lunes, 31 de diciembre de 2012

Mis 15 películas favoritas de 2012

Ha sido un año extraordinario para el cine en todas sus facetas, tanto para el de entretenimiento, para el independiente (al margen de los estudios y los grandes presupuestos) así como el artístico o de autor que de nueva cuenta encabezan las listas de la crítica especializada alrededor del mundo. No en vano el cine ocupó el sitio predilecto de mi atención por encima de la televisión y el anime, incluso me atrevo a pensar que este año será recordado como uno de los más lúcidos de la presente década.

Aclaro que lista publicada a continuación contiene la visión particular sobre mi experiencia cinematográfica durante el año que nos abandona, ello implica cierto grado de subjetividad que sin duda abonará crítica y sospecha en más de un lector que considere mejores obras para este conteo. La opción de comentarios está abierta para que de igual forma compartan su lista personal.

El criterio de selección incluye películas estrenadas entre enero y diciembre de 2012 en la cartelera comercial de México, así como muestras, foros y festivales que nos ofrecen la oportunidad de conocer cintas que difícilmente obtienen distribución en los circuitos comerciales, o bien se estrenan con retraso excesivo y con una cantidad de copias irrisorias. Decidí elegir 15 títulos porque varios de ellos son del año anterior (2011) pero que llegaron un poco tarde a México, sin embargo son los menos, y el listado incluye en su mayoría películas propias de 2012.

Para cualquier cinéfilo siempre es complicado recortar títulos, sobre todo en un año con gratos estrenos, por lo que decidí dedicar unas líneas a tres películas que se quedaron fuera del corte final pero que merecen, por así decirlo, una mención honorífica:

(Le Havre/Puerto Esperanza; Aki Kaurismäki; Finlandia, Francia, Alemania; 2011)
En medio de la peor turbulencia financiera del nuevo siglo, el director Kaurismäki, tantas veces oscuro, pesimista y catastrófico, ofrece un halo de confort hacia los emigrantes de todo el mundo con una historia de fraternidad humana, que a su vez, alimenta la fe en el género humano a través de la consumación de verdaderos milagros producto de la solidaridad entre las personas. Un grito de denuncia y hartazgo contra el concepto de "terrorismo", el adjetivo contemporáneo que no significa nada pero que lo justifica todo.

(Monsieur Lazhar/ El Señor Lazhar; Philippe Falardeau; Canadá, 2011)
Bachir Lazhar, junto con su familia, huyen de Argelia por acoso gubernamental y buscan afianzar su asilo político en Canadá. Por desgracia, sólo él logra sobrevivir a las terribles agresiones y busca iniciar una nueva vida como profesor interino en una primaria pública de su nueva comunidad. Los lazos afectivos entre el Sr. Lazhar y sus alumnos motivan la discusión sobre la verdadera efectividad de un sistema educativo que a todas luces se presume ejemplar, pero que oculta en sus cimientos errores que amenazan con colapsarlo. Una lección de madurez conmovedora que muestra las ventajas de integrar sociedades multiculturales.

(Paranorman; Chris Butler, Sam Fell; Estados Unidos, 2012)
La mejor película de animación estrenada en cines este año y por ende mi favorita al Oscar. Con una técnica pulida de stop motion, por no decir que magistral, así como una historia original que homenajea al género de terror, concede el protagónico al típico outsider, marginado por sus alienados colegas de clase. El giro argumental que exime a los zombis como la principal amenaza en la tensión pre-apocalíptica en la que vivimos y señala el verdadero peligro en reflejos irracionales que exhiben nuestra capacidad de lastimarnos unos a otros, apunta a Laika Entertainment otro memorable campanazo similar al conseguido en 2009 con la adaptación de "Coraline".

Dicho lo anterior, entramos de lleno en la materia que nos ocupa, en orden descendiente,¡ay!, para imprimir suspenso:

15. La Cabaña del Terror (The Cabin in the Woods); Drew Goddard; Estados Unidos, 2012.


La Matrix del género de terror. La mayor conspiración jamás revelada explica y se mofa de todas y cada una de las historias macabras que nos han exprimido el aliento desde el nacimiento del cine. El rito de sacrificio y redención en aras de mantener el dominio humano sobre la faz de la tierra se remonta a épocas primigenias, sólo que ahora le añadimos a la narrativa un toque de misterio, baño de sangre y erotismo para complacer a las audiencias. Qué sencillo es calificar de churro a este clásico instantáneo, después del cual toda nueva película de terror resultará gratuita ante la piedra roseta que Goddard y Whedon barrenaron a partir de un guión por demás fantástico. La mejor sugerencia sobre el fin del mundo en mucho tiempo: ¡in weed we trust!

14. El Precio de la Codicia (Margin Call); J.C. Chandor; Estados Unidos; 2011.


Crónica de las horas previas al colapso financiero de 2008 disfrazado, con insistencia, de crisis económica. Los culpables del torbellino que a su paso sembró desilusión, desahucio y desesperanza en la vida de miles de familias tienen nombre y apellido, sólo que a un lustro de que su comportamiento (digno de crimen organizado) pusiera en jaque al libre mercado, gozan de completa impunidad. La atmósfera gélida, metálica con el que se describe la superviviencia del más fuerte en el universo de los negocios, aterra: "Be first. Be smarter. Or cheat." Sin duda, la mejor ficción sobre el desfalco que hasta la fecha continúa avispando ira e indignación ante un sistema injusto que busca prolongar su hegemonía a costa de cualquier precio.

13. Prometeo (Prometheus); Ridley Scott; Estados Unidos, Reino Unido; 2012.


Adán y Eva posmodernos en busca del paraíso perdido. Si bien es cierto que el regreso de Ridley Scott a la ciencia ficción, género que revolucionara dos veces: con Alien (1979) y Blade Runner (1982), fue accidentado y con un guión poco afortunado, lo cierto es que el planteamiento promete que para 2014, año en el que se planea lanzar su secuela, podamos verlo de vuelta en los primeros planos. Si la molestia principal con Prometeo fue que ofreció muy pocas respuestas a las preguntas más inquietantes del universo Alien, basta recordar que el motor del conocimiento humano es plantearse preguntas, dudas metódicas que finalmente nos garanticen el acceso al conocimiento verdadero. La satisfacción de que Prometeo sembró nuevas pero sobre todo mejores interrogantes, bien le merecen el cabalístico treceavo puesto de 2012.

12. El Caballero de la Noche Asciende (The Dark Knight Rises); Christopher Nolan, Estados Unidos, 2012


Por bluckbusters no paramos. ¿Recuerdan que en pleno verano media comunidad se rendía ante el epílogo de la mejor trilogía de Batman, cortesía de Christopher Nolan? Ahora resulta que el ascenso del caballero oscuro apenas figura en contadas listas especializadas con lo mejor del año. Así pasa cuando sucede, el caso es que 2012 también será recordado por la épica conclusión de una travesía que al final resultó más light en comparación con la trama intermedia, que le mereció un Oscar póstumo a Heath Ledger por su magnífica interpretación del Joker. La última entrega captura el espíritu de los tiempos (zeitgeist) a partir del crack financiero que ha acentuado la brecha entre ricos y pobres, el desempleo y caos urbano; sin olvidar un guiño de simpatía por movimientos como el Occupy Wall Street o el bochornoso caso de Wikileaks que sacó a la luz pública el asqueroso fango de corrupción y mentira en el que nadan los supuestos gobiernos democráticos del occidente civilizado.

11. Pina; Wim Wenders; Alemania, Francia, Reino Unido; 2011.


Cuando la tecnología 3D es aplicada por verdaderos cineastas da motivos suficientes para creer que en la era del cine digital no todo está perdido, inclusive para el género documental que durante el nuevo siglo ha dado ejemplos de pasión e innovación tremendos en su forma narrativa, lo que a su vez ha propiciado la generación de nuevas audiencias adormecidas por la ficción. Wim Wenders monta un homenaje póstumo a la vida y obra de la artista contemporánea Pina Bausch, lo realiza tan alejado de los convencionalismos arcanos que consigue revivir el espíritu de Bausch y hospedarlo en el corazón mismo de los espectadores a través de la pantalla. La mezcla de sentimientos expresados con el cuerpo humano y los elementos orgánicos que apuntalan en talento artístico de los ejecutantes convierten el documental de Wim Wenders en una experiencia visual y emocional inolvidable.

10. Deseos Culpables (Shame), Steve McQueen; Reino Unido, 2011.


Brandon (Michael Fassbender) y su hermana pequeña Sissy (Carey Mulligan) se hallan extraviados en la colosal urbe neoyorquina. Él, en apariencia un hombre exitoso propietario de un departamento en la zona exclusiva de la ciudad padece una severa adicción al sexo. A toda hora y en cualquier lugar, el deseo lo envuelve en una espiral decadente que en vez de ofrecerle placer, con el tiempo lo hunde la vergüenza de saberse víctima indefensa de sus impulsos más bajos. Por su parte, Sissy trata de sobrellevar una vida melancólica saturada de desilusiones sobre todo afectivas. Reconoce en Brandon su único sostén emocional a pesar del evidente distanciamiento sugerido a partir de una infancia adversa de la cual sólo se vislumbran tímidos bosquejos. Una radiografía de las sociedades posmodernas, hundidas en la urgencia de satisfacer el hedonismo inmediato y maquillar el vacío existencial que las consume a cada rato.

