005-05:00

Tal y como lo había advertido José Narro Robles, rector de la Universidad Nacional Autónoma de México, el estallido social provocado por la inestabilidad financiera mundial y los recortes al presupuesto de 2010 y (donde la cultura y la educación son los más afectados, clásico de los tecnócratas), ya muestra signos alarmantes. Para muestra basta un botón: hoy, viernes 18 de septiembre, alrededor de las 17:14 horas, los pasajeros del transporte colectivo metro de la CD. de México vivieron momentos de terror, con un saldo lamentable de dos muertos y cinco heridos.

Todo comenzó cuando Luis Felipe Hernández Castillo, de 38 años de edad, fue descubierto mientras rayaba sobre las paredes consignas contra el gobierno: "este gobierno de criminales"; y de tintes religiosos: "esto lo hago en nombre de Dios". Las autoridades encargadas de la seguridad de los pasajeros actuaron en consecuencia, sin embargo, la situación se salió de control y en unos cuantos segundos perdieron la vida por impacto de bala Víctor Manuel Miranda Martínez, elemento de la Policía Bancaria e Industrial; y Esteban Cervantes Barrera, civil de 58 años de edad quien trató, sin éxito, de desarmar al delincuente.

El grado de violencia y hartazgo social que padecemos en México se debe en gran medida a la crisis económica, que actualmente vive su punto más álgido y que por lo pronto promete mantenerse durante el 2010, toda vez que las finanzas del gobierno federal presentan un hueco de 300,000 millones de pesos (22,500 millones de dólares), cifra que busca ser aminorada con aumento de impuestos en el ISR, energéticos (luz, gas LP, gasolina); telecomunicaciones (TV de paga, telefonía móvil e Internet), así como un 2% de impuesto al consumo general.

Con sueldos de miseria, en el afortunado caso de contar con un empleo digno ¿Cómo demonios va a sobrevivir el grueso de la población? Todavía peor, en un país con más de 50 millones de pobres (47.4% de la población), que no cuentan ni con salud, ni con vivienda, ni con comida. La violencia transmitida a diario por los medios de comunicación sólo es una probada de la realidad verdadera, no la que intentan convencernos a través de spots e infomerciales gubernamentales.

El 2009 será recordado como el más amargo en mucho, mucho tiempo. Apenas unos días después de los festejos patrios, a un año del granadazo en Morelia, Michoacán, me vuelvo a preguntar (lo hago año tras año y lo seguiré haciendo): ¿Es que de verdad hay algo que celebrar? La respuesta es obvia, por lo pronto el latido surge con más fuerza, lo respiro en el aire viciado por la desigualdad, la corrupción y la ineptitud, por las prácticas fraudulentas en las elecciones intermedias (2009) y presidenciales (2006): ¡¡¡Nos vemos en el 2010!!!

Balacera Metro Balderas

Pakal 2012: el regreso

2009-09-13T00:59:00.000-05:00

De acuerdo al Templo de las Inscripciones de Palenque, la fecha del 23 de marzo de 2007, sello del Sol 10 kin 140 en el calendario espiritual de los mayas, corresponde al aniversario 1401 del nacimiento de K’inich Janaab Pakal, cálculo según el cuál la energía del gobernante, que accediera al trono Maya a la edad de 12 años, retornaría expresada en la conciencia de todos aquellos seguidores del despertar de la conciencia planetaria.

Para Jorge Tamatz Juanes, antropólogo y coordinador del proyecto, el retorno extemporáneo del gobernante maya se da por una simple casualidad, misma que provoca un choque cultural inédito entre costumbres arraigadas y un siglo XXI hundido en la pérdida de las raíces, el olvido de la cultura que nos hace lo que somos, así como la ultratecnología que se ha posesionado en la vida cotidiana: una contradicción entre lo étnico y lo tecnológico.

