jueves, 11 de noviembre de 2010

Chihiro Yonekura en TNT 20

Como se habrán enterado, en la pasada edición 20 de la Expo TNT en la Ciudad de México, se presentó en el escenario principal la cantante japonesa Chihiro Yonekura, con una amplia trayectoria en la industria musical de su país, visitó México para interpretar algunos de sus temas más reconocidos gracias, en gran medida, a la popularidad de series anime, tan variables y diversas como Gundam, Mahoraba Hertful days o Kaleido Star.

En esta ocasión me permito compartir parte de su actuación de el día 2 de noviembre de 2010. El título de la canción interpretada, Yakusoku no Basho e, corresponde al segundo opening de la serie Kaleido Star, estrenada recientemente en televisión abierta por OnceTV México.



Cabe resaltar que también fue invitado Hiroshi Kitadani (pronto subo la evidencia en video) que junto con Yonekura, forman parte del sello discográfico Solid Vox, lo que supone una cooperación estrecha con los organizadores de TNT, ya que el mismo sello representa los intereses artísticos y comerciales de anisingers como son Masaaki Endoh, Hironobu Kageyama y Aki Misato, quienes ya han visitado México por lo menos en una ocasión.

jueves, 28 de octubre de 2010

Cosplay, en Tribus de Proyecto 40

Difícilmente habrán notado que Proyecto 40 transmite un programa (¿cápsula?) de apenas 15 minutos de duración que rescata las expresiones urbanas de actualidad, y digo difícil porque lo programan en horario zombie los martes a las 00:45, ¡como para que nadie lo vea!

El corto, pero productivo tiempo al aire, Tribus ha abordado formas de expresión, siempre desde el punto de vista de sus miembros o practicantes, tales como el Gótico, Rastafari y Grafitero, hasta los más inusuales como Straight Edge, Parkour, y lo que nos interesa ahora, el Cosplay.

Lejos de etiquetar, adjetivar o discriminar, Tribus busca, ante todo, que el espectador adopte un juicio critico más razonable a partir de información concreta, ya que muchas veces el rechazo o la intolerancia parten, evidentemente, de la ignorancia o desinformación que se tiene de diversas formas expresivas, éstas últimas tan propias y válidas en las sociedades humanas del nuevo siglo.



Rara vez el cosplay consigue atención más allá del video chusco, que de forma común y corriente, ilustra una parvada de locos inadaptados que se dan cita en alguna expo-feria especializada. La importancia de que un medio profesional de cuenta del cosplay a partir de una investigación documentada, radica en el valor social que este hobby brinda a las juventudes actuales, suerte de aliciente que los aparta de los grandes lastres que aquejan a dicho sector demográfico, como la violencia y el crimen organizado, tan comunes en años recientes.

Para el aficionado promedio, la información rescatada se antoja muy básica, sin embargo es de sumo valor para las personas ajenas al cosplay, sobre todo a quienes en sus vidas habían escuchado el término. He ahí el valor más trascendente de Tribus, hacer llegar a una audiencia masiva fracciones de la realidad que empujan y transforman los entornos urbanos actuales. Insisto, lástima del horario porque a pesar de que es posible consultar el trabajo producido hasta ahora en su sitio electrónico, la cantidad y diversidad de audiencia se ve limitada en comparación con la transmisión en TV. Bien por Proyecto40, aunque un poco de anime en su programación sería ¡todavía mejor!

miércoles, 13 de octubre de 2010

Je t'aime de Mamoru Oshii

Seleccionado en festivales de animación especializados como el Annecy, Fantasia y Sitges, el reconocido director Mamoru Oshii vuelve a la carga acompañado por el grupo japonés GLAY, quienes celebran quince años como banda major. Je T'aime es el videoclip para el tema musical Satellite of love, en el que reconocemos varios estilemas tan característicos en la vasta trayectoria de Oshii, donde no puede faltar, por supuesto, el canino Bassed Hound, ahora como protagonista.

Por ahora sólo es posible observar una versión corta de los 11' 45" de duración originales, sin embargo, no es complicado indagar en el sentido de la historia, de ciencia ficción, por si alguien todavía dudaba: en el futuro, la humanidad se autoerradica de la faz terrestre, entonces, un solitario bassed hound va en busca de la calidez del afecto humano.



Si añadimos a la premisa anterior un trabajo impecable por parte de Production I.G., el resultado es impecable, una pintura en movimiento, con detalles tan pulidos que sólo pueden ser disfrutados al 100% una vez que podamos obtener la versión completa y en mucho mejor calidad que la que circula a través de la Red. Como la fecha de lanzamiento es hoy precisamente, la oportunidad está cada vez más cerca, en tanto consideren el PV de Satellite of love como un entremés de lujo.

Ficha Técnica:
Director: Mamoru Oshii; Guión: Mamoru Oshii; Storyboard: Mamoru Oshii, Tetsuya Nishio; Productor: Tomohoko Ishii/Production I.G.; Música: Glay; País: Japón; Año: 2010; Duración: 11 minutos, 45 segundos.

martes, 5 de octubre de 2010

Panty & Stocking with Garterbelt

¡Alucinante! A Panty & Stocking with Garterbelt lo único que le falta es decencia, pero en verdad nadie la echa de menos. Hiroyuki Imaishi, director y guionista de la serie, se sabe dominador de un estilo que ha pulido desde aquellas frenéticas secuencias en FLCL hace una década exactamente. En esta ocasión su objetivo es patentarlo, ya que su consagración la obtuvo en el año 2004 con la OVA Dead Leaves, una delicia animada de principio a fin, ¿la recuerdan?


En primera instancia surge la obligada comparación con las Powerpuff Girls, creación del maese Craig McCraken producto de su afanosa preocupación por brindarle entretenimiento a los fumadores de marihuana de la Universidad de California. Después, advertimos con beneplácito la redención de la animación japonesa, luego de la desairada adaptación Demashita! Powerpuff Girls Z de la Toei, que a diferencia de Panty & Stocking de Gainax, nunca consolidó una identidad propia.

Opening: Theme for Panty & Stocking, intepreta Hoshina Anniversary

Resumen
Ciudad Danten se ubica en una falla geológica entre el cielo y el infierno, lo que ocasiona que sus habitantes sufran el asedio constante de espíritus malignos. Ante la ambigüedad acerca de la pertenencia del territorio ¿a quién corresponde la responsabilidad de orden?: ¿a los mensajeros de Dios o a los sirvientes de Satán? Esta cuestión no queda del todo resuelta, debido a que las encargadas de combatir el mal no resaltan por sus valores o virtudes, sino todo lo contrario, personifican la escoria pura en contraste con el orden social deseado.

Panty, excéntrica de cabellera rubia, es una zorra de pura cepa. Su afición consiste en coleccionar hombres, exprimirlos (literalmente) y desecharlos. Stocking, de apariencia gótica, se ocupa de almacenar en su estomago golosinas en cantidades industriales, entre más dulce mejor.

Enviadas por voluntad divina, los ángeles Panty & Stocking tienen la misión de defender el corazón humano de la oscuridad que atenta contra su felicidad, no obstante, lejos de venerar sus heroicas acciones, la población padece de sus técnicas poco ortodoxas para conseguirlo. Más tarde nos percatamos que para ellas el bienestar humano no es una prioridad, su verdadero objetivo es conseguir su retorno al paraíso del cual fueron expulsadas con justa razón.

¡Una genial parodia de las secuencias clásicas de transformación estilo magical girls!

Comentario

Cuando la intención es captar la atención del público adulto, muy aparte del género, formato o técnica utilizadas para dicho fin, se corre el riesgo de caer en la vulgaridad y el mal gusto. Por fortuna la nueva apuesta de Gainax no es el caso. Se nota, desde el primer instante, que cada aspecto de producción ha sido tratado con profesionalismo. En ningún momento se aprecia una escena disonante que altere el ritmo y la intención del discurso; cada objeto ocupa el lugar que le corresponde en beneficio de un producto audiovisual que se apropia de la genialidad y roza continuamente el tope de la perfección.