09. Skyfall; Sam Mendes; Reino Unido, Estados Unidos; 2012.


La mejor forma de celebrar medio siglo de la franquicia más longeva del cine fue enfrentar al agente 007 a con sus propios demonios. Sam Mendez dirigió una cinta que incluye todo lo que uno podría esperar de una cinta de James Bond, enfocada sobre todo en actualizar a al agente especial a nuestra época. Homenaje a la vieja escuela, nostálgico, sin los exóticos atavíos tecnológicos que identificaron durante cincuenta años al agente estrella del MI6, podríamos catalogar Skyfall como un ensayo freudiano sobre la psique del personaje, su descenso a los infiernos y consecuente resurgimiento que le han valido comparaciones con el Batman de Christopher Nolan. Excelsa fotografía de Roger Deakins que le valdrá más de un reconocimiento por su trabajo con los encuadres y la luz en ésta, una de las mejores películas de James Bond de su historia.

08. Un Reino Bajo la Luna (Moonrise Kingdom); Wes Anderson; Estados Unidos, 2012.


Oda al primer amor. La fuga de un par de pre adolescentes enamorados coincide con la amenaza de tifón que sacudirá la aparente tranquilidad de los habitantes en la costa de Nueva Inglaterra durante cierto verano de la década de 1960. Suzy (Kara Hayward), harta y fastidiada, busca desvincularse de cualquier lazo familiar y experimentar el dulce gozo de la libertad; por su parte, Sam (Jared Gilman), un patético miembro de los boys scouts, se sabe abandonado ¿traicionado? por su estirpe sanguínea y asume como filosofía de vida la dicha que significa no tener nada que perder y todo que ganar. La inocencia y franqueza del amor que se confiesan esta singular pareja nutren, cual tormenta veraniega, la fertilidad de una zona amenazada por la erosión de la indiferencia. La bofetada con guante blanco que el cine independiente propinó este año a las industrias creativas de los grandes estudios y presupuestos, pero que padecen de historias y argumentos menores.

07. Una Aventura Extraordinaria (Life of Pi); Ang Lee, Estados Unidos, China; 2012.


A pesar de un prólogo y epilogo saturado de religión posmoderna digna de plaza comercial o supermercado, el punto intermedio durante el cual ocurre, en efecto, la tan anunciada aventura extraordinaria, le da la bienvenida a Ang Lee a la rigurosa lista de directores junto a Martin Scorsese, Wim Wenders y Werner Herzog, que han amalgamado con maestría la tecnología de la tercera dimensión al lenguaje cinematográfico. Pocas cintas como Life of Pi en verdad nos hacen soñar con los ojos abiertos y presenciar el verdadero motivo por el cual vale la pena depositar un voto de confianza en la llegada de la era digital al cine. No puede terminar el 2012 sin haber experimentado la Capilla Sixtina que Ang Lee y el cinefotógrafo Claudio Miranda dibujaron sobre la pantalla grande. ¡Gráficos computarizados alucinantes!

06. Beasts of the Southern Wild; Benh Zeitlin; Estados Unidos; 2012.


Sus detractores, los pocos, señalan que esta película ya ha sido realizada por Hayao Miyazaki en por lo menos diez ocasiones. El caso es que gracias a la gira de lo mejor del Festival de Cine de Morelia en la Ciudad de México tuve la oportunidad de disfrutar esta maravilla del cine independiente y puedo afirmar que, a pesar de indiscutibles influencias del maestro de la animación japonesa, la ópera prima de Benh Zeitlin brilla por méritos propios como una de las mejores cintas de 2012. Husspuppy, una niña de seis años que vive junto a su padre alcohólico y enfermo del corazón, en el delta del Bayou al sur del estado de Luisiana, reinventa a través del realismo mágico la adversa situación de marginación y pobreza que padecen junto a sus vecinos, habitantes de una zona denominada "la bañera". El fotógrafo Ben Richardson acertó en seleccionar el formato de 16mm para reafirmar la vitalidad orgánica que se respira a lo largo de la película, sensación que muchos otros sustituyen con efectos especiales y CGI's. Una historia simplemente conmovedora.

05. Holy Motors; Leos Carax; Francia, Alemania; 2012.


Cada año una película está destinada a reventarnos la pupila, cocinarnos el cerebro y purgarnos de convencionalismos analgésicos. No es que Cloud Atlas haya fracasado del todo en cumplir dicho objetivo y ocupar este puesto, sino que Leos Carax lo hizo mucho mejor. El señor Oscar recorre todos los días a bordo de una limusina blanca las transitadas avenidas de París, interpretando personajes listados en una apretada agenda programada por la agencia Holy Motors: desde mendigo, asesino a sueldo, padre de familia o "actor" de motion capture, transitamos junto a el por una odisea cinematográfica que recurre al metarrelato para homenajear al cine, actores y espectadores. Un manifiesto estético que sepulta cualquier pretensión pública o privada que se ufane de haberlo visto todo. "Who were we, who were we, when we were who we were..."

04. La Caza, (Jagten); Thomas Vinterberg, Dinamarca; 2012.


Peliculón. Poco a poco las obras que conformaron la 54 Muestra Internacional de la Cineteca Nacional obtienen distribución en salas comerciales. No en balde 4 de ellas forman parte de este conteo con lo mejor del cine durante 2012. Mordaz y provocadora, La Caza de Thomas Vinternberg narra los infortunios de Lucas, adulto de mediana edad, divorciado pero con grandes esperanzas de obtener más tiempo al lado de su hijo adolescente, Marcus. Sin embargo, un ¿inocente? y desafortunado comentario por parte de Klara, una pequeña niña que acude al jardín de niños en donde labora Lucas, lo incrimina de comportamiento inapropiado. A partir de entonces, la mecha de un rumor esparcido por toda la comunidad rural despierta conductas de ira y odio desmedido contra la persona de Lucas, quien vive en carne propia el infierno que supone la injuria de un hecho no confirmado.

03. Melancholia; Lars von Trier; Dinamarca, Suecia, Francia, Alemania; 2011.


La atmósfera apocalíptica recorre medio mundo desde hace tiempo, el aire está viciado de amargura, desesperanza y melancolía. La sabiduría popular sugiere cortar por lo sano y el pesimismo de Lars von Trier lo atiende sin aspavientos, con una introducción que evapora toda posibilidad de sobrevivencia: la naturaleza de los cuerpos celestes y las leyes físicas que los rigen no entienden de anhelos humanos, así que desde el principio, con una colisión entre la Tierra y el planeta Melancholía, von Trier declara: abandonen toda esperanza ya que todo se ha perdido. El drama se centra en dos hermanas de humores diametralmente opuestos: Justine (Kirsten Dunst) y Claire (Charlotte Gainsbourg), retratos de resignación y negación ante el inminente fin del mundo que esta vez no promete un final feliz. ~Hermoso~

02. La Invención de Hugo Cabret (Hugo); Martin Scorsese; Estados Unidos, 2011.


El año cinéfilo comenzó con el estreno de la magnífica obra de Martin Scorsese, declaración de amor al cine y a su indiscutible vinculo con la literatura. La crisis creativa que prevalecía tiempo atrás en Hollywood, avivó la discusión en torno al incierto futuro del cine, no obstante esta reintrospección crítica produjo geniales películas que confirmaron al cine como un arte joven y en constante evolución técnica y narrativa, por lo que declarar su muerte prematura era un disparate por donde se lo viera; el caso es que había que demostrarlo en la pantalla... y Scorsese lo hizo al retratar el alma del séptimo arte, la llama que mantiene encendida la linterna mágica, a través de un acto de magia llamado Georges Méliès.

01. Amour; Michael Haneke; Francia, Austria, Alemania; 2012.


Tokio Monogatari a la francesa. Michael Haneke, quizá el director en activo más trascendente de nuestros días se vuelca sobre el drama y romance para mostrarnos una historia de franco amor, el sentimiento último que anima desde las cenizas del corazón más desilusionado, un voto de compasión por el género humano. Georges y Anne, un matrimonio octogenario dedicados a la enseñanza de la música, pasan en relativa calma sus días de retiro en un amplio departamento parisino, sin embargo, la salud de Anne empeora después de una cirugía cardíaca insatisfactoria. La lenta agonía de Anne pone a prueba el lazo sentimental que le unió toda su vida a Georges, a la vez que sugiere temas polémicos en torno a la dignidad del buen morir, el derecho a decidir sobre nuestras propias vidas a pesar de la edad avanzada, pero sobre todo la celebración del amor verdadero en una época donde la juventud declara abiertamente su inexistencia. Encuadres magistrales, sobrios y equilibrados que evocan el talento y aportación invaluable de Yasujiro Ozu al cine.

lunes, 10 de diciembre de 2012

Anifest 3: Días de fiesta

Concluyó la tercera edición del Anifest, festival especializado en animación japonesa que, en tan sólo tres años, se ha posicionado como un evento indispensable en la agenda anual de la comunidad otaku y fieles devotos de la animación en general. El valor agregado de disfrutar películas sobresalientes del anime clásico y contemporáneo como se debe: en pantalla de cine, representa sin duda la base sobre la cual el Anifest no encuentre otro destino que el de crecer hasta conseguir que más personas disfruten de una experiencia inolvidable, factor ineludible de cualquier foro, muestra o festival de cine.

La cartelera de este año contó con dos joyas del género que todavía no alcanzo a digerir por la magnitud de su importancia. La primera: Akira (Otomo, Bandai Visual, 1988), pieza fundamental de la industria anime que hacia finales de la década de 1980 trascendió fronteras y sacudió con todo a occidente, sobre todo por confirmar de una vez por todas que el formato de animación puede abordar contenidos serios sin tropezar con el menosprecio de los géneros cinematográficos de la ficción y documental. La obra maestra de Katsuhiro Otomo retrata un panorama decadente de las sociedades post-industriales a través de una mirada distópica que, a su vez, otorga en medio de tanto vicio, corrupción y vacío existencial la oportunidad de comenzar de nuevo, no sin antes destruir lo ya existente. La armonía de los contrarios adherido al principio y fin de los tiempos, ni más ni menos.