Bajo este panorama surge Pakal 2012, un espectáculo de ciencia ficción concebido por la compañía Escuadrón Mutante que amalgama el pasado, el presente y el futuro; una obra compleja en donde se involucran elementos multimedia, música electrónica en vivo, instalación y performance, además de un espectáculo general de luces, conceptos visuales y grafiti.

Réplica del pictograma hallado en la tumba de Pakal Votan, mejor conocido como el Astronauta de Palenque.

Más de 15 artistas entre actores, chefs, músicos en vivo, artistas multimedia, fotógrafos y especialistas en arte contemporáneo se encargan de llevar el mensaje, de crear una experiencia donde el público se va a sentir integrado, va a ser parte intrínseca del desarrollo de las acciones.

Como la compañía se propuso un espectáculo de arte total, el montaje incluye una parte gastronómica. Se trata de una instalación que convertirá a los asistentes en antropófagos pues podrán comerse a un humanoide creado por Orgy Punk y César Huesca Molina a partir de diferentes comidas: mole, pasta, pan, un plato diferente en cada presentación.

Tamatz consideró que Pakal 2012 es una obra explosiva, para los jóvenes, una especie de manifiesto viviente que plantea que las culturas alternativas siguen vivas a pesar de todo. La compañía se propuso montar el espectáculo en la Terraza Salón Juárez del Centro Cultural Universitario Tlatelolco, por su carga histórica, su simbolismo y su fuerza visual: “La dificultad será darle vida por sus dimensiones, el reto es darle calor festivo. Esperamos transformarla en un mundo maya futurista. Pakal 2012 desea quitarle ese rollo trágico a Tlatelolco y volverlo un espacio para los jóvenes, quitar el estigma tan sangriento que tiene el lugar”.

Pakal 2012 se presentará el 17 y 19 de septiembre, las 20:00 horas así como el 1 y 3 de octubre, a las 19:00 horas en la Terraza Salón Juárez del CCUT, Ricardo Flores Magón 1, esquina Eje Central, Nonoalco-Tlatelolco.

Pakal 2012 Escuadron Mutante Pofecías Mayas Centro Cultural Tlatelolco

14th Anime Kobe Awards

2009-09-09T00:48:00.009-05:00

El próximo 18 de octubre se entregarán en la ciudad de Kobe los reconocimientos a los ganadores de lo mejor de la industria de animación japonesa, anunciados el pasado 4 de septiembre. El jurado que dictamina los resultados está compuesto por miembros notables del medio así como editores de revistas especializadas Animage, Animedia y Weekly ASCII.

La mayoría de los galardonados han sido reseñados en este sitio de manera puntual, ya saben que soy partidario de la calidad antes que la cantidad. A continuación la lista de premiados:

Premio Individual: Kunio Kato, director del cortometraje La maison en Petits Cubes, ganador además del Oscar como mejor corto animado.

Premio Especial: Shun-ichi Yakimuro, guionista en series entrañables como Candy Candy, Dog of Flandes (Bel y Sebastian en México, ¿se acuerdan?), Dr. Slump, Dragon Ball, Kimba, el León Blanco.

Premio a Mejor Película: Wall - E, de Pixar. En palabras del propio jurado: "No hubo animación japonesa que contendiera con el disfrute puro del cine tal y como lo hizo Wall - E". Tal parece que la crisis por crear historias originales para cine aqueja a la animación japonesa de la misma forma que a Hollywood. La mayor parte deriva en adaptaciones de series de TV (Bleach, Naruto, Evangelion). A propósito, Mamoru Hosoda (Tokikake), director de la cinta Summer Wars, estrenada este verano en Japón, refirió hace algunos meses: "Creo que la producción de una película por medio de la animación tiene mucho potencial. Sin embargo, el Estudio Ghibli, o mejor dicho, Hayao Miyazaki ha sido el único productor de películas por si mismo. Es triste ver que el resto de los productores están perdiendo la oportunidad de crear una amplia variedad de películas de anime".