24 frames por segundo resultan insuficientes para plasmar en pantalla el frenético desarrollo de la historia. Es lógico poner en tela de juicio la veracidad de lo presenciado, apenas concluye una secuencia de acción surge la interrogante ¿lo que acabo de ver fue real o lo soñé? Tal parece que la orgía visual nunca termina; incesante como solo Hiroyuki Imaishi sabe hacerlo, irrumpe en nuestra capacidad de asombro para advertirnos que aún hay más, mucho más.

La serie es visualmente atractiva, un manjar, un agasajo. Gracias al toque retro, combinado con CGI además de intervenciones en stop motion, no es difícil concluir que estamos ante una de las mejores series, no de la presente temporada, sino de todo el año. El capitulo introductorio cumple cabalmente con su deber: noquear la incredulidad del espectador. Sin pronóstico reservado, los episodios restantes ¡serán más explosivos todavía!

lunes, 20 de septiembre de 2010

Chala Head Chala en Décadas

Seamos sinceros: toda aquella audiencia acostumbrada a la vanguardia en cuanto a contenidos audiovisuales, televisión en este caso, ni por asomo pudo resistir más allá de la introducción de Décadas, la nueva apuesta dominical de Televisa que recurre a la nostalgia musical para recordarnos aquella premisa tan sonada, apropiada para los momentos aciagos que sacuden a México, que todo tiempo pasado fue mejor.

Sin embargo, la regresión temporal no se limitó al repertorio musical, sino que infectó el formato, además del guión y la conducción —tan propios del siglo XX— lo que de inmediato contradijo la premisa anterior y afianzaron en las nuevas generaciones, prosumidoras de los nuevos medios (videojuegos, Web 2.0, redes sociales, telefonía celular), que todo tiempo pasado... ¡aburre!

En verdad, si no fuera por un suceso completamente atípico, Décadas no tendría razón de ser mencionada en este espacio. Alrededor de las 9:00 PM de ayer domingo, saltó al escenario Ricardo Silva, un completo desconocido para los asistentes quienes añoraron durante la velada que un clon de Raúl Velasco tomara por asalto la conducción del musical. Fue entonces cuando el interprete se valió de algunas escenas del opening de Dragon Ball Z para que los asistentes, todavía no muy convencidos, se orientaran un poco.



No obstante la energía y vigor mostrados por Ricardo Silva, el público se limitó al protocolo de ponerse de pie y aplaudir sin ton ni son. El verdadero impacto surgió tiempo después, en la Internet, sitio habitado desde hace tiempo por el target natural para tales acordes, en vez de la televisión. El microblogging a través de Twitter hizo lo suyo al colocar como Trending Topic el título de la canción Chala Head Chala, originalmente interpretada por el anisinger Hironobu Kageyama.

Desde entonces, la espora se esparció en virtualía, terreno fértil del universo otaku, que a través de YouTube, la red social de video por excelencia, dio cuenta del hecho apenas unas horas después de haber sido transmitido en vivo. Porque esa es otra, estoy convencido de que la comunidad otaku es lo suficientemente inteligente para evitar chorradas como Décadas y producciones similares. Además, también estoy seguro que un 95% se enteró, al igual que un servidor, a través de Twitter y lo experimentamos en el tubo: On line derrota de nueva cuenta al in live.

Tan arcano se antoja el formato de Décadas que a las 9:02 PM, Adal Ramones sugiere que es tiempo de que los pequeños del hogar se vayan a dormir. ¡Tal y como lo escuchan!, manda a dormir a Les enfants terribles del nuevo milenio por medio de una melodía insulsa, interpretada por un peluche insulso. Nada más faltó un dueto con Topo Gigio para rematar una transmisión digna de los anaqueles videográficos de 1980.

Si esperan enganchar al círculo otaku con presentaciones intermitentes de anime de antaño, (Remi, Heidi, Perrine, Candy Candy), sepan que la mayoría optará por la colaboración de algún mártir de la causa que decida colgarlo en YouTube, que aguardar pasivamente, cual estoico masoquista, otro momento atípico.

martes, 24 de agosto de 2010

Satoshi Kon muere a los 46 años de edad

El reconocido director de anime Satoshi Kon ha muerto. Así lo confirmo este martes Masao Murayama, fundador de MADHOUSE, estudio de animación que produjo sus cuatro largometrajes: Perfect Blue (1999), Millenium Actress (2001), Tokyo Godfathers (2003) Paprika (2006); así como Paranoia Agent (2004), su única serie para televisión. El mismo Murayama había escrito en su cuenta de twitter la noche del martes en Japón, que un importante director del estudio (Madhouse) había muerto repentinamente, sin embargo declinó develar el nombre en ese momento.


Cabe mencionar que Satoshi Kon trabajaba en Yume-Miru Kikai (The Dreaming Machine), el que sería su próximo proyecto animado. Nos quedamos con las ganas de otra paranoia del director japonés equiparado con el talento de David Lynch.

¿Que quién es Satoshi Kon? El mejor homenaje a este gran maestro del anime fue haber disfrutado sus películas cuando él nos acompañó en este mundo. Cuando cada aficionado, cinefilo y otaku remembraban una y otra vez aquella secuencia que desbordaba calidad, del simbolismo propuesto y el desenlace que invitaba más a la reflexión que al conformismo.

He aquí una de las tantas producciones dedicadas a Satoshi Kon, previas al homenaje escrito que con suma tristeza invade mi mente y corazón, se trata de un reportaje transmitido hace por lo menos cinco años a través de Cuatroesfera, (España):


Que descanse en el sueño eterno el gran maestro de la animación japonesa: ¡Satoshi Kon por siempre!

Update: MADHOUSE anuncia que Kyoko Kon, viuda del director Satoshi Kon, escribió un mensaje respecto al lamentable partida:

"Satoshi Kon falleció a causa de cáncer de páncreas, el 24 de agosto a las 6:20 a.m.; tenía 46 años. Su funeral se llevará acabo únicamente con miembros de la familia.

"Estamos respetuosa y profundamente agradecidos (con sus admiradores) por su amabilidad durante su vida."

viernes, 13 de agosto de 2010

Akira Yamaoka en Campus Party 2010

¡Tanto tiempo! Tuvo que suceder algo insólito como la visita de Akira Yamaoka a México para que me animara a postear algo nuevo en el blog. Aunque ya debió quedar claro que prefiero calidad que cantidad, el más reciente hiatus fue demasiado largo. En fin, que esta semana me encuentro en el Campus Party Mx disfrutando de una conexión privilegiada y rodeado de miles de geeks, ¡pero geeks en serio! Aunque ciertamente me he topado con más de uno viendo o descargando anime, así que el rincón otaku persiste en el recinto.

Ayer jueves se presentó en el escenario principal, ni más ni menos que Akira Yamaoka, compositor de temas musicales para diversos títulos de Silent Hill. Como era de esperarse, la convocatoria rebasó la capacidad de aforo, lo que no mermó el entusiasmo de los asistentes que luchaban por conseguir un vistazo al artista.

¡Subí 520MB a YouTube en 25 minutos! ¡¡¡Glorioso!!!

Como mi deber es difundir, en la medida de lo posible, todo lo trascendente en cuanto a Japón en México se refiere, la actuación de Yamaoka es simplemente histórico. Disfruten el video, que espero no se el último, ya que para hoy por la tarde se espera un nuevo performance con el staff de Atomix.

jueves, 17 de junio de 2010

(ready)Media

A partir del 17 de junio y hasta el 8 de agosto el público podrá visitar (ready)Media: Hacia una arqueología de los medios y la invención en México, exposición con la que el Laboratorio Arte Alameda (LAA) abre sus puertas a un proyecto cuyo objetivo principal es la creación de un archivo especializado en torno al arte, los nuevos medios y la tecnología, así como los cruces y las prácticas artísticas que dichas áreas han generado en México.