Durante la década de los 90's Akira circuló de forma clandestina en mercados ambulantes y foros culturales alternativos, malas copias de Beta y VHS que, sin embargo, cosecharon las primeras camadas de aficionados que reconocían en el anime algo más que simple entretenimiento: hallaron pasión, innovación y culto. Los mártires de aquellos años reconocen más que nadie la histórica posibilidad que Anifest ofrece de ver Akira en cine.

La segunda joya programada en esta edición fue Redline (Koike, Madhouse, 2009) un agasajo visual que cae como balde de agua helada sobre todo aquel apocalíptico que pregona a los cuatro vientos la crisis y decadencia creativa del anime. Con una gira más que afortunada en festivales europeos y norteamericanos como el de Locarno, en Suiza, el Festival de Ciencia Ficción de Londres o el Fantasia Film Festival de Canadá, uno debe sentirse afortunado de presenciar la vanguardia de producción anime en México, más allá de los formatos caseros o la distribución en línea.


Agobiados por la alquimia tecnológica que apenas aporta nada al lenguaje cinematográfico, desde la tercera dimensión hasta los CGI de última generación, Takeshi Koike rocía nitroglicerina sobre la pantalla y explota las dos dimensiones del acetato clásico hasta niveles insospechados. Un mashup alucinante de carreras intergalácticas aderezado con narrativas clásicas y lenguajes emergentes, producto de las nuevas plataformas híbridas e interactivas: internet y videojuegos. Si alguna vez se cruzan con la incómoda obligación de dar sentido y significado al concepto histórico de posmodernidad, Redline es un ejemplo preciso de ello.

Anifest 2012 se consagra como el festival de anime más trascendente de Latinoamerica, a reserva de esperar las cifras oficiales, la meta de esta edición fue convocar a más de 16 mil espectadores en cinco grandes ciudades de la República Mexicana. Por lo pronto una edición más ha terminado pero con la firme convicción de que el año próximo otra selección de grande películas encenderán el entusiasmo de aficionados que de nueva cuenta rendirán culto al anime, un producto audiovisual de referencia obligada en plena era del consumo global.

sábado, 20 de octubre de 2012

Reseña: Actividad Paranormal 4

La franquicia de terror que hace tiempo cosechara miles de seguidores alrededor del mundo a partir de una cinta de bajo presupuesto, sin mayores pretensiones que las de conseguir mínima exhibición a través de las cadenas de distribución, hoy celebra con plácemes su cuarta entrega hilvanando una trama extendida ad infinitum que, no obstante, mantiene en vilo a un público tolerante con sucesos paranormales sobreexplotados, tan sólo actualizados por los avances tecnológicos disponibles para grabar video en formato casero, lo que nos orilla a considerar la longevidad de esta serie como el mayor evento paranormal de todos.


¿De qué trata?

Cinco años después de que Katie desapareció junto con Hunter en la penumbra de la noche y dejando tras de sí una serie de homicidios inexplicables, la pareja de fugitivos aparece en un suburbio de clase alta en Henderson, Nevada. Su presencia cobra especial atención en Alex (Kathryn Newton), hija mayor de la familia vecina quien advierte un comportamiento por demás extraño en Robbie (Brady Allen): lo mismo deambula sólo por la acera o aparece a la mitad de la noche en el jardín de su casa.

Un día Katie (Katie Featherston) sufre un accidente y debe ser llevada al hospital de manera urgente. Por iniciativa de Holly (Alexondra Lee), mamá de Alex, Robbie vivirá con ellos en tanto su “madre” convalece en el servicio médico. A partir de entonces Alex junto con su novio Ben (Matt Shively) comienzan a grabar mediante sus laptops, smartphones y consolas de videojuego de última generación, los extraños eventos que suceden en casa desde que Robbie habita en ella, pero sobre todo la influencia que ha generado en su hermano pequeño Wyatt (Aiden Lovekamp), hasta hace unos días un niño de ocho años de edad completamente normal. Las evidencias obtenidas, sutiles en principio, pronto se convertirán en una verdadera pesadilla que involucrará a todos los miembros de la familia.


Lo bueno

Parece que la fortaleza principal de la franquicia de Actividad Paranormal radica en un estilo propio patentado desde su origen: el suspenso y la tensión previos al espanto en sí. El esfuerzo de los guionistas por mantener a flote algo que debió hundirse hace tiempo es digno de reconocerse, sobre todo los minutos finales que se compadecen por la audiencia ávida de soluciones a las pistas e interrogantes sembradas a lo largo de una trama simple, llana, sin mayor profundidad.

La cuarta parte también ofrece la oportunidad de acercarse por primera vez al “fenomeno” de terror que conmociona masas y cautiva legiones de fanáticos por todos lados. Resulta básico mas no necesario haber visto los antecedentes para intentar disfrutar de la cinta, con la ventaja de que más tarde contarás con la opción de modificar el orden cronológico de los eventos paranormales e inyectarle un poco más de interés a una historia casi finiquitada.


Lo malo

No es gratuito que en YouTube sea posible hallar un resumen completo y con detalles de toda la historia previa en videos de apenas 4 minutos de duración. Tampoco resulta extraño que la única aportación de la cuarta entrega sea que a partir de ahora tales compendios acumulen hasta 7 minutos. La retacería audiovisual con la cual se ilustran los acontecimientos paranormales no dilata en ofuscar al espectador acostumbrado a una coherencia narrativa mínima en el cine, tanto que sólo un acto de profunda condescendencia hacia Actividad Paranormal 4 nos llevaría a considerarla como una película en forma y fondo.

Con el objetivo de transmitir el sentido de verdad/realidad a todas las evidencias capturadas a través de las herramientas de grabación casera, algunas secuencias se antojan por demás ridículas e inverosímiles, como el hecho de mantener con mano firme una computadora portátil durante la plenitud de una situación límite, sin mencionar el burdo escepticismo por parte de los padres de familia ante las advertencias de su hija Alex. ¿Incluso peor? No pierdan detalle al uso del Kinect más allá del evidente product placement, porque el milagro de la tecnología ahora permite que los espíritus y fantasmas rayen la pista al ritmo de la música disco.

Comentario

La maratónica travesía de esta franquicia por la pantalla grande dista mucho de concluir en un futuro cercano. En tanto el azotadero de puertas continúe con su notable recaudación en taquilla, la oportunidad para que Actividad Paranormal se despida con el decoro que merece aquella primera parte, se antoja cada vez más improbable. Por si me lo preguntan, una verdadera pena.

lunes, 1 de octubre de 2012

Reseña: Vecinos cercanos del 3er tipo

Justo cuando el aroma a pólvora abandona las salas de exhibición junto con el ocaso del verano, llega a la cartelera “Vecinos Cercanos del 3er Tipo”, comedia superficial que se vale de recursos fáciles con apenas unos cuantos momentos de verdadero humor, suficientes para complacer a un público tolerante, poco exigente y acostumbrado a los productos que en efecto satisfacen el hambre de entretenimiento pero que raras ocasiones nutre.


¿De qué trata?
La calma y desenfado de un clásico suburbio americano de pronto se ven amenazados por el misterioso asesinato de un guardia de seguridad en la zona comercial de Glenview, Ohio. Evan (Ben Stiller), gerente del supermercado decide organizar una guardia vecinal para dar con el asesino que le arrebató a su único mejor amigo, sin embargo, el patético reclutamiento termina por convocar a un trío de borrachines de poca monta, más preocupados por armar la fiesta y escapar de sus problemas personales, que por la seguridad del vecindario. El absurdo voluntario supera el límite estratosférico cuando sugieren que el peligro es de origen ¡extraterrestre!

Los miembros de la flamante “Patrulla Vecinal” la conforman, además de Evan: Bob (Vince Vaughn), de treinta y tantos años, padre de una infernal adolescente preparatoriana; Franklin (Jonah Hill), un perdedor de veintitantos frustrado por ser incapaz de superar las pruebas de la academia policiaca, así como Jamarcus (Richard Ayoade), británico estilo afro, divorciado según dice. La acumulación de misiones fallidas y uno que otro enfrentamiento con la policía local, fortalece la amistad entre ellos, motivo por el cual cada quien revela a su debido tiempo los conflictos personales y hogareños que les aquejan.


Lo bueno
Richard Ayoade. A pesar del notable reparto protagónico, nutrido a su manera por destacadas figuras de la comedia norteamericana, el simpático personaje de Jamarcus inyecta la pizca de humor británico tan característico en el memorable sitcom “The IT Crowd”, tanto que resulta una verdadera lástima que sus oportunas intervenciones se vean superadas (en número, mas no en calidad), por el incesante deseo de Ben Stiller de robar cámara y desperdiciar metraje. Después de 101 insufribles minutos, al único personaje que recordarás y extrañarás, será a Jamarcus.

Lo malo
Aquellos valientes que posean el valor de admitir públicamente admiración por las películas de Ben Stiller, deben reconocer que incluso para su estándar “Vecinos Cercanos del 3er Tipo” no es ni por asomo, su mejor cinta. Los hilarantes recorridos nocturnos de la “Patrulla Vecinal” no evitan recurrir al humor escatológico de secreciones y flatulencias propias de estúpidos adolescentes que, interpretado por sujetos más arrugas que hormonas, cansan hasta al más entusiasta admirador del género.

El esfuerzo del director Akiva Schaffer, escritor forjado en el escritorio creativo de “Saturday Night Live”, por incluir en un paquete de sketch: crisis existencial de la mediana edad junto con una invasión extraterrestre infestada, por cierto, de referencias paródicas de títulos clásicos, nunca termina por cuajar, al grado de considerar un tramo considerable de la película poco divertido.