Premio Serie TV: Higashi no Eden. ¡Tenía que ser! Desde su estrenosupe que había una revolución de magnitudes épicas, tal como sucediera con Macross, Evangelion o el Viaje de Chihiro. Créanme, está serie de culto (yo así la considero), será referencia clave para comprender la sobrevivencia de la industria luego del estallido de la crisis económica y la especulación incentivada desde finales de los 90's. Y todavía dará de que hablar, con la recapitulación que arranca en cines el 28 de noviembre con The King of Eden y culmina en enero con Paradise Lost. Una verdadera joya generacional.

Premio Network: Melancholy of Haruhi-chan & Nyoron Churuya-chan. Colgada en línea en el Kadokawa Anime Channel de You Tube, KyoAni saca algo de dignidad luego del autentico fraude con el interminable Endless Eight (aunque suene pleonasmo). Aquí publique semana a semana los links a los episodios y todavía permanece una liga al sitio con anime ¡legalmente on line!

Premio Tema Musical: Don't say 'lazy, K-On. El fenómeno mercadológico que mantuvo a flote, en plena recesión, las registradoras en Akihabara. Sé que me precipité al intuir cierto parecido con BECK, pero al final resulta que el Moe vende más que el rock & roll en estado puro. La canción no esta nada mal sin ser tampoco la quintaesencia melódica comercial. Este premio fue decidido por votación directa de los aficionados, así que era de esperarse un resultado de ésta naturaleza.

Fuente: ANN

14th Anime Kobe Awards Kato Kunio Higashi no Eden Haruhi chan Wall E K on

Blogstar

2009-09-06T02:44:00.003-05:00

Sucede que el 31 de agosto no sólo fue aniversario de Hatsune Miku, sino que además fue el día del blogger. Yeah!, lo bueno fue que lo festejé escribiendo algunos párrafos. A manera de homenaje a todos aquellos mártires de la web 2.0 un video que acabo de encontrar antes de irme a la cama. Si no administran un blog y/o participan en alguna red social, difícilmente lo entenderán al 100%, pero sin duda es muy divertido. Algo de luz en medio de tanta penumbra:

Fue realizado por la blogósfera peruana, pero las frases aplican como decálogo de cualquier bloguero universal con aspiraciones mínimas de ser reconocido, aunque no remunerado. Por lo pronto, he superado otra crisis de seguridad con el SO XP, el ancho de banda vuelve a la normalidad y muy pronto habrá más artículos que justo ahora son apenas borradores. ^^.

Blogstar Blogger Blogosfera Web 2.0

Miku Fes 2009

2009-08-31T11:59:00.001-05:00

El segundo aniversario del nacimiento de Hatsune Miku, la idol virtual de J-pop que convoca multitudes en la Red, coincide con mi lectura de Idoru, de William Gibson, escritor de ciencia ficción al que se le atribuyen los términos de cyberpunk y ciberespacio. Empecé a navegar en las páginas de la novela una vez que me enteré que en el Animelo 2009 (22 y 23 de agosto), Miku interpretaría algunos de sus éxitos sintetizados. Ante la duda y expectativa de cómo se llevaría a cabo tal acontecimiento recurrí a la bibliografía a propósito de ídolos virtuales y fue así como llegué hasta Gibson.

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Si comparamos las descripciones de la novela con lo sucedido en Japón durante los últimos 15 días, resulta complicado diferenciar los estados temporales entre el presente y futuro, no obstante la relatividad de tiempo - espacio. En una época de vertiginoso cambio y hundimiento de esquemas económicos, hasta hace unas décadas encumbradas por especialistas en materia, acaso el territorio virtual se vuelve cada vez más atractivo y cómodo ante la adversa realidad que nos aqueja y nos distancia por completo de un horizonte de certero bienestar.