Para (ready)Media: Hacia una arqueología de los medios y la invención en México, se invitó a trabajar a más de 20 especialistas por más de un año y como resultado se obtuvieron 8 curadurías organizadas en torno al arte sonoro, el video, el cine experimental, la obsolescencia de la tecnología, testimonios curatoriales, así como nuevas prácticas con tecnología en México. Participan como curadores: David Wood, Jesse Lerner, Juan Pablo Anaya y Gabriela Mendez, Grace Quintanilla, Erandy Vergara, Liliana Quintero, Manuel Rocha Iturbide e Israel Martínez y Bruno Varela.

Estos trabajos han sido recuperados en 6 DVD’s que formarán el cuerpo de la exposición, dando al público acceso a la obra de más de 100 artistas mexicanos. De manera paralela a la exhibición, se realizarán una serie de actividades cuyo objetivo es acercar a nuestros públicos no solo a la práctica, sino a los procesos de reflexión sobre la misma, estas actividades incluirán Talleres, Seminarios, Ciclos de Conversaciones y Conciertos.


Además de la exhibición en salas, (ready)Media ha generado un documento para consulta que puede ser distribuido a nivel nacional e internacional, abriendo así, una línea de mediación sobre la diversidad de acercamientos y el trabajo de interpretación ante las formas artísticas y experiencias estéticas articuladas desde los cruces con la metodología de la ciencia y los dispositivos tecnológicos.

Esta publicación se presenta como un primer tomo que consta de material audiovisual y una publicación: 6 DVD’s cuyo contenido son ocho curadurías que presentan el trabajo de más de 100 artistas y un libro que reúne diversos ensayos organizados en 4 secciones: antecedentes, lecturas críticas, testimonios y espacios.

La apertura de (ready)Media: Hacia una arqueología de los medios y la invención en México, se llevará a cabo el 17 de junio a las 20:00 hrs. con las conferencias “Cibernética en México” de la Dra. Susana Quintanilla y “El proyecto de Cybersyn” de Juan José Díaz Infante, la entrada a estas conferencias es libre y el cupo limitado.

sábado, 5 de junio de 2010

Zima Entertainment editará DVD's del Studio Ghibli

Con el lanzamiento en DVD/BD de El secreto de la Sirenita el próximo 15 de junio en México, y recientes ediciones como La princesa Mononoke y Mi vecino Totoro, la distribuidora Zima Entertainment confirma que sacará al mercado todas las películas dirigidas por Hayao Miyazaki así como algunas de Isao Takahata, con un intervalo promedio de un mes entre cada una de ellas.

La noticia confirma un evento inédito en cuanto a la distribución legal de anime en México, situación que los aficionados de corazón deben apoyar con entusiasmo. Zima ya había comercializado con anterioridad El castillo vagabundo y Lupin III: El castillo de Cagliostro, sin embargo, la regularidad con la que editarán el resto de los títulos demuestra que un resultado favorable en ventas produciría la incorporación de más licencias anime además del Studio Ghibli.



A continuación la lista de los títulos y meses en los que saldrán a la venta en tiendas departamentales y de autoservicio:

  • La Princesa Mononoke (Mononoke Hime, Hayao Miyazaki, 1997) : abril de 2010
  • Mi Vecino Totoro (Tonari no Totoro, Haya Miyazaki, 1988): mayo de 2010
  • El Secreto de la Sirenita (Gake no ue no Ponyo, Hayao Miyazaki, 2008): junio de 2010
  • El Castillo en el Cielo (Tenku no shiro Rapyuta, Hayao Miyazaki, 1986): julio de 2010
  • Nausicaa, Guerreros del Viento (Kaze no Tani no Nausicaa, Hayao Miyazaki, 1984): agosto de 2010
  • Kiki, entregas a domicilio (Majo no Takkyubin, Hayao Miyazaki, 1989): septiembre de 2010
  • Porco Rosso (Proco Rosso, Hayo Miyazaki, 1992): octubre de 2010
  • El Viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no Kamikakushi, Hayao Miyazaki, 2001): noviembre de 2010
  • Susurros del Corazón (Mimi wo Sumaseba, Yoshifumi Kondo, 1995): diciembre de 2010
  • La Guerra de los Mapaches (Heisei Tanuki Gassen Ponpoko, Isao Takahata, 1994): enero de 2011
  • Recuerdos de Ayer (Omohide Poro Poro, Isao Takahata, 1991): febrero de 2011
  • Mis Vecinos los Yamada (Tonari no Yamada-kun, Isao Takahata, 1999): marzo de 2011
Como podrán percatarse, es una oportunidad única de nutrir la filmoteca con el trabajo de un estudio de animación que ha trascendido fronteras, y que desde sus albores demostró que la animación puede ser, además de entretenimiento, arte. ¡Cuántos años tuvieron que transcurrir para que algo de tales magnitudes sucediera en México! Sin exagerar, ésta serie lanzamientos son históricos y todos aquellos que se iniciaron en este mundo del manganime, hace por lo menos una década, saben a lo que me refiero.

miércoles, 5 de mayo de 2010

Minami Kuribayashi en TNT 19

Minami Kuribayashi, cantante, compositora y actriz de doblaje japonesa, visitó México con motivo de la decimonovena edición de la TNT, la convención de anime, manga y videojuegos más representativa a lo largo y ancho del territorio nacional.


El 30 de abril tuvo el gusto de firmar autógrafos a sus seguidores, quienes nunca dudaron en aguardar su turno en la fila que se extendía más allá del salón en el que se encontraba. Por su parte, el 1 y 2 de mayo entró en acción en el escenario principal, interpretó temas anime populares con los que obtuvo reconocimiento local e internacional, entre los que destacan Precious Memories y Rumbling Hearts de Kimi ga Mozomu Eien, Tsubasa wa Pleasure Line de Chrono Crusade, así como interpretaciones más recientes como Meiya Kadenrou tema de entrada de la serie Katanagatari que actualmente se transmite en Japón.

Los videos que comparto forman parte de su actuación del día 2 de mayo. Entre tumultos y más de 30°C, los asistentes no se cansaron de vitorear cada estrofa evocada por Minami, quien se rindió ante el entusiasmo del público mexicano. Como forma de agradecimiento, Kuribayashi prometió incluir en su próxima grabación un tema inspirado en México, ya que le impresionó mucho sus paisajes y la amabilidad de su gente.


Esperemos que regrese muy pronto por estos lares y nos conforte con su privilegiada voz, la misma que nos envolvió durante sus actuaciones en la más reciente edición de TNT.

sábado, 24 de abril de 2010

Kokoro, de Natsume Soseki

Nunca es tarde para recomendar una lectura que concluí hace apenas dos semanas. Se trata, precisamente, de Kokoro, obra cumbre de Natsume Soseki (1867-1916), uno de los escritores más importantes de Japón. Fue a partir de los títulos literarios adaptados en el anime Aoi Bungaku (Literatura Azul), que decidí acudir a las fuentes originales que fungieron como inspiración para la serie, por cierto, una de las mejores de 2009 que incluí en mi ranking personal del año pasado.


El título de la novela, polisémico, se refiere al lugar hipotético por el que fluyen las ideas, el pensamiento y las emociones; es por ello que también resulta válido traducir kokoro como 'mente' o 'corazón'. No obstante, la esencia pura del significado, más allá de cualquier explicación escrita, se devela una vez que el lector recorre los párrafos finales y reflexiona acerca de la experiencia de vida que propone, con sobriedad y elegancia, el propio Soseki.