Conclusión
La invasión de los “Vecinos Cercanos del 3er Tipo” quizá comience con mayor suerte en la paquetería básica del cable y la televisión abierta, para luego culminar con el desenlace que mejor le convenga: el rincón de las ofertas de liquidación en las tiendas departamentales.


miércoles, 29 de agosto de 2012

El Dictador: Selfjuice everywhere!

Las artimañas del General Admiral Aladeen, encarnado por el talentoso comediante Sacha Baron Cohen, irrumpe en las salas de exhibición con el mismo discurso mordaz, irónico, vulgar, misógino, racista, que encantó al público desde el debut de su entrañable personaje Borat (2006), el kazajo que visitó América para aprender las maravillas de la civilización occidental.

A partir del crack financiero internacional, de las revueltas árabes en el mediterráneo africano y el consecuente derrocamiento de dictadores como Muamar el Gadaffi en Libia y Hosni Mubarak en Egipto, Baron Cohen en compañía del escritor Alec Berg (Seinfield), construyen un guión cargado de excelentes ideas que se traducen en pantalla de forma muy dispersa, quizá por la falta de sorpresa que la cámara escondida proyectaba en sus anteriores cintas: poner en ridículo a los demás y a sí mismo. El apego a un orden preestablecido (premisa, personajes, introducción, desarrollo y desenlace) embarca a "El Dictador" en un cauce convencional, superado únicamente por destellos de verdadera genialidad que consagran al actor británico como uno de los mejores comediantes de la actualidad


El Soberano Dictador de la República de Wadiya: Hafez Aladeen, es presentado ante la audiencia a través de una semblanza documental que enarbola una biografía desde su nacimiento, el accidentado deceso de su madre, su inesperado ascenso al poder a la edad de 7 años, así como el carisma divino que posee entre su aterrorizado pueblo. Practicante de una tiranía clásica sofisticada, más de uno ha pasado por el paredón y la horca; sobreviviente de varios atentados en contra suya, la disidencia opositora continúa con sus esfuerzos por mandar a su amado líder al paraíso eterno.

El programa nuclear que lleva a cabo no es bien visto por el eje occidental, el cuál no duda en exigir a la ONU procurar la justicia, libertad y democracia que el pueblo de Wadiya tanto reclama. Ante la presión de la comunidad internacional, Aladeen resuelve presentarse ante la ONU para convencer a sus detractores que su proyecto nuclear cuenta con fines cien por ciento humanistas. Lo cierto es que las opiniones extranjeras lo mantienen sin cuidado, el verdadero conflicto por el que atraviesa es de carácter sentimental. Al observar el muro de las celebridades que han pasado por sus aposentos gracias a bonos económicos de lo más obscenos (increíble cameo de Megan Fox), el todo poderoso Almirante Aladeen se siente... solo.


Una vez embarcado hacia Estados Unidos, la cuna del SIDA según Aladeen, su mayor enemigo se encuentra entre su círculo de colaboradores más cercanos, entre ellos su tío Tamir (Ben Kingsley) quién se considera a sí mismo como el heredero natural al poder de la República de Wadiya y pone en marcha un complot que desata una serie de pericias obscenas en la ciudad de Nueva York, detalle para nada menor si consideramos una secuencia épica con evidente alusión a los "atentados terroristas" del 11-S, suceso al parecer marginado (por fin) de la lista negra dentro de los mass media ( véase el clímax de "The Avengers").

Si atentar contra la hipocresía de la doble moral te resulta un aliciente extra para soltar carcajadas a raudales, El Dictador ofrece un buffet de lo más extenso, suficiente para poner de puntas a quienes se refugian en el absurdo terreno de lo políticamente correcto, no obstante, el tropiezo que durante la película te hace extrañar a "Borat", ¡incluso a "Brüno"!, no son los excesos "escato-misogi-zoofílicos" sino su completa falta de trascendencia en el desarrollo de la trama. Este vació narrativo alimenta la sensación de que a la película le sobra cinta, cuando encima su metraje total no supera los 85 minutos, ahí existe un grave problema de ejecución.


A pesar de los bemoles, El Dictador no desemboca en la amargura de una película fallida. Su original estilo le alcanza a Baron Cohen para rescatar esta cinta, pero enciende las alarmas que le urgen a reinventarse como escritor, ya que es muy probable que su exquisita vulgaridad canse de alguna forma hasta sus más fieles seguidores y les de razón a sus infinitos detractores.

La redención, en este caso, surge de los momentos más lúcidos y geniales que por sí solos valen la película entera: el monólogo de Aladeen al borde del suicido, tras ver perdidas todas las posibilidades de mantener su régimen en Wadiya; y su discurso protocolario en el que describe, tal cual, los riesgos que supone la imposición de una dictadura con todas sus letras: ¿o ustedes se imaginan la riqueza de una nación acumulada en tan sólo el 1% de su población? ¡Trrr, qué miedo!

Por fortuna, con el triunfo de la Democracia como forma de gobierno, en occidente ya nos sacudimos todos esos lastres. ¡Chen qui!

viernes, 27 de julio de 2012

El Caballero de la Noche Asciende: Reseña

La mejor saga jamás filmada sobre el Caballero Oscuro llega a su final con la tercera entrega de Christopher Nolan, consagrado director que ofrece un festín visual cargado, además, con una densidad argumental notable si consideramos el género tratado.  Para todos aquellos que esperaban un desliz en la carrera de Nolan al mando de las cámaras, les recomiendo que se pongan cómodos y motivados por la paciencia más infinita de todas, porque en The Dark Night Rises observamos la refinación definitiva de un artista que desde hace tiempo apartó un lugar privilegiado entre los creadores de culto. ¿Exageración? No lo creo. A partir del primer minuto del 27 de julio, el público general, así como el fandom más comprometido, tendrán a su disposición las evidencias proyectadas en la pantalla grande y coincidirán, seguramente, que los adjetivos se quedan cortos, no tanto los sustantivos, frente a la culminación de una de las mejores trilogías en la historia del cine.




La historia se desarrolla 8 años después de que Batman (Christian Bale) fuera catalogado como el peor de los delincuentes de Ciudad Gótica, al ser culpado públicamente por el homicidio del fiscal de distrito Harvey Dent, desde entonces símbolo de seguridad y justicia entre los ciudadanos. Sin embargo, pocos conocen la verdad y todavía menos están dispuestos a descubrirla, he ahí la trascendencia de Blake (Joseph Gordon-Levitt), oficial de policía que encarna los valores por los cuales vale la pena seguir luchando.

De tal suerte, la relativa paz y seguridad de la que goza la gran urbe se funda en una gran mentira, hecho clave que alimenta la moral ambigua que predomina en distintos aspectos de la visión de Nolan respecto al universo Batman: la distancia que separa al bien del mal no se expresa en alto contraste, sino en una escala de grises tan vasta como confusa.




Por su parte, el excéntrico multimillonario Bruce Wayne permanece en el autoexilio social. Alfred (Michael Kane), en su infinita lealtad, busca mantener la buena imagen de la familia con demasiados apuros.  No obstante, el peor de los problemas para la decadente dinastía Wayne proviene del flanco financiero, donde las cosas no marchan del todo bien. La última carta con oportunidad de éxito recae en la innovación nuclear, capaz de generar energía sustentable para toda la ciudad pero con el riesgo de convertirse en arma de destrucción masiva si cae en manos equivocadas. La confianza de dicho proyecto recaeen Miranda Tate (Marion Cotillard) miembro del corporativo Wayne Enterprises y con una visión filantrópica para Ciudad Gótica.

Con la irrupción de una sofisticada ladrona, Selina ¿Gatúbela? (Anne Hathaway ), surgen los primeros guiños que reclaman el regreso del Caballero de la Noche. Consternado por las posibles intenciones del misterioso robo, Bruce decide salir de nueva cuenta a la vida pública, sólo que los días de gloria han quedado muy atrás y su desalineada condición física es una clara evidencia de ello.  Una vez que los primeros datos de la investigación arrojan pistas sobre una red criminal compleja, se desata una amenaza de dimensiones incomparables con las de simples robos a mansiones e instituciones de gobierno.




Reconocido por el círculo conocedor del cómic como el hombre que quebró al murciélago, Bane (Tom Hardy) introduce la trama con una secuencia espectacular sobre un transportador aéreo, plantea la premisa que lo significa y acude a su llamado con el destino: acabar con la decadente Ciudad Gótica. Fuente de desesperanza, montaña de músculos, radical hasta para el mismísimo líder y fundador de la Liga de las Sombras, Ra's al Ghul, Bane se reconoce superior ante el protector de la metrópoli, porque a diferencia de Batman, quien adoptó la oscuridad como su aliada, él nació abrazado de ella.

De pronto, los fundamentos que proclama Bane no parecen tan equivocados hasta que deja claro que cualquier forma es válida con tal de alcanzar el éxito de sus objetivos. Esta ambigüedad que sugiere cierta empatía por el que se presenta como el enemigo, deja claro el porqué este Batman propuesto por Nolan es, en efecto, el que necesitamos. Agobiados por el desprecio de una clase política corrupta, de un saqueo financiero disfrazado de crisis económica y una brecha de desigualdad cada vez más severa, uno se pregunta si en verdad vale la pena defender esa Ciudad Gótica, en vez de celebrar su inevitable decadencia.

Con una baraja de personajes tan vasta en ambos bandos, Chris Nolan teje con destreza una serie de acontecimientos que mantiene al público al filo de la butaca de principio a fin. Es cierto que la exactitud del guión, tan característico en películas previas (Memento, 2000; The Prestige, 2006) no luce como uno desearía, las fisuras no impiden que la cinta cumpla con el principal objetivo,  mismo que algunos confunden al exigir mayor sustancia a un producto sin mayores pretensiones que el entretenimiento, claro, con el estilo Nolan que siempre inyecta la sensación, mas no certeza, de haber visto algo más que un derroche obsceno de recursos acompañado de un circo de efectos especiales.