Por cambios me refiero a la industria musical, sórdida millonaria que se ha negado a ceder un poco del terreno obtenido gracias al monopolio de los medios de producción sonora. Hoy, los grandes estudios de grabación no intimidan a la alcoba equipada con apenas una laptop, software y utilería diversa. Pero quien merece todo el reconocimiento es el talento, nato o aprendido, sin el cual la soberbia y la modestia de editar audio pasan a segundo término. La calidad prevalece por sobre cualquier recurso técnico.

Por hundimiento no hace falta más que revisar la sección financiera y asistir al desencanto neoliberal capitalista, que a pesar de internarse en terapia intensiva, reclama un rescate inmediato que lo coloque, otra vez, en la cima de la arrogancia a pesar de un desastre ecológico provocado por la filosofía de constante crecimiento a expensas de los recursos naturales, limitados desde su naturaleza misma. Naomi Klein al respecto.

Para beneplácito de los fetichistas patológicos del techno con déficit social, eufemismo propuesto por Gibson para referirse a los Otaku, el Primer Sonido del Futuro recorre el espacio vasto e infinito de la super autopista de la información. Y éste sonido es apropiado y modificado por los fanáticos que expresan públicamente su admiración con montajes audiovisuales, disponibles on line y abiertos al diálogo con el fin de satisfacer la figura narcisista propia de la condición posmoderna.

Los ídolos artificiales llevan un largo recorrido en los discursos audiovisuales. A continuación un breve recuento personal de mis experiencias previas con la idolatría virtual:

Sharon Apple/Macross Plus (1994): Holograma producto de un sistema computacional, incompleto ya que obtiene sentimientos y emociones de la humana Myung Fang Lone, quien es conectada a la computadora Apple para complementar la proyección holográfica de Sharon. Existe la posibilidad de agregarle un chip que le permita obtener independencia, algo a lo que Fang Lone se opone severamente.

Kyoko Date/ (1996): Considerada la primera cyber idol o virtual idol. Lanzada al estrellato por la agencia Hori Production, Kyoko se posicionó como toda una revolución en el sudeste asiático. Saturó portadas de revista, programas de radio y televisión. Fue víctima de la burbuja especuladora de las empresas puntocom y desapareció en el año 2001. Tuvo un efímero relanzamiento en 2007, cuando se integró a la comunidad virtual de Second Life. Ahora me parece que ambas pasaron a mejor vida. Kyoko Date contaba con ficha personal detallada: peso, altura, tipo de sangre. Un punto de vista masculino de la mujer ideal japonesa.

Lily Chou Chou/ All about Lily Chou Chou (2001): Shunji Iwai propone una artista musical que logra captar la atención de los adolescentes por medio de la melancolía. En toda la película la cantante como tal nunca aparece, salvo por videoclips emitidos en una pantalla gigante, lo que aprecio ( juicio personal) como una metáfora de la naturaleza virtual (y etérea) de la propia Lily. Su esencia prevalece a través de los audífonos y los sitios de chat en Internet.

Gorillaz/ (2001): Agrupación virtual, primera en producir videoclips completos con dibujos animados. 2D, Murdoc Niccals, Noodle y Russel Hobbs saltaron a los Récord Guiness por ser la banda virtual más exitosa: 6 millones de discos vendidos en una buena excusa. Fragmento de uno de sus conciertos en vivo, increíble:

No es el listado más completo ni el único, así que está abierto a sugerencias y correcciones. Lo cierto es que el 31 de agosto se ha convertido en una fecha especial para la comunidad geek. El segundo aniversario de Hatsune Miko fue transmitido por el popular sitio Nico Nico Douga, el YouTube de Japón, más o menos a las 4 de la madrugada de este lunes, muy tarde para desvelarse y muy temprano para levantarse. Por el momento resta esperar que las primeras evidencias del gran suceso trasciendan las fronteras geográficas y el resto del mundo pueda ser testigo de un evento inolvidable.