La historia se desarrolla durante la etapa final de la era Meiji (1867-1912), aquella donde Japón decidió abrir sus fronteras al desconocido, pero aventajado, occidente. El prominente futuro que la modernidad ofrecía, tuvo antes que sortear obstáculos cimentados en un sistema social fuertemente arraigado, en el que el derrumbe de las tradiciones representaba poco menos que la muerte y la deshonra. Es en esta encrucijada que el sentido de individuo cobra sentido y trascendencia por lo que se opone a la unidad del grupo en busca del bien común.


La novela se compone de tres capítulos: Sensei y yo, Mis padres y yo, y el Testamento de sensei, en los cuales 'Yo', un estudiante universitario, narra su vínculo con un personaje mayor que él a quien decide nombrarlo sensei: "Yo siempre le he llamado sensei. Por eso, aquí también escribiré sensei sin revelar su verdadero nombre. Y ello, no porque desee guardar el secreto de su identidad ante la sociedad, sino porque me resulta más natural. Cada vez que su recuerdo me viene, enseguida siento el deseo de decir sensei. Y ahora, al tomar la pluma, siento lo mismo…".

La figura de 'sensei' proyecta un pasado sombrío, envuelto por un halo de misterio, que de enfrentarlo ante la luz pública, explicaría el porqué de su retiro voluntario de la sociedad. Vive acompañado de su esposa y al amparo de una herencia que no les permite lujos, pero sí un grado de afortunado desahogo. El espolón con el que afrenta cualquier intento externo de quebrantar su círculo de soledad se describe a continuación: "Aquellos saludos tan secos y actitudes tan frías no eran en realidad expresiones de rechazo o disgusto para alejarme. Eran formas de advertirme que no merecía la pena acercarse a él porque era una persona sin ningún valor".


La compleja psicología que brinda identidad y autonomía a los personajes, refuerza la idea del individualismo, apuntado previamente. Con ello, además de una trama debidamente estructurada, Natsume Soseki inaugura el género de la novela moderna japonesa. Su importancia y trascendencia es tal, que sus textos adquieren el carácter de obligatorio en los programas básicos y profesionales del modelo educativo japonés.

Adaptación al anime
Después de aplaudir y valorar como se merece a la antología producida por el estudio Mad House, concentremos nuestra atención en Shigeyuki Miya, director, guionista y diseñador de personajes de la adaptación correspondiente a la obra de Soseki, que pese a su juventud y considerable experiencia, nos ha brindado un derroche destacado de talento creativo, incluso a la hora de añadir pasajes inéditos en el texto original.


La adaptación animada se limitó al Testamento de sensei, último capítulo de la novela en el que se describe a detalle el origen del autodesprecio por parte de sensei. Aparece el triángulo amoroso que protagonizó junto a K, amigo y colega en la universidad y Ojoosan (señorita), hija de la casera que le rentaba un cuarto de alojamiento.

La historia se dividió en dos capítulos, correspondientes al 7 y8 de la serie antológica. Pese a las restricciones que supone ajustarse al metraje disponible, apenas 44 minutos, la síntesis narrativa logró capturar la esencia de la obra original, objetivo central de cualquier adaptación. Al adoptar el punto de vista subjetivo como eje conductor, Shigeyuki Miya reflejó la intención de individualismo presente en la novela: ¡nada más personal e íntimo que la cámara subjetiva para capturar las ideas y emociones de los protagonistas!


El segundo acierto es la confrontación a partir de las versiones de cada uno de ellos. Sensei evoca una atmósfera veraniega, en el que prevalecen colores vivos, intensos, siempre acompañados de un azul radiante, contrastados en todo caso por los nubarrones grises. En cuanto a K, la situación se torna más visceral y melancólica. Domina la coloración parca que contagia un estado de ánimo tormentoso; lo único que ilumina la pantalla es el candor irradiado por Ojoosan, así como las consecuencias de sus intervenciones.

Pero Shigeyuki va todavía más allá, al incluir en la narración visual elementos simbólicos que exigen una observación minuciosa de ambos casos. La palabra Aoi, en caso de utilizarse para nombres propios puede significar, además de azul, malva o girasol. La flor que predomina en el capítulo 7 es la malva, violeta, aparece en distintos motivos ya sean naturales u ornamentales; en el episodio 8 es el girasol, amarillo, que se antepone a las malvas, esta vez marchitas. Por supuesto que las flores significan a Ojoosan en la mente y corazón de los protagonistas. De allí que al principio de la reseña catalogué al título de la novela como polisémica, y me alegra saber que Shigeyuki Miya también lo haya considerado.

Natsume Soseki, Kokoro, Madrid, Editorial Gredos, traducción de Carlos Rubio, 2003, 336 páginas.

miércoles, 14 de abril de 2010

Esquizofrenia

La nueva temporada de Esquizofrenia, programa de televisión que se aboca a explorar la apropiación de la cultura musical entre los jóvenes (de corazón), fue presentada la noche del pasado 12 de abril en la Cineteca Nacional, al sur de la Cd. de México. Gabriel Santander, productor de esta serie de corte documental, precisó algunos de los temas a tratar en esta nueva entrega, entre los que destacan: moda y rock, las Yoko Ono de la música, además de una sugerente complacencia hacia parte de su audiencia con gay music, suerte de articulación musical que retrata la forma de vida esta comunidad que también cuenta con su particular estilo de vivir la música.

Alternaron en la presentación el rockero urbano Charlie Monttana y la agrupación de Rockabilly los Rebel Cats. El novio de México celebró que existan programas como el de Esquizofrenia: originales, sin tapujos; que retraten la realidad musical al margen de emisoras, que obedecen a reglas comerciales y hacen a un lado varios géneros underground. Por su parte, los gatos rebeldes agradecieron el apoyo que les ha brindado el programa para expandir el género rockabilly, situación que en los medios mainstream no sucede.


Confieso que desde sus primeras emisiones Esquizofrenia me atrapó. Por increíble que parezca, aún cuando existen canales de TV especializados en la industria musical, privados y con un capital de producción considerable, sea precisamente la televisión pública, tantas veces menospreciada, quien demuestre una forma distinta y creativa de retratar el consumo y apropiación de la música, no sólo en zonas urbanas como la Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey, sino que también lo suburbano, lo fronterizo, lo contestatario, cuenten con un espacio equitativo, temporada tras temporada.

El programa ha volteado, incluso, hacia el universo otaku. Recuerdo con alegría la investigación (sí, porque se nota el conocimiento de causa en los guiones literarios) enfocada en la música para videojuegos, o el movimiento del Visual Kei en México. Ahora que alguien me diga ¿Quién más se había molestado en abordar dichos temas en la televisión? ¿Notan entonces el valor cultural y político, -¿por qué no?- que Esquizofrenia aporta a la pantalla abierta nacional?

Para quienes todavía no han tenido el gusto de sintonizarlo, la nueva temporada arranca el próximo viernes 16 de abril a las 21:30 hrs. por Canal 22, un clásico referente de este blog.

domingo, 11 de abril de 2010

Heroman

El anuncio de que Stan Lee se adentraría en el universo de la industria anime, aquella misma alguna vez catalogada como simple moda pasajera, representó el choque de dos mundos rara vez unificados. No obstante, los antecedentes dan cuenta de algunos concilios sobresalientes germinados en el fenómeno de producción denominado americanime, de cuyo seno surgieron exponentes de la talla de Avatar, the Last Airbender, o Kappa Mickey, suerte de concepto que armoniza el contraste estético (y narrativo) entre la animación norteamericana y japonesa.