Eso sí, al margen de las opiniones divididas que surjan a partir de la cinta, Chris Nolan se merece un sincero reconocimiento al firmar en los créditos su convicción respecto al quehacer cinematográfico y en defensa de la película en 35mm:  “This motion picture was shot and finished on film.” Por otro lado, considero indispensable la experiencia IMAX, dado que gran parte de la cinta fue filmada con esta tecnología y de seguro nos acerca todavía más a la visión exacta que el director deseaba proyectar para esta película en particular.

Resulta imposible omitir el desafortunado incidente en Aurora, Colorado, el irracional comportamiento de James Holmes que cobró la vida de 12 personas y dejó heridas a más de medio centenar. Al momento de ver la película, con la mirada atenta a la pantalla, las palabras de Christopher Nolan cobran especial sentido: “La sala de cine es mi hogar, y la idea de que alguien viole ese lugar tan inocente y lleno de esperanza de una manera insoportablemente salvaje, me parece devastadora.”

The Dark Knight Rises, Director: Christopher Nolan; Guión: Christopher Nolan & Jonathan Nolan;  Producción: Kevin De La Noy, Benjamin Melniker; Fotografía: Wally Pfister; Reparto: Christian Bale, Tom Hardy, Gary Oldman, Joseph Gordon-Levit, Anne Heathaway, Marion Cotillard, Morgam Freeman, Michael Caine;  Música: Hans Zimmer; Edición: Lee Smith; Warner Bros. Pictures, DC Entertainment, Legendary Pictures; Estados Unidos, 2012, 164 minutos.

viernes, 13 de julio de 2012

Monsieur Lazhar: El portador de buenas noticias

La profesora de una primaria pública en Montreal, Canadá, comete suicidio en el salón de clases. Los alumnos, entre once y doce años de edad, enfrentan el reto de superar el trauma sicológico que envuelve la atmósfera escolar a partir del trágico suceso. Por razones obvias, las solicitudes para asumir la vacante disponible al interior del instituto brillan por su ausencia, hasta que Bachir Lazhar (Mohamed Fellag), un emigrante argelino aspirante a refugiado político, se presenta como voluntario para sacar a flote al grupo.




    La esencia del señor Lazhar pronto se nota en ánimo de los estudiantes, quienes comienzan a reconocer en él una figura de respeto y confidencia, sobre todo con Alice (Sophie Nélisse), la alumna más aventajada de la clase que da muestras de abordar el tema de la muerte con una sensibilidad y madurez impresionantes. En contra parte, el método de enseñanza de Lazhar choca de forma inevitable con algunos padres de familia, ocupados en recordarle que existe una diferencia bárbara entre enseñar y educar a los alumnos. Y no es para menos, ya que el terrible pasado que asola a la familia del Sr. Lazhar provoca que el vínculo emocional con su clase aumente con el paso del tiempo.

    Que gran parte del relato se desarrolle al interior del colegio, motiva a que los subtextos planteados en el guión se desenvuelvan con una fluidez destacable. Desde la envidiable eficacia del sistema público de educación canadiense: áreas deportivas, aulas especiales para cada disciplina, personal especializado; hasta el concepto mismo de Canadá como una nación multicultural, que insta desde la educación básica a reconocer tanto a los primeros nativos americanos como a los emigrantes del S. XXI como integrantes fundamentales de la sociedad contemporánea.




Y sin embargo, plantea Alice en un ensayo a propósito de su anterior maestra, “en esta escuela que tanto amo fue donde Martine Lachance se quitó la vida”.

    Sin omitir cierto grado de crítica a un sistema que a primera vista se presume impecable, el director Philippe Falardeau postula un panorama alentador. Guarda distancia de versiones apocalípticas que no hallan solución en los sistemas educativos actuales y reconoce en todo aquel individuo con la vocación —instruida o no— de enseñar, un valor incalculable. Si acudimos al conflicto de integración europeo que Laurent Cantet aborda en “Entre los muros” (Entre les murs, Francia, 2008), Falardeau, en este caso, cuenta con la ventaja de encontrarse en territorio neutral, dónde las diferencias étnicas y religiosas no representen un riesgo latente de violencia extremista, aunque la premisa que abona el drama de la película parta de situaciones por demás violentas.




    El conflicto del Sr. Lazhar invita a reflexionar sobre las diversas causas que provocan el desplazamiento de personas desde sus países de origen. El lugar común apunta que quienes emigran difícilmente son “las mejores personas”, sin embargo el propio Aki Kaurismäki, estandarte de los desposeídos en el cine, se permite ante tanta desesperanza en "Le Havre", atribuirles a los emigrantes adjetivos más dignos que simples “muertos vivientes”.

    El mayor acierto de la dirección es el ritmo con el que se sucede la historia, en ningún momento afloja y mucho menos se estanca en vacíos argumentales. El público recorrerá tantos estados de ánimo que al final les dejará la firme convicción de haber visto una gran película. La fotografía alegra la vista con un fondo iluminado por la nieve, aderezada con tonos sobrios, a veces cálidos, a veces parcos, de acuerdo con la situación en turno. Por supuesto, la banda sonora a cargo de Martin Léon les acompañará un buen rato, incluso mucho después de la función.




    Sin duda, Monsieur Lazhar significa para la cartelera nacional un silencioso oasis en medio de los estridentes blockbusters de temporada. Se estrena en cines este viernes 13 de julio pero, en sintonía con las inclementes políticas comerciales no durará mucho en exhibición, así que no se priven de disfrutar por mucho una de las mejores películas del año que por cierto, representó a Canadá en la nominación al Óscar como Mejor Película Extranjera.

Monsieur Lazhar, Dirección & Guión: Philippe Falardeau; Fotografía: Ronald Plante; Reparto: Mohamed Fellag, Sophie Nélisse, Émilien Néron, Marie-Ève Beauregard; Producción: Luc Déry & Kim McCraw; Música: Martin Léon; Edición: Stéphane Lafleur; Productora: micro scope; Canadá, 2011, 94 minutos.

viernes, 15 de junio de 2012

Prometheus: Reseña

Por fin llega a México Prometeo (Prometheus), la nueva entrega de Ridley Scott basada en el mítico universo de Alien, película de culto que en 1979 sacudió el género del terror al llevar sus personajes y situaciones hasta los solitarios confines del espacio profundo. Calificada a todas luces como precuela de la catástrofe sufrida por la tripulación del Nostromo, aclaremos que más bien se trata de una carambola sobre el paño histórico que de cierta manera influye, mas no determina, la cuatrilogía que enlista, además de Scott, las visiones de James Cameron, David Fincher y Jean-Pierre Junet.

La cinta, en primera instancia, atiende las interrogantes surgidas a partir del origen y destino del "Jinete Espacial", el fósil extraterrestre que despierta la inquietud de Ellen Ripley y compañía, así como los huevos en gestación abordo de la nave alienígena. Objeto central de varios detractores que consideran innecesario rendir cuentas sobre los misterios que envuelven el discreto encanto de Alien, no obstante, es de sabios reconocer que nadie tiene mayor derecho sobre la obra que el creador original de la misma. Ridley Scott corre el riesgo de apuntalar la mitología Alien, pero ¿sale avante en su apuesta 33 años después?



Tras ser testigos de una de las introducciones más memorables de los últimos años, que abarca desde la decadencia de una civilización que se entiende como suprema, hasta la simplificación de la vida en sus elementos más básicos, el inicio de la aventura nos sitúa en el vínculo más próximo con los orígenes del ser humano sobre la Tierra: cavernas que hospedaron a nuestros ancestros y donde inmortalizaron con pinturas rupestres el entorno en el que se desarrollaron. En este tenor, los arqueólogos Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) y Charlie Holloway (Logan Marshall-Green) han reunido suficiente evidencia contundente como para postular La Hipótesis que podría descifrar el verdadero origen de la especie humana: una invitación estelar para citarnos con nuestros creadores, un encuentro con los dioses, a quienes han decidido llamar, como buenos científicos ateos, "Ingenieros".

Ubicados en el año 2093, la nave espacial "Prometeo" está a punto de llegar al sistema solar que las civilizaciones antiguas reconocían en sus códices, pinturas, estelas, como divino. El avance tecnológico hace posible que el ser humano alcance las estrellas, así que la corporación privada Weyland decide financiar la expedición, según dice, con motivos puramente científicos. Apunto de aterrizar y hacer contacto con el origen mismo de la especie humana, la nutrida tripulación del "Prometeo" (en comparación con el "Nostromo") reconoce que cada tripulante forma parte de la misión con fines personales, opuestos al concepto de bien común. Ya sea el robot ¿Androide? David (Michael Fassbender) bajo las órdenes de su creador humano, pero motivado quizá por la curiosidad de conocer al creador de su creador y su deseo de emancipación;  Meredith Vickers (Charlize Theron) encargada de velar por los verdaderos intereses de la corporación Weyland; o uno que otro mercenario ocupado de recibir a tiempo su recompensa monetaria.



El misterio que encierra la luna LV-223 posiblemente satisfaga los sueños de algunos y decepcione los de otros, sin embargo, las repuestas que esta visita histórica interplanetaria resuelva, nunca superará las interrogantes que alimenta: desde la confirmación de la teoría de la Panspermia de Oparin, el derrumbe de la Evolución de las Especies de Darwin, hasta la recapitulación de la Música de las Esferas propuesta por el mismo Pitágoras. Mejor aún, la posibilidad de que aquello que hasta ahora concebimos como Dios, se trate, en efecto, de un ser superior... pero mortal. En consecuencia, "Prometeo" acierta al evitar encadenar respuestas y soluciones una tras otra hasta dar con la clave que lo resuelva todo. Mejor aún, con el paso del tiempo nos hundimos más y más en el inmensidad de nuestra ignorancia justo cuando nos sentíamos a sólo un paso de la divinidad.