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Canaan

2009-08-21T11:59:00.000-05:00

En la actualidad, pocos estrenos de anime pueden justificar su emisión al aire con la calidad como principal sustento. Canaan no sólo se apoya en un nivel de producción cercano al cine, sino que además posee un concepto sólido: 428: In a Blockaded Shibuya, novela visual aclamada por la critica de videojuegos con un puntaje perfecto otorgado por Famitsu Weekly, la revista especializada de mayor circulación de Japón. Casi nada.

Opening Theme: Mind as Judgment by Faylan

Cuando terminé de ver Shanghai Carmesí, el primer capítulo, supe que estaba frente a algo trascendente pero sin saber todavía el porqué. Tuve esa extraña sensación de haber asistido (y sin darme cuenta) a 24 minutos únicos y excepcionales, tanto, que merecían una relectura a detalle para hallar el origen primario - sensorial que solo he experimentado en contadas ocasiones. Después de analizarlo un par de veces más, identifiqué rastros que explican mi grata impresión hacia esta serie. He aquí los resultados:

Sinopsis:
La estructura de la historia hace recordar el barullo montado por los personajes de Baccano!, salvo que en esta ocasión no intervienen nigromantes ni alquimistas sino más bien periodistas, mercenarios y terroristas. Minoru Minorikawa y Maria Ozawa se dirigen a Shanghai para cubrir el Sukhavati (en alusión a la Tierra Pura del Buda Amitabha), un ritual chino de 4000 años de antigüedad, nada importante que les permita acceder al círculo del periodismo serio. La frustración de Minoru empeora al notar la inexperiencia de Maria, apasionada fotógrafa de profesión: "Creo que la fotografía es como tomar prestados los ojos de alguien más".

Logotipo y personajes principales.

La introducción de Canaan y Alphard es sincronizada. Protagonista y antagonista. Rojo y Azul. La primera es una víctima cuyo pasado fue arrebatado por la guerra; y la segunda, una derrotada que perdió su pasado en una lucha por poder. Ambas son guerreras marcadas por la destrucción y comparten un renacimiento similar, sin embargo, se distancian una de la otra por el bando que eligieron como redención de sus heridas. Su confrontación dicta la línea argumental de la serie.

El festival convoca multitudes y Shanghai se convierte en el epicentro de las acciones. Entre los arreglos finales para el festejo nocturno se aprecia una trama paralela, sangrienta y misteriosa, que logra pasar desapercibida para los asistentes comunes. La capital económica de China además, es sede de la Reunión Internacional Anti Terrorismo, así que el movimiento clandestino tiene un motivo más que festivo.

Comentario:
El color adopta un papel trascendental desde el primer capítulo y debemos tomar en cuenta que la fotografía, pasión de Maria Ozawa, también es conocido como el arte de pintar con la luz. Canaan es sinestésica, es decir, tiene la capacidad de mezclar impresiones de sentidos diferentes (visión, audición, gusto, tacto y olfato). Entonces, puede ver sonidos, oír colores o saborear objetos. Si prestamos atención a algunos diálogos, es posible detectar figuras retóricas tales como: "Puedo sentir vida" (tacto y sensación interna); "Quiero tocar su resplandor" (tacto y vista); "Dulce susurro" (gusto y oído). De esta forma, el simbolismo literario refuerza todavía más esta obra maestra de animación.

El color rojo predomina mas no satura. La armonía más perfecta de acuerdo a la teoría del color es el rojo, blanco y azul. Las banderas de Francia, Gran Bretaña y Estados Unidos lo confirman. La dualidad propuesta entre Canaan y Alphard también.

La calidad obliga revisar el staff de producción. Dirige Masahiro Ando, por su trayectoria un verdadero monstruo de la industria. Ha participado como animador en largometrajes como La Rosa Magnética de Memories, Jin Roh, Cowboy Bebop y Ghost in the Shell; y como director de episodios en Full Metal Alquemist, True Tears y Canaan. Alterna honores con Yoshiyuki Asai, Takefumi Anzai y Yoshiyuki Yahagi.