El escepticismo acumulado por los aficionados llegó a su fin justo en el comienzo de la temporada primaveral de 2010, con el estreno casi simultaneo de Heroman en la televisión japonesa y en el portal gratuito/legal de anime Crunchyroll. Muchos auguraban el tropiezo de un grande con un concepto débil, desalineado; sin embargo, bastó el metraje del primer capítulo para disipar la niebla, producto de las especulaciones, y conducir a los espectadores hacia la iluminación que sólo la maestría de la experiencia puede irradiar.


Sinopsis
Joey Jones, huérfano pre adolescente, vive con su abuela y además labora medio tiempo como ayudante en un local de comida rápida. Su desempeño académico es sobresaliente, mantiene un perfil más bien bajo que no le impide, sin embargo, entablar amistad con algunos de sus compañeros, sobre todo Lina, porrista que juega el rol de la chica enamorada del protagonista. Joey sueña con obtener un Heybo, el robot con los mejores mecanismos de la tecnología más avanzada, pero su condición precaria lo obliga a aceptar la realidad de que nunca contará con uno en toda su vida.

Matthew Denton es quien estimula el potencial de Joey, incluso fuera del horario oficial. De hecho, la obsesión del profesor por entablar comunicación con extraterrestres es la ruptura que desencadena la trama de Heroman, ya que una de las tantas transmisiones hacia el espacio es captada por una tripulación alienígena que de inmediato rastrea el origen de la señal.

Debido al egoísmo de sus compañeros, Joey consigue rescatar del basurero un Heybo destrozado. Confiado de sus habilidades y conocimientos decide restaurarlo de pies a cabeza, lo que evidencia que la tecnología más avanzada de la humanidad se reduce a pegamento y piezas lego. Con ciertas modificaciones logra que el robot funcione otra vez, sólo que rebautizado como Heroman. Aunque no lo crean el toque fantástico no reside en la insólita reconstrucción del robot, sino en la descabellada posibilidad de que el cacharro de tuercas y tornillos ¡cobre vida!

Opening Theme: Roulette, intepretado por Tetsuya

Comentario
Ya lo dijo Homero Simpson alguna vez con su infinita e incomprendida sabiduría: "para mentir se necesitan dos personas: una que mienta y otra que crea". En esta ocasión, Stan Lee pone en práctica la experiencia propia de un viejo lobo de mar, la misma que concede la capacidad de trasformar en posible lo inverosímil. Y es que incluso la banalidad merece ser narrada lo mejor posible, y Heroman es el claro ejemplo de ello, porque por más ridícula, simple y llana que resulte la sinopsis anterior, dosificar correctamente la forma, el modo, el ritmo de una historia desde la toma como unidad básica hasta la complejidad narrativa de la secuencia, sólo es posible a través del talento y de saberse conocedor y dominador de lo que el mismísimo Will Eisner denomina arte secuencial.

No olvidemos que el origen profesional de Lee proviene de los storyboards de cómics, mas tarde como escritor de argumentos, bases fundamentales para comprender los principios narrativos que sin ningún problema pueden saltar del papel al celuloide. Otro aspecto que suma credibilidad es el impecable detalle gráfico, logrado por el estudio Bones (Eureka Seven, Darker than Black), evidencia de cómo deben montarse las colaboraciones entre oriente y occidente siempre y cuando cada cual se desenvuelva en el área que domina, y estamos de acuerdo que el nivel técnico alcanzado por los estudios de animación japoneses es impresionante.

Ending Theme: Calling, intepretado por Flow

Heroman es una lección de cómo la vieja escuela rinde frutos nuevamente. Clásico, conservador si así prefieren, el hilo conductor no pretende ir más allá de los cánones preestablecidos para un relato fantástico. No esperen monólogos existenciales ni complejos tratados de inteligencia artificial. Lo que dignifica esta producción es la claridad de su objetivo, jamás traicionado por pretensiones fuera de lugar, que mancharían la sinceridad con la que fue concebida desde el principio.

viernes, 26 de marzo de 2010

Animasivo 2010 - Ganadores

Ayer por la tarde-noche sobre la calle de Regina, en el Centro Histórico de la capital mexicana, se proyectaron al aire libre las menciones honoríficas, los ganadores del tercer festival Animasivo, así como las piezas comisionadas. El tema central giró en torno al año 2110, proyectando el futuro, en el que se invitó a los concursantes a reflexionar sobre el porvenir en la próxima centuria. Hasta el momento, sólo la ganadora del primer lugar comparte en YouTube el corto con el que participó, sin embargo, en cuanto el resto decida hacer lo propio, aparecerán publicados sin falta.

El tercer puesto lo obtuvo el colectivo Llamarada de Petate, mismo que consiguiera el primer sitio el año pasado con su trabajo El Gran Bang. En esta ocasión, en Sin Juicio, recurrieron a la sentencia apocalíptica adelantada, sin dejar de lado la rubrica que los identifica, siempre con un giro inesperado que remata el desenlace.

El segundo lugar fue para Pedro González y Héctor Dávila por su obra el Gato con Botox, para mi gusto un tanto fuera de lugar, ya que nunca afloró la idea o el concepto de proyectar el año 2110, eso sí, con un nivel de animación sobresaliente.


El primer lugar se lo llevó Nuria Menchaca, Mención Honorífica hace un año, quien regresa doce meses después por la revancha. Me parece que fue el trabajo que cumplió con más eficacia los requisitos de la convocatoria, propuso un México tan distinto como las opiniones de sus entrevistados, quienes de principio a fin moldean el paisaje urbano que culmina con la re fundación de The noctitlan.

Enhorabuena a los ganadores, reconocidos y participantes que alimentaron con sus obras al festival que ya se ha posicionado como un referente básico, quizá el mas importante de nuestro país en cuanto a la técnica de animación se refiere.

martes, 23 de marzo de 2010

Gruma, suertes, humores y el Bicentenario

A poco menos de seis meses de que se conmemoren 200 años del inicio de la guerra de Independencia y 100 años de Revolución Mexicana, los esfuerzos por llevar las celebraciones (en caso de que exista motivo alguno) a la televisión nacional se han comportado a la altura de la precariedad actual, propia de un país sin rumbo.

La falta de creatividad se respira por todos lados: desde mensajes conformistas por parte instituciones federales que abogan por una sociedad autómata: "... sigamos por el tranquilo caudal de la paz, para alcanzar el ancho mar de la justicia", "... eres un país inconforme pero trabajador"; hasta un amplio listado de lugares comunes que bien podrían acompañar su definición en el diccionario.


Qué decir del insufrible diálogo crítico Discutamos México, programa en dónde nadie duda del conocimiento de sus participantes, expertos en la historia y cultura de nuestro país, pero que no supera en lo más mínimo al control remoto. Con el lenguaje y conceptos utilizados en cada emisión segregan a más de la mitad de la teleaudiencia que a duras penas completó, en el mejor de los casos, la educación básica. Luego entonces ¿dónde queda la unidad nacional que confirme que todos somos México? Me queda claro que si la justa independentista hubiera iniciado 30 años antes el resultado habría sido el mismo, porque es evidente que el Discutamos México que se transmite al aire simula a la televisión de hace décadas. Triste e increíble que en pleno siglo XXI aún no se comprenda la naturaleza y uso del lenguaje televisivo, ni siquiera para aniversarios históricos.

Lo peor es cuando se recurre al plagio, huelga indicar el caso, pero que Televisa haya apostado a una campaña tan frívola como paisajes naturales y encima llamarlos Estrellas del Bicentenario sólo confirma características de la posmodernidad, ya saben: deja de importar el contenido del mensaje, para revalorizar la forma en que es transmitido y el grado de convicción que pueda producir, a.k.a. hype mediático, además de una memoria histórica distorsionada o nula: ¿Qué tiene que ver el desierto, el mar y el ferrocarril con levantamientos armados en busca de ideales como libertad y justicia? Nada. El culto al vacío y nada más.