En contraste con la persistente claustrofobia en Alien, Ridley Scott apuesta en Prometeo por una constante paisajista, de espacios abiertos, iluminados e incluso de atmósferas respirables. Sin embargo, y a pesar de cualquier síntoma optimista por considerar al ser humano como algo especial en el universo (dominio de la tecnociencia), auspicia generosamente el toque fatalista (nihilista, si gustan) que cualquier ficción futurista requiere para resultar creíble. Basta con identificar las motivaciones de la tripulación para advertir el triunfo aplastante del capital privado sobre los estados nacionales al monopolizar el conocimiento humano. En este caso, la misión Prometeo trata de la vanindad humana en busca de trascender la condición mortal que nos aqueja, pero no dilata mucho para que la prioridad de los viajes espaciales (Nostromo) se convierta en importación de materias primas, agotadas en nuestro planeta.



El triunfo sobre el cual no cabe discusión alguna, es el audiovisual. La textura orgánica que muy pronto se percibe en la pantalla se debe en gran medida al trabajo artesanal detrás de la producción y rodaje de la cinta. Para tal efecto, se echó mano de los Estudios Pinewood en el Reino Unido, incluyendo el Foro 007 que mide 5 mil 500 metros cuadrados, sobre los que se montaron los escenarios paisajistas que involucran, por supuesto, el interior y exterior de la nave alienígena. El espectador agradece este lujo de filmar lo que Scott llama "lo auténtico". No hace falta quebrarnos la cabeza pensando acerca del tiempo que tomó el rendering de cada escena, sino fascinarnos con la idea de que aquellas naves alguna vez existieron físicamente.

Sin duda, Prometeo debe disfrutarse en la mejor sala que se encuentre a disposición. Si desean experimentar por vez primera la pantalla IMAX o la inmersión sensorial del 4DX, ahora es cuando. Los 7.1 canales de audio envuelven el auditorio al grado de hacerlo partícipe de la aventura. Sobrio pero eficiente uso de la tecnología 3D, estamos, técnicamente hablando, de una película impecable.



Aquellos que se detengan en los detalles finos de la historia que impiden, según algunos críticos especializados, convertir a Prometeo en un clásico, definitivamente se prohíben de disfrutar el regreso de Scott a la ciencia ficción de peso, la misma que te perturba durante semanas y ocupa de interrogantes tu pensamiento. En conclusión, tres décadas más tarde, Ridley Scott moldea la arcilla sobre una pieza de culto para muchos intocable, pero que en manos del maestro artesano que le dio forma original desde el principio, no nos resta más que agradecerle porque el fuego divino fluya de nueva cuenta sobre la pantalla grande y reconozca en las estrellas nuestro origen y en ellas nuestro destino.

domingo, 3 de junio de 2012

Game of Thrones end season: ¡Los marginados heredarán el Trono!

Esta noche finaliza la segunda temporada de la aclamada serie de corte fantástico, Game of Thrones. El sitio de honor, antes reservado para eventos deportivos y show bussines, reconocen en las series de televisión, sea drama, comedia o musical, un digno competidor en la carrera por los niveles de audiencia que desde siempre ocupan y preocupan a la industria de la televisión.




Conforme la hora marcada se acerque, el ruido generado en torno a la emisión del capítulo final sorprenderá a propios y extraños. Y no es para menos. En medio de una crisis financiera que no tiene para cuando ofrecer tregua, la narrativa extraviada en la vida de millones de personas que la están pasando mal, hallan refugio en historias que por muy fantásticas que parezcan, se vinculan con nuestra realidad mucho más de lo que imaginamos.

Contrario al lugar común de clasificar el género fantástico como un escape inmaduro de la realidad, o bombardear desde una postura elitista injurias hacia la cultura pop, mainstream, huérfana de valor crítico y artístico, Game of Thrones no sólo reivindica el universo de lo imaginario, sino que además derrumba mitos en torno al muro que alguna vez dividió al arte del entretenimiento.





No en vano surgen opiniones que alaban el gran nivel de ficción producida para en televisión en la actualidad, sin ir más lejos, el Departamento de Educación de EU afirmó que ver un solo capítulo de la serie de TV británica Downton Abbey equivale a leer un libro entero. Game of Thrones, además, pone en tela de juicio la supremacía europea sobre la estadounidense en materia de calidad televisiva. Antes de apresurarnos a proclamar una nueva era dorada para la pantalla chica, debemos agradecer que la televisión, cuando menos, vive un renacimiento creativo después de que más de uno vaticinara su agonía desde los inicios del siglo XXI.

La superproducción de HBO, basada en la saga literaria de George R. R. Martin, ilustra con maestría un mundo paralelo que en más de una ocasión ata cabos con el mundo real, lo que a su vez genera un estrecho vínculo entre los personajes, la audiencia y su entorno. Cargada de intriga, drama, traiciones, magia y supersticiones, la primera temporada transmitida durante el 2011, muy pronto transformó el interés de algunos en devoción de muchos.

Con un ritmo narrativo que alimenta el suspenso con cada entrega, la trama poco a poco se deslinda de fórmulas probadas que definen de antemano héroes y villanos, que premian las virtudes y castigan los defectos. De tal suerte, el linaje Real de los protagonistas que les supondría un estado de privilegio, de pronto se muestra como una fuente interminable de conflictos y desdichas. El cuento de hadas sepultado en la ingenuidad de los inocentes: adiós a las fábulas de reinos prósperos, eternas primaveras y finales felices. Game of Thrones invita a la fantasía no como ejercicio de distracción sino como un llamado de alerta; nos recuerda que por muchos días soleados, el invierno, tarde que temprano, llega.

La íntima relación entre personajes y televidentes nace precisamente de esta ruptura estructural del relato. Los grandes momentos que han marcado la historia del Juego de Tronos no provienen de actos heroicos súper humanos, tampoco de hazañas individuales que enaltezcan la fuerza física, mucho menos por intervención divina a favor de algún reino. Los momentos épicos quedan inmortalizados por frases cortas que exaltan la pasión, astucia, crueldad, avaricia, lealtad e inteligencia contenida en cada personaje, que además lo significa.

Mejor aún, las acciones memorables provienen de aquellos personajes que no contaban con credenciales propias de un partido desequilibrado, cuya única regla es dictada por la supervivencia del más fuerte. Por fin los marginados cuentan con la oportunidad de brillar en primer plano ¡y se lucen! Los bastardos, desterrados, la escoria condenada a la eterna servidumbre rechaza su destino y construye a través de la voluntad, su propia historia.




Por un lado tenemos a Jon Snow, hijo ilegítimo de Eddard Stark, Rey de Invernalia, que renuncia a su pasado noble para sumarse a las filas de la Guardia de la Noche, en el Muro del norte. Desde ahí afianza lazos de amistad y lealtad que difícilmente encontraría al interior de los Siete Reinos.

Ultramar, Daenerys Targaryen, heredera legítima al Trono de Hierro, e incansable forastera, deambula en medio de la nada en busca de revancha. Tras ser intercambiada como simple mercancía por su hermano Viserys, más tarde se revela como el legendario “Principe Prometido” de la casa Targaryen. Su determinación inspira y lo sabe al pronunciar: “No soy una mujer ordinaria. Mis sueños se hacen realidad”.

Por último y no menos importante, “el enano” Tyrion Lannister. Su madre murió después del parto. Víctima del desprecio de sus hermanos mayores: Cersei Lannister, Reina Regente y Jaime Lannister, “el Matarreyes”, Tyrion se percata que la única ventaja con la que cuenta, además de haber nacido en una familia noble, es su mente, así que se dedica a educarla a través de la lectura. También conocido con el mote de “mediohombre”, no dilata en demostrar que su persona vale por miles, el reto es demostrárselo a su padre Tywin Lannister.




En concreto, Juego de Tornos se convierte en un tratado sobre la administración del Poder, desde el ascenso para conseguirlo, el temple para conservarlo y el coraje para defenderlo. El conflicto, propone R. R. Martin, no es que el Poder corrompa, sino que frecuentemente cae en las manos de sujetos ineptos que no tienen la menor idea de cómo usarlo, los asusta y terminan abusando de él. ¿Les suena?

La promesa tácita de que los excluidos heredarán el mundo, es lo que llena el vacío narrativo que actualmente aqueja el plano llamado realidad. De tal forma, resulta trascendente que las audiencias (ahora mundiales) estén pendientes el próximo domingo de triunfos arrebatados, glorias perdidas, y reconozcan en los marginados de los Siete Reinos certeza de un horizonte justo, sutil detalle donde la épica fantástica, a diferencia de nuestra realidad, no falla.

Una colaboración para la sección Televisión del portal Monsters&Geeks

lunes, 14 de mayo de 2012

Encuentro Internacional de Historieta y Novela Gráfica de la Ciudad de México

Autores de cómic y novela gráfica de distintas nacionalidades se dan cita, del 14 al 20 de mayo, en la Ciudad de México con el propósito de difundir sus obras a través de mesas redondas, conferencias, talleres y exposiciones.

El Encuentro Internacional arranca el lunes 14 de mayo a las 19:00 Hrs. con la presentación del libro de Guy Nadeau (Golo): “B Traven. Portrait d’un anonyme célèbre“ en la librería Gandhi ubicada sobre Miguel Ángel de Quevedo #121, en la Colonia Coyoacán. Nadeau (Francia, 1948), invitado de honor para tal evento, radica en El Cairo. En 1973 inició su trayectoria como ilustrador en distintas publicaciones francesas y periódicos egipcios. Ha publicado diversos libros, así como historias originales y adaptaciones de clásicos literarios, actualmente es un referente, en su país, en lo que a novela gráfica se refiere.