La herencia estética de Cowboy Bebop y Ghost in the Shell es más que evidente. Como la serie así lo exige, Masahiro Ando rescató la esencia mística del Hong Kong tradicional y lo adaptó al Shanghai moderno. Al involucrar ataques de bioterrorismo fue obvio acudir a la cinta del caza recompensas Spike Spiegel, sin perder de vista la acción envuelta en llamas. Shanghai Carmesí es un episodio al que no le falta nada, todo tiene su razón de ser.

Ending Theme: My heaven by Annabel

Por ahora se han emitido 7 episodios, una reseña fuera de tiempo, pero que valió la pena esperar. Para octubre de este año se espera el estreno de tres películas que recapitulen los 13 capítulos propuestos para televisión. Y lo acepto, calidad como la desarrollada en el Project Canaan se merece los 35 mm en pantalla. Dudo que todavía exista alguien que haya pasado por alto este estreno de verano, pero por si acaso, no duden en ocupar su tiempo en la red disfrutando de esta maravilla, que dicho sea de paso merece un desglose analítico más extenso y detallado. Esto apenas fue un esbozo.

Canaan Masahiro Ando Shanghai Sinestesia

Comiket 76

2009-08-16T00:13:00.005-05:00

La única forma de dar cuenta de la convención de cómic (amateur) más grande del mundo es a través de los asistentes, quienes no dudan un instante en asarse bajo el sol de verano con tal de adquirir las obras publicadas por los círculos editoriales, algunos artistas emergentes y uno que otro consolidado.

Entre las reseñas habituales siempre resalta la larga espera para conseguir entrar. Desde muy temprano las líneas ferroviarias con dirección a Odaiba se atascan; si agregamos que Tokio figura entre una de las ciudades más pobladas del mundo, la suma de pasajeros se multiplica. Encima, no basta con llegar temprano, aún para los primeros de la fila es de ley que debes esperar cuando menos 3 horas para acceder a la tierra prometida. Una imagen habla por sí misma:

Foto de Anime Pulse

Pero tal vez una fotografía no sea suficiente. ¿Qué tal una temperatura superior a los 30° centígrados y un avance promedio de un metro lineal por cada diez minutos? ¿No se lo imaginan? Tal vez tanta televisión e Internet sean la causa, pero al mismo tiempo la solución, ya que un enlace televisivo, con vista aérea y tomas al interior de Big Sight ilustra la magnitud del evento:

¡Ni en los estadios de futbol he visto tal cantidad de gente!

Esta evidencia me siembra muchas dudas sobre considerar una visita a la Comiket como una opción turística, siempre y cuando se considere al turismo como un escape del estrés cotidiano. He repetido este video como diez veces y no deja de sorprenderme. ¡No hay palabras para abarcar el poder de convocatoria! Me encuentro en la paradoja de sentimientos encontrados: berreo por no poder asistir a una Comiket y me alegro de no sufrir el infierno en carne propia. Con esto, resuelvo en minimizar mis desventuras abordo del transporte público y apoyar la sabia máxima: cuando crees que las cosas van mal, recuerda que siempre pueden empeorar.

C76 Comiket 76 Comic Market Otaku

Atomix o el fin de los tiempos impresos

2009-08-09T00:16:00.005-05:00

A principios de 2009, las notas sobre cierres de periódicos históricos en Estados Unidos se sucedían continuamente, y a poco más de la primera mitad del año lo siguen haciendo. Para un modelo comercial que basa su sobrevivencia en la venta de espacios publicitarios, la gran crisis económica, que se alarga desde 2008, ha significado un golpe definitivo que obliga a los involucrados en la industria de la información a integrarse de inmediato a la convergencia digital o desaparecer completamente.

Para las nuevas generaciones, actuales y futuros consumidores de información, la experiencia temporal de la noticia se ha transformado de tal suerte que la frase para ayer es tarde cobra especial relevancia en la era digital. Antes, para ponernos al tanto del acontecer mundial había que esperar el noticiero nocturno de radio y televisión, la mañana del siguiente día para enterarnos a detalle del conflicto bélico en en turno o de la catástrofe natural en Asia. Las redacciones aguardaban hasta la madrugada para obtener la información más reciente e incluirla en la tirada de ése día. Hoy es completamente distinto.