No obstante, de unas semanas hacia acá, dos conceptos audiovisuales se han filtrado a la pantalla chica y han demostrado cómo se hacen las cosas en el 2010. Por supuesto, en ambos casos el recursos técnico es la animación, otro acierto más que en suma genera verdaderas joyas que sí valen la pena ser reseñadas.


El primero surge del capital privado mexicano, (¡sorpresa, sorpresa!), en concreto de Gruma, el productor más grande de harina de maíz y tortillas en el mundo. Su campaña del Bicentenario es tan buena, tan profesional, tan eficiente que me permitiré omitir, hasta cierto grado, que la base sus productos sean de origen transgénico, así como los riesgos ambientales que supone una semilla híbrida y homogénea que además monopolice los medios de producción agrícola.

Hasta ahora se han emitido dos comerciales, que gracias a su gran calidad han tenido un impacto inmejorable en la atención de propios y extraños. El primero celebra al pueblo del maíz, semilla base de la alimentación en Mesoamérica y vigente hasta nuestros días en México y algunas regiones de Latinoamérica. Comienza con un recorrido visual que va desde el cielo hasta la tierra y viceversa, acentuando la importancia del ciclo de la agricultura. A eso me refiero con el correcto uso del lenguaje televisivo.


El segundo se basa en la leyenda azteca que da nombre, identidad y significado al Popocatépetl e Iztaccíhuatl, volcanes que flanquean el Valle de México. Una magistral síntesis visual, insisto en la eficiencia narrativa, tanto, que en apenas unos segundos la esencia de la historia queda comprendida sin ningún contratiempo. De verdad uno agradece que se produzcan contenidos de tal calibre.

El siguiente caso proviene de los esfuerzos conjuntos entre El Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) y la Cámara Nacional de la Industria Electrónica de Telecomunicaciones y de Tecnologías de la Información (CANIETI). Comprende la antología de 25 cortometrajes animados denominada Suertes, humores y pequeñas historias de la Independencia y la Revolución.

El acierto de esta producción cinematográfica, a cargo de Batallón 52, reside en enfocar su fuente de inspiración en aspectos curiosos de la historia nacional. Lejos de dar lecciones solemnes acerca de los personajes históricos, sus fundamentos y motivaciones ideológicas, el hilo narrativo divaga por los recovecos sociales que tantas veces se excluye de los textos relevantes. Reconstruye pasajes cotidianos que a su vez, reconocen vínculos con las causas y consecuencias de los hechos históricos trascendentes.


Se transmiten en salas de exhibición de cine desde el 15 de octubre de 2009. Sin embargo, desde hace una semana ocupan algunos minutos en la programación de Canal 22, justo después del noticiario cultural Noticias 22, al rededor de las 20:00 Hrs. por si no tienen ningún inconveniente en divertirse y aprender un poco ahí está la recomendación.

jueves, 18 de marzo de 2010

(in)posición dinámica/Ars Electronica México

Ars Electrónica, el festival de artes electrónicas más importante a nivel internacional, se presenta por primera vez en México a través de (in)posición dinámica, muestra de ocho piezas y un programa educativo que giran en torno a la circulación de la información y reflexionan sobre el uso e impacto de la tecnología en la sociedad contemporánea.

El trabajo de 25 artistas se exhibirá en cuatro sedes de la siguiente manera: en el Centro Cultural España se muestran las piezas Telefonías de Mariano Sardón y Life Writer de Christa Sommerer & Laurent Mignonneau; en el Laboratorio Arte Alameda Hylozoic Soil de Philip Beesley, Zee de Kurt Hentschlager, Solar de Rejane Cantoni & Leonardo Crescenti y finalmente Corpora in si(gh)te del colectivo doubleNegativesArchitecture.

En sitio específico se presentarán Apnea de Iván Abreu que se encuentra instalada en la rejilla de ventilación del metro, ubicada en el costado izquierdo de la explanada del Palacio de Bellas Artes; por su parte (19°18'51" N, 99°11'7" W), de Pablo Valbuena se exhibió el 13 y 14 de marzo en la fachada del MUAC en Ciudad Universitaria.

Durante el recorrido de prensa en el Laboratorio Arte Alameda se contó con la presencia de los artistas invitados, quienes explicaron de viva voz el concepto propuesto en cada una de sus piezas:

Corpora in si(gh)te
doubleNegatives Architecture/ Sota Ichikawa, Max Rheiner, Ákos Maróy, Kaoru Kobata/ 2007


Aunque es un proyecto que habla sobre el espacio arquitectónico, desde su origen se fuga de la idea de arquitectura como edificio para realizar una práctica arquitectónica como pensamiento. Corpora es una instalación híbrida, cuya visualización se logra a partir de tecnologías de realidad aumentada.

Una red de sensores es colocada en los alrededores del lugar de exhibición, a través de la cuál se captura información sobre el medio ambiente (dirección y velocidad del viento, temperatura, humedad y ruido), que son procesados por un software y traducidos en los nodos que articulan la red sensorial. Estos nodos son como semillas de una arquitectura virtual que crece y se adapta, toma decisiones de manera independiente y da lugar a estructuras arquitectónicas tanto al interior como al exterior del recinto de exhibición.

Corpora puede definirse como arquitectura basada en información y no en materiales físicos, ya que la fluidez como forma de vida se logra a partir de los datos obtenidos por la red de sensores que a su vez simulan la capacidad sensorial de la piel humana, capaz de percibir las alteraciones climáticas del entorno.

Solar
Rejane Cantoni/Leonardo Crescenti, Brasil, 2007

video

Solar en una plataforma robótica de carácter interactivo e inmersivo. Está diseñada para simular las cualidades e intensidades de la luz solar en relación con el espacio tiempo del ser humano. En el centro de la habitación son colocados dos arcos de metal (uno móvil y el otro fijo) que contienen rieles sobre los cuales se desliza un reflector lumínico dimerizado, cuyo movimiento es resultado de la interpretación que el sistema realiza a partir de datos introducidos por los usuarios. Sobre la pared del fondo se realiza una proyección panorámica que deja ver las coordenadas geográficas de la Tierra, igualmente cambiantes según las latitudes y longitudes introducidas por los visitantes.

La idea es la de señalar el vínculo perdido entre el movimiento de los astros y las personas, ya que cada vez nos molestamos menos en observar cotidianamente hacia el espacio.

Zee
Kurt Hentschlager, Austria, 2008


Zee es un espacio lleno de humo artificial, pulsaciones de luz, estroboscopios y sonidos; a manera de experiencia de inmersión provoca una desorientación total en la percepción. El público entra en un espacio lleno de niebla muy densa, de modo que los límites de la arquitectura quedan totalmente oscurecidos. Los dispositivos estroboscópicos y las pulsaciones de la luz crean a través del humo, estructuras cinéticas en constante flujo.

Lo que sobresale en este espacio inmersivo, es que la impresión efímera que se genera a nivel de experiencia, es el resultado directo de un fenómeno de interferencia en las ondas de la luz; de esta manera, Zee rebasa la idea de ser una simple percepción óptica. Este fenómeno se capta a manera de síntesis en el cerebro, por lo cual se convierte inmediatamente en un “paisaje de la mente”. ¡La experiencia es única, jamás vista!

Hylozoic Soil
Philip Beesley, Canadá, 2009


Esta instalación se presenta a manera de un “engranado textil” que señala procesos de hibridación de formas de la naturaleza realizadas con materiales tecnológicos. Los materiales son colocados a manera de bosque artificial en donde el “tejido” actúa como interconexión de matrices de componentes mecánicos, redes de sensores y actuadores que responden al movimiento de los visitantes mientras éstos se desplazan por la instalación.