El cartel de invitados internacionales lo complementan, entre otros: Yuta Kayashima y Toshiro Jinnouchi (Japón), Mery Cuesta (España), Óscar Estrada (Honduras), Alecus (El Salvador) y Sylvie-Anne Ménard (Québec).

Las actividades se reparten a lo largo de la semana, en sedes destacadas por su constante apoyo al fomento cultural en la Ciudad de México: el Museo Universitario del Chopo, el Centro Cultural Universitario Tlatelolco, el Centro Cultural de España en México y la Alianza Francesa de México.




Programa:

~Martes, 15 de mayo de 2012~

17:30-19:30 Hrs.
Tema: La historieta y su narrativa
Con: Bachan (México), Edu Molina (Argentina), Diego Molina (Argentina) y Alejandro Hosne (Argentina).
Modera: Ricardo Peláez (México). Sede: AFM Polanco.

20:00 hrs.
INAUGURACIÓN
ENCUENTRO INTERNACIONAL DE HISTORIETA Y NOVELA GRÁFICA DE LA CIUDAD DE MÉXICO

Apertura de la exposición: “La BD suisse. Un sommet d’images”
En colaboración con la Embajada Suiza
Sede: AFM Polanco.

~Miércoles, 16 de mayo de 2012~


17:30-19:00 Hrs.
Tema: La historieta en la actualidad
Con: Luis Gantús (México), Luis Fernando (México), Jiro Suzuri (México), Golo (Francia) y Zviane (Québec)
Modera: Yael Weiss (México). Sede: Museo del Chopo

19:00-20:30 Hrs.
Tema: La narrativa gráfica japonesa y su influencia
Con: Yuta Kayashima y Toshihiro Jinnouchi (Japón) y Jorge Break (México)
Modera: Gabriela Maya (México). Sede: Museo del Chopo.

20:30 hrs.
Inauguración de la exposición “Parodias” de la "Cité Internationale de la Bande Dessinée et de l’Image”.
En colaboración con la Embajada de Francia, Alianza Francesa de México y la ciudad de Angoulême
Sede: Museo del Chopo.

~Jueves, 17 de mayo de 2012~

12:00 Hrs.
Tema: “La narrativa gráfica en el país del manga”
Con: Toshihiro Jinnouchi y Yuta Kayashima (Japón).
Sede: SAE Institute. Cupo limitado, contactar con: Hugo Blancas al 41.55.00.00 Ext. 1241.

17:30-19:30 Hrs.
Tema: Edición y difusión
Con: Andrea Fuentes (Caja de Cerillos Ediciones, México), Josefina Larragoiti (Editorial Resistencia, México), Diego Rabasa (Sexto Piso, México), Mery Cuesta (España) y Cecilia Pego (México) y
Modera: Jorge Tovalín. Sede: UVA-Centro de Tlatelolco.

19:00 a 20:30 Hrs.
Tema: Web cómics
Con: Juanele (México), Augusto Mora (México), Virus (México, Puebla) y Yuta Kayashima (Japón)
Modera: Sergio Tapia. Sede: UVA-Centro Tlatelolco.

20:30 Hrs.
Inauguración de la exposición “Ars Obscura” de Santiago Caruso
Sede: UVA-Museo de Tlatelolco.

~Viernes, 18 de mayo de 2012~

Exposición de Golo
Liceo Franco-Mexicano Polanco
Entrada libre

~Sábado, 19 de mayo de 2012~

12:00-13:00 Hrs.
Animación infantil
“Festival Vaivén. Un viaje animado por América Latina”

Sede: Centro Cultural España

13:00 – 14:30 hrs.
“Taller de Stop Motion “La historia de tu barrio”. Imparte: Cristian Reyes
Sede: Centro Cultural España

~Domingo, 20 de mayo de 2012~

16:00 Hrs.
Clausura del Encuentro Internacional de Historieta y Novela Gráfica de la Ciudad de México
Sede: Librería Gandhi, Miguel Ángel de Quevedo #121, Col. Coyacán.

viernes, 4 de mayo de 2012

Regresa el anime a Canal 5... hasta septiembre.

Los viejos fantasmas del anime en la TV abierta rondaron los canales de información en las redes sociales, toda vez que un fanpage de Canal 5 en Facebook, informara sobre una nueva barra de anime en su programación, a partir de septiembre de 2012. El aviso se limitó a enumerar los títulos que conformarán el regreso del anime a Televisa: "El nuevo espacio dedicado al anime sólo tendrá cinco series, que son estas: School Rumble, NANA, Pokemon, Ranma 1/2, Dragon Ball."

Lo trascendente es el estreno de la divertida comedia romántica School Rumble y el melodrama josei NANA, que gozaron de gran éxito hacia mediados de la década pasada entre el círculo otaku, quienes no tuvieron más remedio que acudir a la Internet y a copias ilegales para disfrutar de sus historias. Por su parte, Dragon Ball, Ranma 1/2 y Pokemon suman su enésima retransmisión a través de la TV abierta, y aunque en su momento representaron una etapa vital para que el anime expandiera fronteras en México y el resto de Latino América, al día de hoy se antojan plenamente superadas.



A cinco meses de que la Nueva Legión Japonesa emprenda el vuelo, los detalles sobre los horarios, doblaje y la censura de toda la vida, fluirán a cuenta gotas, sin embargo, no cabe duda de que este anuncio alimenta el incansable espíritu de generaciones enteras que lucharon por promover el anime a través de los medios de comunicación tradicionales.



Cabe destacar que los hitos más recientes de anime en TV abierta se remontan hasta el año 2007, cuando Canal 22 anunció con bombo y platillo Neon Genesis Evangelion (en idioma original y subtitulado). A partir de entonces han desfilado por su pantalla títulos como A Tree of Palme, de Takashi Nakamura, Hellsing, del estudio Gonzo, Ghost in the Shell, de Mamoru Oshii así como las versiones para televisión Stand Alone Complex y 2nd GIG, dirigidas por el genial Kenji Kamiyama. Actualmente, se transmite a través de su señal Fantastic Children, de la Nippon Animation.

lunes, 12 de marzo de 2012

Japón, un año después: ciclo de cine y exposición

Con motivo del primer aniversario del Gran Terremoto de Tohoku y las severas consecuencias ocasionadas por el devastador tsunami en la costa este japonesa, Fundación Japón en México, con apoyo de la Alianza Francesa de México, invitan al ciclo de cine "Japón, un año después", que se vale de los géneros documental y ficción para retratar la reconstrucción de las zonas afectadas así como el deseo de los sobrevivientes por restablecer sus vidas cotidianas a pesar de las adversidades.





Del 12 al 16 de marzo, el público interesado podrá apreciar en las instalaciones de la AFM Centro Polanco ( Sócrates #156, Col. Polanco) la siguiente selección de materiales:

Lunes 12 de marzo:

18:30 Hrs. "Arquitectura frente a Naturaleza. Conmemoración de un año después del sismo de Tohoku". Conferencia magistral a cargo del arquitecto Hidekazu Wakabayashi

19:30 Hrs. Vino de honor

20:00 Hrs. Inauguración oficial





20:30 Hrs. Proyección de la película “Éclair - Retrato de un Vagabundo". Filmado en el otoño de 2010 en la ciudad de Ishinomaki y otros sitios de la prefectura de Miyagi, Éclair retrata paisajes naturales y edificios históricos arrasados por el tsunami meses más tarde. Narra las condiciones sufridas por los niños huérfanos después de la Segunda Guerra Mundial. Muchas de las personas, extras y voluntarios que se involucraron con la cinta resultaron víctimas del desastre. (Akio Kondo, Mayo 2011, 107 minutos)

Martes 13 de marzo:

18:00 Hrs. "Reinicio desde los Escombros". Tres meses después del tsunami, Kenichiro Yagi, pescador oriundo de Ofunato, prefectura de Iwate, retoma junto con sus colegas la actividad marítima de la cual dependen ellos y sus familias. Un documental de la NHK que refrenda la idea que tienen los japoneses del mar: proveedor de grandes desgracias pero también de generosa abundancia. (NHK, Junio 2011, 30 minutos)





20:00 Hrs. "Rock: la Isla de mi Perro". En el año 2008, una erupción volcánica de grandes proporciones obligó la evacuación de todos los residentes de Miyakejima, en las Islas Izu, con excepción de un perro extraviado y separado de su familia. Basada en hechos reales. (Isamu Nakae, julio 2011, 123 minutos)

Miércoles 14 de marzo:

18:00 Hrs. "Festival de Verano en Tohoku". Los festivales de verano japoneses sirven para recordar a los antepasados que por distintos motivos han partido de este mundo. A pesar de la catástrofe ocurrida en marzo de 2011, los habitantes de Rikuzentakada, Soma, Minami-Soma, y otras ciudades de la Prefectura de Iwate deciden conmemorar sus tradiciones conservadas por centurias. (NHK, agosto 2011, 48 minutos)




20:00 Hrs. "Un Viaje con Haru". Largometraje dirigido por Masahiro Kobayashi, en donde se retrata una mirada intima a las relaciones familiares en Japón. Cuenta la historia de Tadao, un anciano pescador, y su nieta Haru, quienes viven en una pequeña aldea de pescadores en Hokkaido. Haru ha perdido su empleo y decide migrar a Tokio en busca de mejores oportunidades, sin embargo, su obstinado abuelo se niega a acompañarle, por lo que emprenden juntos la búsqueda de algún familiar que desee ocuparse de él durante la ausencia de su nieta. (Masahiro Kobayashi, mayo 2010, 134 minutos)

Jueves 15 de marzo:

18:00 Hrs. "¡Ánimo! Las Chicas del Hula-Hula". Las bailarinas de un grupo Hula, empleadas en un centro de vacación en la ciudad de Iwate, enfrentan dificultades tras la tragedia marítima y la emergencia nuclear. No obstante, lucharán cada día sin descanso hasta conseguir que su pequeño hotel "Spa Resort Hawaiians" abra sus puertas como un primer paso hacia la reconstrucción de Fukushima. (Masaki Kobayashi, octubre 2011, 100 minutos)





20:00 Hrs. “Éclair - Retrato de un Vagabundo".