Las declaraciones de tal o cual personaje se publican on line justo el instante después de haber sido pronunciadas, si la importancia es trascendente se emiten en vivo por radio y tv, y no sólo por las cadenas comerciales, sino por medios independientes que explotan al máximo el potencial del streaming en la red. ¿A qué viene todo esto? A que hace un par de días la revista de videojuegos Atomix, de referencia obligada en México, ya no aparecerá impresa nunca más y el mismo staff lo confirma de la siguiente forma: "Los tiempos cambian, (..) y también la industria de los videojuegos. Hoy nuestros consumidores (los mismos poseedores de consolas de videojuegos) han cambiado también. Están conectados todo el tiempo a internet, revisan información en sus celulares, están en movimiento y quieren la información rápidamente".

Es sano que Atomix no se ande con rodeos y no trate de explicar el cierre de impresión solamente con y debido a circunstancias económicas (de por sí implícitas). Afrontan la realidad y vislumbran el futuro con una renovación a todas luces necesaria: "La decisión que hemos tomado significa en pocas palabras que nos enfocaremos al 100% en los 700,000 usuarios únicos por mes que tenemos en nuestra comunidad en línea Es imposible ignorar una comunidad tan grande como esta, y es momento de darle toda la atención que requiere".

¡Que distinto de tantos medios tradicionales!, que en su necedad de mantenerse a flote advierten a los cuatro vientos: nos van a extrañar cuando ya no estemos. Por lo pronto, esta fase del periodismo de videojuegos en México no está acompañada de lágrimas, temor y nostalgia, sino de nuevos bríos propios de los nativos digitales que dominaremos el mundo de la información en adelante.

Si bien es cierto que mi etapa gamer se quedó varada en los 8, 32 y 64 bits, ahora asumo mi condición de video jugador ocasional con esta noticia, que seguro ya dicta las discusiones de los actuales fanáticos de las consolas de nueva generación.

Atomix Videojuegos Crisis Periódicos Periodismo

Una Joya en el Palacio

2009-08-05T01:30:00.001-05:00

El lunes 13 de julio, el Canal 34 del Sistema de Radio y Televisión Mexiquense estrenó el dorama surcoreano Una Joya en el Palacio (Dae Jang Geum), producción de la cadena MBC de 54 episodios que se transmitiera en su país de origen entre el 2003 y 2004. Con rotundo éxito, la serie trascendió fronteras, primero en el continente asiático y más tarde en Oceanía y Estados Unidos. Este acontecimiento se suma a la denominada Ola Coreana, concepto que gracias al fenómeno de la globalización ha alcanzado latitudes insospechadas, como es el caso de México.

Dirección, actuación, fotografía, vestuario, musicalización, ingredientes de una receta muy bien sazonada.

La historia es protagonizada por Jang Geum, joven aprendiz de la corte que desde niña busca convertirse en la encargada principal de la cocina real. El contexto histórico se remonta 500 años en el pasado, durante la hegemonía de la Dinastía Chosun, en la que imperaba una estricta jerarquía social dominada por los hombres, y donde obviamente las mujeres apenas tenían cabida. El argumento se basa en la vida real de una mujer que a pesar de las adversidades llegó a ocupar el puesto de médico particular del rey, posición hasta ese entonces exclusiva para los hombres.

La baja calidad de los melodramas mexicanos actuales, alguna vez considerados los mejores de todo el mundo, ha obligado a las audiencias a buscar refugio en otras opciones más reales y menos trilladas. En México, tanto el género (telenovela), como el medio (televisión), han sido objeto, con justa razón dadas las circunstancias de pobreza y analfabetismo, de fuertes criticas y reclamos por parte del sector intelectual: que si embrutecen al pueblo, que si refrendan la ideología elitista y conservadora. El factor que propicia tales sentencias radica en la acumulación de poder en unos cuantos, que a su vez ha desembocado en un monopolio controlado por dos empresas que acaparan cerca del 95% de las concesiones comerciales de televisión.