Hylozoic Soil es también un espacio de inmersión, utiliza una red de sensores activados por docenas de microprocesadores que generan oleadas de movimientos sutiles hacia los visitantes que se adentran en la instalación. Aparecen así, diferentes niveles de actividad programada que fomentan la emergencia de una conducta espacial coordinada: responden con acciones específicas ante las acciones locales. El bosque se revela entonces como un organismo latente.

Para Philip Beesley es necesario pensar la tecnología no como una fuerza desmesurada, sino como un campo de estudio más sensorial e íntimo. Por ello debemos precisar la diferencia entre vida artificial e inteligencia artificial, conceptos autónomos el uno del otro. Hylozoic Soil invita a una nueva investigación arquitectónica que utiliza sistemas tecnológicos para generar espacios de relación y de respuesta con quienes la habitan, así como con diversos factores ambientales.

(in)posición dinámica/Ars Electronica México es una muestra que no deben dejar pasar. La exhibición en Laboratorio Arte Alameda abarca del 17 de marzo al 11 de mayo de 2010. Para mayor información revisen el sitio del Festival de México 2010.

sábado, 20 de febrero de 2010

WCS 2010 México Stage

Tanya Valentina Hernández Gutiérrez y José Alfredo Medina Lazarini representarán a México en el World Cosplay Summit 2010 a realizarse en Nagoya, Japón, el próximo verano. Interpretaron a Ion Fortuna y Abel Nightroad, personajes de Trinity Blood. Los disfraces son impresionantes, sobre todo el de Nightroad, que durante el performance tuvo una presencia imponente sobre el escenario.


Acerca de las rutinas, pocas consiguieron enganchar al público, especial mencion a los equipos: tres, (Dragon Quest); doce, (el guión más elaborado y sincronizado); y el comodín, que no pudo competir porque todos los inscritos se presentaron en tiempo y forma, pero de haberlo hecho habría figurado entre los primeros puestos.

Llama la atención que varios concursantes se hayan organizado via internet, a lo largo de toda la República Mexicana, lo que habla muy bien del apogeo de las redes y comunidades virtuales. También da gusto que iniciativas como el World Cosplay Summit generen tal capacidad de convocatoria, que permita vincular a los aficionados de distintas naciones con el objetivo claro de visitar Japón gracias a su afición.

Pues nada, que haya suerte para el equipo nacional y que representen al país con mucho orgullo.

martes, 16 de febrero de 2010

Misato Aki TNT GT4

Catalogada como J-pop singer, los temas interpretados por Aki Misato se vinculan generalmente con series anime y videojuegos. Debutó en el año 2004 y desde entonces ha cosechado quince singles y tres álbumes recopilatorios. De perfil más bien discreto y contados éxitos musicales, tuvo el agrado de visitar México en la pasada convención TNT GT4 en la Ciudad de México.

Simpática y muy guapa, todo hay que decirlo, su actuación dejó un buen sabor de boca entre los asistentes, quienes al igual que yo apenas conocíamos su trayectoria y uno que otro tema, sobre todo el ending de Mai Hime y el opening de la segunda temporada de Genshiken. Sin embargo, el clímax de la tarde lo protagonizó Romantic ageru yo clásico tema de Dragon Ball que forma parte del repertorio obligado de cualquier otaku.


Envuelta en kimono, zarape y sombrero charro, comparto con ustedes el encore de su presentación del último día de actividades de la TNT GT4.

viernes, 5 de febrero de 2010

2033: la película

Hoy llega a la pantalla grande el estreno de 2033, película mexicana de ciencia ficción, y a su vez, ópera prima del director Francisco Laresgoiti. Incluida en la selección de varios festivales especializados como el Fantastik Film Festival de Suecia, o el Scifi London de Inglaterra, en México pudimos disfrutar de su pre-estreno en el marco del Scifantasy 2009. La cinta, paladín de la cinematografía nacional, se enfrenta ahora al reto de conquistar el gusto del público mexicano, acostumbrado a tantos churros locales que alejarían de la taquilla a más de uno.

Si bien es cierto que, los efectos especiales condicionan la calidad final de cualquier película que pretenda ilustrar el futuro de la humanidad, éstos deben satisfacer, por lo menos, el concepto de credibilidad para concretar con éxito el acuerdo tácito entre el autor y el público. Si los presupuestos no son tan impresionantes como los norteamericanos, (imposible compararnos), al menos contamos con la creatividad que nos ha mantenido a flote y que hoy nos permite incursionar en territorios, hasta hace poco, inalcanzables.

Por tanto, 2033 reinaugura el género de Ciencia Ficción nacional, con el auguro de germinar más proyectos que a la larga, nos coloquen de nueva cuenta en el mapa internacional del género, porque ya ha quedado demostrado que México, gracias a su condición multicultural, cuenta con elementos de inspiración infinitos, pero que todavía aguardan pacientes de ser desenterrados.


Sinopsis
El fraude en las elecciones presidenciales de 2012 lleva el descontento social a una ruptura definitiva del Estado mexicano. Tras el inminente colapso de las instituciones es el ejército quien asume los poderes fácticos de la nación y promulga un nuevo régimen totalitario, donde las libertades individuales de la población quedan suprimidas por completo. Desde entonces, la disidencia de unos cuantos, cobijados por la fe cristiana, mantienen viva la esperanza de recobrar la paz que alguna vez brilló en México, hoy Villaparaíso.

Pablo (Claudio Lafarga), joven arrogante, inmerso en la clase social privilegiada, no cuenta con mayor preocupación que sus planes de esparcimiento nocturno y la variedad de narcóticos consumidos. El paradero de su padre ocasiona una serie de interrogantes que lo obligan a reflexionar sobre la situación de desigualdad que impera fuera de las fronteras civilizadas, así que decide formar parte del bando rebelde.

Como sí la pesadilla orweliana no fuera suficiente, el susurro de un mundo feliz permanece a lo largo de la cinta: Pactia en vez de Soma, marginados en vez de salvajes; la realidad que asombra a Pablo no es otra que la misma que han padecido generaciones enteras a lo largo de la historia: la riqueza acumulada en unos cuantos y la pobreza en otros muchos. Es el Padre Miguel (Marco Treviño), líder de la rebelión, quien se encarga del adoctrinamiento de Pablo, quien consigue desintoxicarse de la distopía imperante en la metropoli.


Comentario
Las locaciones y el trabajo de fotografía se llevan las palmas de principio a fin. La limpieza estética en cada encuadre demuestra que el talento existe y es capaz de competir en el mercado internacional. La fisura que disloca la estructura toda, es, por desgracia, el guión y los argumentos. Tan predecibles que terminan por distraer la atención del espectador, aún en las secuencias que suponen el clímax narrativo. Ni una vuelta de tuerca, ni un giro inesperado, uno agradece las cortinillas digitales con planos panorámicos de la Ciudad de México, pero debemos comprender que una película no se hace en la sala de pos-producción. Si la trama fuera más elaborada, nadie echaría de menos los efectos especiales.

Donde más se advierte el límite presupuestario es en el vestuario. La etiqueta social exige una suerte de uniforme que haga desaparecer la idea de persona como individuo. Los aditamentos tecnológicos sobre las telas matizan la precariedad, pero no aportan gran cosa al desarrollo de la historia y desembocan en un accesorio meramente ornamental.

Lo que de plano nunca me cuadró es la elección del cristianismo como símbolo de resistencia, cuando la historia nos muestra que la religión, sobre todo la católica, ha sabido acomodarse en las élites de poder; ¿por qué México habría de ser la excepción?. Más aún cuando la idiosincrasia mexicana se inclina antes por el guadalupanismo que por el cristianismo. Esta bien que la guerra cristera haya fungido como instrumento de inspiración, pero que condicione la trama por completo es exagerado.