Viernes 16 de marzo:

18:00 Hrs. "Reinicio desde los Escombros".
20:00 Hrs. "Rock: la Isla de mi Perro".

Por su parte, la AFM Centro del Valle (Patricio Sanz #1056, Col del Valle), en colaboración con la Embajada de Japón en México, expone la serie fotográfica "La región de Tohoku: Reconstrucción para un mejor mañana", del 12 al 22 y del 24 al 26 de marzo.

Todas las actividades son de carácter gratuito, ¡no falten!

sábado, 10 de marzo de 2012

Trust: Pérdida de la Inocencia

Annie (Liana Liberato) cumple 14 años de edad y lo celebra rodeada de familiares y amigos. La sensación de seguridad que se respira entre los invitados otorga a los valores familiares un voto de confianza para continuar cimentando la base de la sociedad contemporánea. La postal que engalana dicha escena de ensueño sucede cuando su padre Will (Clive Owen) le entrega como obsequio una lap top de última generación. Lo que en otras circunstancias podría considerarse como una amenaza a la integridad del hogar (la tecnología como el lastre del siglo XXI), en el seno de una familia liberal y progresista, resulta de lo más normal.

Muy pronto Annie se engancha al portátil y comienza una relación de amistad con un tal Charlie, supuesto atleta y estudiante avanzado de preparatoria, quien no levanta mayor sospecha por parte de sus padres, más allá de las preguntas obvias sobre su edad, ocupación y lugar de origen. No obstante, la comunión entre Annie y Charlie es cada vez más íntima, tanto que a pesar de un constante trastabillo entre verdades y mentiras, pactan un encuentro en la vida real. A partir de entonces una verdadera pesadilla pondrá en evidencia la delgada línea que separa a una familia feliz de la desgracia más atroz, toda vez que Charlie no resulta ser quien dice ser.


Contrario a cualquier cliché que sugiera un alto grado de vulnerabilidad por parte de la víctima: drogadicción, divorcio, desempleo o marginación, la premisa de la película propone un mundo hostil en el que cualquier persona, no importando la edad, género o situación social, es sujeto de padecer de sus inclemencias. El avance tecnológico, en este caso el Internet y las redes sociales, se presentan como uno de tantos métodos que los criminales sexuales utilizan para delinquir, más no el único. El flagelo de acoso y abuso infantil existe desde mucho antes que la era Facebook.

Por su parte, el guión plantea un aspecto quizá más trascendente que la inevitable adopción de la tecnología en nuestra vida diaria: la privacidad. La cordial relación entre padre e hija deviene en una manía de sobreprotección paternal, que en vez de ayudar a la recuperación de Annie, sujeta a un claro síndrome de Estocolmo, la empeora. La obsesión enfermiza de Will hacia las actividades de su congénita, provoca en él un comportamiento irracional, así que no duda en vigilar sus llamadas telefónicas y conversaciones en línea. Sin embargo, a pesar de abordar un tema escabroso, la película evita con solvencia un sermón moral que dicte códigos más bien conservadores.



Sin duda, lo mejor de la cinta es la actuación de Liana Liberato (grábense este nombre): premiada como Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Chicago y nominada como Actriz más Prometedora por parte de la Asociación de Críticos del mismo festival.

Pérdida de la Inocencia (Trust); Dirección: David Schwimmer; Guión: Andy Bellin, Robert Festinger; Reparto: Clive Owen, Catherine Keener, Liana Liberato, Viola Davis; Producción: Dark Harbor Stories, Millennium Films; País: Estados Unidos; Año: 2011; Duración: 106 minutos.

martes, 21 de febrero de 2012

Ganadores del CROMAfest 2012

Terminó CROMAfest, el primer festival de animación, efectos visuales y videojuegos en la ciudad de México. Integrado por un concurso nacional e internacional de cortometrajes así como una extensa variedad de talleres, conferencias y proyecciones, el resultado fue por demás satisfactorio. Fueron recibidos un total de 155 trabajos originales, de los cuales 15 integraron la categoría de Cortometraje Animado Nacional y 29 calificaron para la categoría de Cortometraje Animado Internacional. El apartado de Efectos Visuales en Publicidad Nacional fue declarado desierto al no contar con suficientes suscripciones para llevarlo a cabo.

El premio León Croma al Primer Lugar Nacional se lo llevó "Martyris", escrito y dirigido por Luis Felipe Hernández Alanis. Situado en una atmósfera por demás oscura y decadente, con toques fantásticos y un estilo experimental, un santito cuida de seres que padecen instintos suicidas.


Inserción desactivada. Observalo directamente en YouTube


La Mención Honorífica de la Categoría Nacional fue para "O en polvo te convertirás", del estudio Jugando en serio. Dirigido por Luis Manuel Villareal, el plot del cortometraje invita a reflexionar sobre el desperdicio de agua a través de nuestra dependencia hacia el vital líquido, acorde con la peor sequía en 70 años que afecta actualmente al territorio mexicano.




En la Categoría Internacional, el principal galardón lo obtuvo Canadá con el trabajo de Isaac King titulado "Second Hand". Crítica comparativa sobre los vicios y obsesiones de las sociedades modernas. La historia ilustra, con ritmo vertiginoso, la vida diaria de dos vecinos opuestos en cuanto al valor y uso del tiempo y los bienes materiales, par de extremos que se al final se complementan para situarse en un punto medio que les beneficie a ambos.




Con un sentido del humor bastante peculiar, Brasil se levanta con la Mención Honorífica Internacional. Alexandre Bersot propone con “Imagine uma menina com cabelos de Brasil” una alegoría ante la transformación geopolítica universal, colocando a la nación carioca, (una de las economías emergentes más importantes) en medio de un conflicto de identidad, dado que en el aula escolar sus compañeras de clase, representadas como naciones industrializadas, se burlan de su cabello con la forma geográfica de Brasil. ¿Será la confrontación la única forma de resolver sus diferencias?




Enhorabuena a todos los ganadores, participantes y organizadores por impulsar la industria creativa de la animación como un factor de desarrollo económico, viable en gran medida a la revolución tecnológica que ha puesto en más personas la posibilidad de crear historias, que en algún momento competirán con las grandes corporaciones, hasta hace algunos años, las únicas con posibilidades económicas de contar historias en formato animado. Por lo pronto el talento existe y en CROMAfest ha quedado demostrado.


lunes, 20 de febrero de 2012

¡500 capítulos de los Simpsons!

Anoche, la serie animada de televisión "Los Simpsons" festejó 500 episodios al aire. Por su parte, Julian Assange, fundador del sitio electrónico Wikileaks e invitado especial para la celebración, acumuló 440 días de arresto domiciliario. El episodio titulado "At Long Last Leave" muestra cómo toda la congregación de Springfield decide en secreto expulsar a la familia más indeseada de todas, que por supuesto resultan ser los habitantes de la Avenida Siempre Viva 742. El destierro, fraguado con alevosía y ventaja, obliga a la entrañable familia a adaptarse en tierras magras, junto a un montón de parias inadaptadas así como uno que otro auto exiliado, fatigado del absurdo social de las urbes actuales.




El potencial crítico que la aparición de Assange podría haber provocado en un episodio de tanta trascendencia, se disolvió en una secuencia cómica demasiado light, muy lejos por ejemplo de la intervención de Banksy en la rutina del sofá, cuando equiparó las instalaciones de la 20th Century Fox con una fábrica explotadora de souvenirs marca Simpson. En el festejo del medio millar de capítulos, la situación con el invitado estrella se limitó a una broma de ropa interior y una clave de seguridad estilo noob.

Cabe resaltar que Assange queda bien parado si tomamos en cuenta que Rupert Murdoch, fundador y presidente del emporio de medios News Corporation, (y por tanto de la cadena Fox), no dudó en lanzar ofensivas contra Wikileaks a través de columnistas bajo su control: Fox News Bob Beckel Calls For 'Ilegally' Killing Assange. Quizá después del escándalo mediático con el rotativo británico News of the World, Murdoch sea el menos indicado para pronunciarse sobre la privacidad de datos personales, mucho menos los gubernamentales. Lo cierto es que si el cameo de Assange atrajo audiencia y ganancias a la cadena Fox: ¡la vena apátrida por sobre todas las cosas!




Lejos de los factores extra pantalla, la controversia surge en la longevidad de la serie misma. La producción, conocedora de la sensación generalizada entre su audiencia más añeja, algo así como "mi vieja mula ya no es lo que era", se adelantó a las críticas desfavorables con un sentido del humor irónico que pronto circuló como la pólvora en la Red. También es cierto que el capítulo como conjunto no es malo ni vomitivo, pero tampoco brilla como debió hacerlo, tomando en cuenta el grado histórico que adquirió incluso antes de ser emitido. Si el resultado de un episodio número 500 deja un sabor de boca promedio, es necesario replantearse algunas prioridades: romper todas las marcas de duración al aire o retirarse a tiempo con algo de dignidad y decoro.



¡Trololo!

Por lo pronto, la serie de televisión más importante del siglo XX, según la revista Time, asegura cuando menos dos temporadas más, lo que le sumaría 25, cifra inédita para cualquier dibujo animado en la televisión de Estados Unidos.