Entonces, los vicios del poder e intereses particulares son completamente ajenos al género y al medio antes citados, por lo tanto son formas y vías válidas para contar y transmitir historias (que éstas últimas sean chafas, predecibles, tontas y banales es otra cosa). Por tradición histórica, también en México es común asociar la telenovela con las clases sociales bajas, de educación limitada sino es que nula, vínculo acentuado con la exquisita frase de Emilio Azcárraga Milmo, fundador de Televisa: "Yo hago televisión para jodidos, porque México es un país de jodidos".

En todo caso, me queda claro que Una Joya en el Palacio supera por mucho el estándar de calidad e inteligencia propuesto por Televisa. Basta con apreciar una sola secuencia de este drama, la que sea, para identificar tal cantidad de información e hipertextos histórico/culturales que es necesario un nivel de atención notable para no perder pista de nada. Es una cátedra de cómo hacer televisión de calidad, rompe lugares comunes como: la cultura no vende, no es atractiva o no interesa al televidente. La perpetuidad inalterable de estas falacias solo es posible gracias a la monotonía de los contenidos, acaparados en su producción y distribución por el duopolio que todos conocemos ¿Cómo va a interesar la cultura sino se hace el intento por transmitirla?

De nueva cuenta estamos hablando de televisión pública, Canal 34 depende de presupuesto estatal por lo que su capacidad financiera no se compara con las emisoras comerciales. No obstante, el apoyo otorgado por parte de la Embajada de la República de Corea hace posible que Una Joya en el Palacio sea transmitida de manera gratuita en el Estado de México y parte del Distrito Federal. El tiempo arrojará cifras concretas, pero intuyo que los niveles de audiencia serán satisfactorios, porque la calidad, tarde o temprano, se impondrá a la necedad industrial de hacer dinero a través de la telebasura que empobrece el espectro televisivo nacional.

Una Joya en el Palacio Dae Jang Geum Canal 34 Ola Coreana

Haruko Momoi México Performance

2009-08-02T01:54:00.001-05:00

Llegué derrapando, sobre la hora acordada. Mi travesía incluyó atravesar por cuatro estados de la República y dividir de norte a sur la Ciudad de México, pero al final conseguí asistir al concierto de la Reina de Akihabara en la Expo Comic Poder Joven de verano. Ahora, justo en los primeros minutos del domingo la épica cobertura rinde frutos.

Confieso que no conozco la obra íntegra de Haruko Momoi, acaso algunos opening, pero entre el público asistente logre observar a verdaderos fans que deletreaban, sin titubeo, la letra y coro de las canciones interpretadas sobre el escenario. La zona preferente fue apartada para el wotagei (?): suerte de coreografías montadas por acérrimos seguidores de las idol japonesas. Lo consideré justo, ya que son más conocedores que el resto de los espectadores; lo que no me agradó fue que los que consiguieron estar en primera fila, no contentos con el privilegio, se montaron sobre las barras de seguridad y tapaban buena parte del espectáculo. ¡En fin!

Comparto el video que subí a mi cuenta de YouTube. Perdón por el audio, pero les aseguro que no fue mi culpa, ni de la cámara, ni del enconding, sino de los subwofers del sonido en vivo, que sobrepasaron la capacidad del micrófono integrado, supongo que la acústica se vio alterada debido a que el escenario se encontraba al aire libre.

Hoy finalizan las actividades de la Expo Comic, nada confirmado sobre otra posible aparición de Momoi en el programa, pero me inclino por otra ronda melódica estilo idol. ¡Por allá nos vemos!

Haruko Momoi Halko Momoi Expo Comic Poder Joven Cenart