Un promedio general arroga una calificación aceptable, sin menciones honoríficas salvo la refinación estética antes apuntada. Ahora, lo que urge es tinta e imaginación inspiradas para alimentar al género de ciencia ficción que se ha distinguido por su origen literario antes que audiovisual.

jueves, 4 de febrero de 2010

Álvaro Cueva: Animación Oriente vs Occidente

Ahora que el clima y los cortes eléctricos ya no son un problema, el flujo de información prosigue con normalidad. El sábado pasado Álvaro Cueva dedicó la emisión de su programa Alta Definición a la confrontación directa entre la animación de oriente contra la de occidente, y como ya es costumbre, la evidencia no podía faltar en este espacio.

En principio, queda claro que anime que se estrena por TV abierta, anime que aparece en los conteos especiales: Kaleido Star y Ghost in the Shell SAC entre los más recientes, pero, no sé si lo han notado, cada vez que el tema central es la animación, los títulos reseñados se repiten una y otra vez: que si Caballeros del Zodiaco, que si Sailor Moon, que si Candy Candy ...; me parece que dichas series marcaron época y resultan imprescindibles para el crecimiento y auge de la animación japonesa en México, sin embargo, para la actualidad se antojan superadas.


Sé que el anime por abierta cada vez es más escaso, si no fuera por Canal 22, el panorama sería poco menos que sombrío. En consecuencia, abordar el tema en televisión o cualquier otro medio, exige una actualización constante, diaria, si nos avocamos a las reglas de la información actuales. Por el contrario, la animación de occidente listó títulos frescos y que acaparan gran parte de la programación al aire. Ya sea por la proximidad geográfica o por la costumbre (arcana) de depender de la industria cultural norteamericana, lo cierto es que la competencia, si no desleal, es muy desequilibrada.

Por lo tanto, no hay que perder de vista que catorce de las veinticinco series en disputa, así como siete de los primeros diez puestos, incluidos los dos primeros, pertenecieron a la región oriental. Sin perder cuidado al par de Animerican Series Avatar y Kappa Mike.

Sólo para finalizar ¿Quién demonios pudo haber votado por El Chavo Animado? Creo que fue incluido en el ranking por decir que existe animación hecha en México.


domingo, 24 de enero de 2010

Avatar

"Si he de ser estafado al menos que sea por el mejor". Esta fue mi firme consigna antes de acudir, siempre escéptico, al llamado de la nueva era de la cinematografía, perdón, de los efectos especiales. Una era que privilegia al cine antes como negocio que como arte. Con proyección digital 3D y precios 2x, se comprende que la espera de James Cameron para producir una cinta como Avatar no se limitó a la capacidad tecnológica, sino que también aguardó a que la crisis creativa por la que atraviesa Hollywood tocara fondo para vender un relato clásico, tanto como el ABC del drama épico, como la revolución que el mundo ansiaba. Aunque no lo crean, las cifras confirman que lo ha conseguido.


Avatar es una película de contrastes y paradojas. Por un lado impresiona el pulido acabado de las texturas gráficas, resultado del trabajo a tope de 40,000 procesadores y 104 terabyte en RAM, opacadas, únicamente, por el apolillado libreto apegado al canon épico antes citado. Recurre al desequilibrio climático para realizar una introspección catártica de la década reciente en los EUA, a saber 11 de septiembre y las consecuentes invasiones a Iraq y Afganistán; crack económico y la ilusoria esperanza depositada en Barak Obama.

Como en su momento Roland Emmerich redimió la generación de Vietnam, al convertir en mártir de la humanidad a un ebrio-fumigador-excombatiente en Día de la Independencia, Cameron hace lo propio con la camada de Medio Oriente, al proponer un Jarkhead sensible, racional, capaz de comprender formas de pensamiento externas a la propia. Pero incluso va más allá, y actualiza el personaje de Ron Kovic (Tom Cruise), de Nacido el 4 de julio, cinta dirigida por Oliver Stone, con el choise one en turno Jake Sully, marine igualmente lisiado que padecerá objeción de conciencia y guiará la rebelión contra los de su misma especie.


La idea del cuerpo como contenedor, acaso prisión de la mente como evidencia única de identidad tampoco es nuevo, y en cuanto al discurso audiovisual, la animación japonesa lo ha abordado constantemente. Desde Ghost in the Shell (manga, serie y largometraje), Serial Experiments Lain, o Kaiba de Masaaki Yuasa. Sin dejar de mencionar la íntima vinculación entre la mente humana y los artefactos mecánicos, desde Escaflowne con el ritual del corazón de dragón, Macross Plus y la sincronía psíquica con la Valkiria y qué decir de Evangelion y la comunión entre el piloto y la unidad biomecánica.

La transmutación del ser humano a Na'vi es posible gracias a los avances científicos y tecnológicos desarrollados por el intelecto humano, su herramienta más eficaz de autoconservación a pesar de haber corroído su hábitat natural. Como regla general, el valioso conocimiento es generado a partir del capital privado, encarnado en la corporación privada como personaje antagónico del nuevo siglo. De todos es sabido que el objetivo de la inversión no es lograr el bien común, sino el beneficio individual. No obstante, la disyuntiva ética sobre la manipulación genética, no sólo de la especie humana sino de la alienígena, se desvanece ante el rigor científico comandado por la doctora Grace Augustine (Sigourney Weaver). Por tratarse del año 2154 no esperaba menos.


La filosofía existencial de los Na'vi basada en la deidad llamada Eywa, encargada de mantener el equilibrio del ecosistema en Pandora, posee correspondencia terrestre en la hipótesis de Gaia publicada en 1979 por el químico James Lovelock, donde se postula que la vida fomenta y mantiene unas condiciones adecuadas para sí misma, afectando al entorno. Gaia se comportaría como un sistema auto-regulador que tiende al equilibrio. La diferencia radica en que Eywa existe física y tangiblemente en Pandora, mientras que Gaia en la tierra es meramente conceptual.

Si la exótica diversidad de flora y fauna conformadas sobre la superficie de Pandora ha causado una depresión masiva entre los fanáticos más acérrimos, por la incapacidad de trasladarse hasta dicho paraíso, déjenme decirles que han llegado muy tarde a la repartición de Prozac y Valium. Qué sorpresa que la población mundial haya abierto los ojos al triste panorama actual sólo hasta que una película taquillera les ilustrara el inminente desastre que se avecina, cuando muchos otros directores, más allá del blockbuster veraniego, han advertido con antelación de la descomposición climática y social que ya ha hecho mella en varias zonas del planeta.


Si no es suficiente con un planeta ficticio y una que otra nota periodística catastrófica, conviene aclarar que haber producido Avatar nos ha acercado un poco más a la desaparición del color verde de este planeta y alejado otro tanto de habitar junto a los Na'vi. Porque si cada consulta en Internet emite 0.2 gramos CO2 hacia la atmósfera, ¿imaginan la cantidad de gas invernadero generado por los procesadores y memoria RAM para renderizar Pandora? He ahí la paradoja.

Si alguien pudiera acusar de plagio a James Cameron, o al menos reclamar alguna regalía por inspirarlo, es sin duda el escritor argentino Julio Cortázar, en concreto por su cuento "La noche boca arriba", en el que relata sin necesidad de microprocesadores ni proyectores digitales, la convergencia onírica sincrónica entre dos personas que, por sus contextos espacio/temporales particulares, bien podríamos considerarlos como alienígenas entre sí.

Por lo pronto, ya no es ningún secreto que más de 1,500 millones de dólares de recaudación son suficientes para comprar un Globo de Oro, porque al final resulta en la actualidad se premian récords de taquilla más que cualquier otra virtud que el cine pueda ofrecer. La única relevancia de convertir a Avatar en una trilogía es la de ver al planeta Tierra reducido a cenizas.